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SUMMARY:《夜遊者》練佳昕 個展
DESCRIPTION:《夜遊者》練佳昕 個展\n展期｜\n2026.04.11 – 05.30\n開幕｜\n2026.04.11 (六) 15:00\n藝術家與談｜\n2026.05.09 (六) 15:00\n→ 報名 \n  \n練佳昕以膠彩作為創作媒材，運用礦物顏料細緻堆疊色層，建立出沉靜而內斂的畫面節奏，並以藍色作為作品中反覆出現的重要視覺語彙。對她而言，藍色不只是夜晚的色彩，也是一種能夠承載情緒、時間感與空間感的表現方式。 \n本次展覽以〈藍夜〉與〈城市裡的夜遊者〉系列為主軸，呈現藝術家近年對夜間城市景象、生活場景與心理感受的觀察與轉化。藝術家將攝影中的取景經驗帶入繪畫，透過多視角的畫面安排與構圖轉換，使作品不只是對外在景物的描繪，也包含對生活經驗與內在狀態的整理。畫面中的空間往往安靜、開闊，帶有停頓感，呈現夜晚特有的節奏與觀看方式。 \n在練佳昕的作品中，人物並不常直接出現，但畫面並非全然空無。桌上的甜點、冒著熱氣的器物、室內微亮的燈光，或遠方城市的光點，都成為暗示生活痕跡的重要線索。這些細節使畫面在冷色基調之中保有溫度，也讓作品所描繪的夜色不只是寂靜，更帶有某種與日常相連的親近感。 \n除了室內與街景題材，展覽中也可見海洋、建築與城市邊界等較為寬廣的場景。巨大的自然或建築空間，映照出人與環境之間的尺度關係，也進一步擴展了作品對「夜遊者」狀態的思考。練佳昕並不刻意強調孤獨或疏離，而是透過夜色中的光線、物件與空間安排，引導觀者重新觀看那些平日容易略過的細微片刻，重新思考熟悉景象中的陌生性，並開展出介於現實與感知之間的敘事層次。 \n練佳昕，畢業於國立臺灣藝術大學書畫藝術學系，曾參與「楊桃派—阿波羅畫廊新銳藝術家助長計畫」聯展，並於2023年獲得新北市美展膠彩類第三名，以及於2024的台南藝博以及2025年的台中藝博於阿波羅展位展出作品，逐步累積創作能量與展覽經驗。 \n  \n→ 練佳昕 簡歷\n→ 欣賞 虛擬展廳 \n\n“Night walkers” —  Solo Exhibition by LIAN Chia-ShinOpening｜11.04\, 2026 Sat. 15:00Duration｜11.04 – 30.05\, 2026Artist Talk｜09.05\, 2026 Sat. 15:00\n→Sign up \n  \nLian Chia-Shin works primarily with nihonga-inspired mineral pigments\, meticulously layering colors to construct a quite\, restrained visual rhythm. Blue serves as a recurring and essential visual language in her practice. For the artist\, blue is not merely the color of night\, but a means of carrying emotion\, a sense of time\, and spatial perception. \nThis exhibition centers on the series Blue Night and Night Walkers in the City\, presenting the artist’s recent explorations and transformations of nocturnal urban landscapes\, everyday scenes\, and psychological states. Incorporating her experience in photographic framing into painting\, Lian employs multi-perspective compositions and shifting viewpoints. Her works thus move beyond depictions of external scenery\, becoming reflections on lived experience and inner conditions. The spaces within her paintings are often quiet and expansive\, imbued with a sense of pause that captures the distinctive rhythm and mode of perception associated with nighttime. \nFigures rarely appear directly in Lian’s work\, yet her compositions are far from empty. Desserts placed on a table\, steaming vessels\, softly lit interiors\, or distant city lights all act as subtle traces of human presence. These details introduce warmth into her cool-toned palette\, allowing the nocturnal scenes she depicts to feel not only tranquil\, but also intimately connected to everyday life. \nIn addition to interior and street scenes\, the exhibition also features broader subjects such as the ocean\, architecture\, and urban boundaries. These vast natural and built environments reflect the relationship of scale between humans and their surroundings\, further expanding the notion of the “Night walker.” Rather than emphasizing loneliness or alienation\, Lian uses light\, objects\, and spatial arrangements within the night to guide viewers toward moments that are often overlooked. Through this process\, she invites a reconsideration of the unfamiliar within the familiar\, unfolding a narrative that exists between reality and perception. \nLian Chia-Shin graduated from the Department of Calligraphy and Painting Arts at National Taiwan University of Arts. She has participated in the group exhibition“Young &Top – Apollo Gallery Emerging Artist Exhibition”and was awarded Third Prize in the Nihonga category at the 2023 New Taipei City Art Exhibition. Her works were also presented at the Apollo Gallery booth in ART TAINAN 2024 and ART TAICHUNG 2025\, through which she has steadily developed her artistic practice and exhibition experience. \n  \n→ LIAN Chia-Shin’s CV\n→ AR Exhibition
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LOCATION:阿波羅畫廊\, 大安區忠孝東路四段218-6號A棟2樓 (阿波羅大廈)\, 台北市\, 106\, 台灣
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SUMMARY:2026 台南國際藝術博覽會 展房612
DESCRIPTION:  \n |藝術家 | \n黃歌川 、陳昭宏、劉洋哲、戴壁吟、葉東進、裵秀英、王綺穗、黃至正、蘇泓諺、張凱閔、林禹良、江為彬\n|地點 | \n台南晶英酒店 Silks Place Tainan (台南市中西區和意路 1 號)\n|展房 | \n612 \n臺南為清朝臺灣府的府城前身，是臺灣文化的發源地之一，也是臺灣藝術發展的重要起點。從荷蘭、明清到日治，再到現代，臺南在多重文化交融與長時間的生活累積之中，形成一種層層堆疊的城市質地。這座城市不僅保存著歷史文化遺產，也持續在當代社會裡轉化、更新與生長，成為臺灣不可忽視的文化寶庫。 \n這次的展覽為《觀看之間》關注的是人如何透過自身經驗、背景與感受去理解所處的世界。觀看並非單一而固定的行為，而是一種在時間、生活與創作歷程中不斷被形塑與調整的狀態。本次聯展匯集十二位來自不同世代與創作脈絡的藝術家，分別為 黃歌川 、陳昭宏、劉洋哲、戴壁吟、葉東進、裵秀英、王綺穗、黃至正、蘇泓諺、張凱閔、林禹良、江為彬\n他們以各自的觀看方式回應所見，並將這些觀看轉化為作品中的畫面、材料與結構，使創作成為一種被保留下來的視線。 \n黃歌川\n作品風格以跨域融合為核心，展現出強烈的實驗精神與求新求變的特質。他研發革新的冰裂紋蠟染畫技法，將繁雜的工序化繁為簡，以具立體錯覺感的冰裂紋作為作品靈魂，創造出強大的視覺衝擊力與豐富的肌理質感。\n1950年代參與台灣現代繪畫運動，與朱德群、楊英風、陳庭詩等共同推動藝術社團，分別創立「中華民國畫學會」、「中華民國版畫學會」等，對戰後台灣藝術發展具奠基性貢獻。 \n陳昭宏\n知名的照相寫實主義藝術家。他從早期抽象轉向具象，受大師安格爾啟發，以細膩筆觸與噴槍技法著稱。作品聚焦女人與花，精確捕捉肌膚光澤、毛孔與水珠等微觀細節。他常利用特寫與局部構圖，模糊攝影與繪畫界限，展現強烈感官美感與生命瞬間。其創作過程被視為一種練功與提煉，追求極致純度與精確，將藝術昇華至宗教般的生命修行層次。\n作品曾參與過阿波羅畫廊的兩次個展，並在Art Taipei、Taipei Art Week、Art Solo、Art Taichung、Art Tainan等國內外重要藝術博覽會中展出。他的作品被紐約古根漢美術館、聖荷西美術館、臺北市立美術館等機構典藏，並成為當代照相寫實主義的重要代表之一。 \n劉洋哲\n藝術風格融合西洋油畫與現代版畫技法，展現出飽和鮮明的色彩與繽紛層次感。他以具象表現為核心，將台灣本土元素、歷史古蹟與日常物件結合，並融入超現實風格，使平凡景物帶有神祕且具趣味性的意境。其作品特質寧靜厚實，透過層次豐富的油彩堆疊，傳達出深沉的鄉愁與人文關懷。\n創作亦屢獲重要獎項肯定，為臺灣現代版畫發展的重要代表人物之一。其作品獲國立巴黎圖書館、法國版畫美術館、國立臺灣美術館、國立歷史博物館，以及多所中國與日本美術館與文化機構典藏。 \n戴壁吟\n作品風格從早期的印象派轉向獨特的抽象藝術。他以自製手工紙為核心，視紙張為創作的主格而非僅是基底，並強調其肌理、韌性與空間感。畫中常融入阿拉伯數字與日常用品壓印（如扇子、衣架），呈現單純、抒情且具禪意的視覺語言。其風格深受老莊哲學與西班牙大師達比埃斯影響，展現出藝術還原心性單純的精神境界。\n戴壁吟持續於臺灣與國際間展出，並多次與阿波羅畫廊合作舉辦個展及參與 Art Taipei、Art Taichung、Art Tainan 等重要藝術博覽會。其創作亦以「紙」為核心媒材發展出系列作品，相關研究與創作成果出版成書，包括《紙與戴壁吟對話》與《臺灣紙戴壁吟》等。長年旅居西班牙的經驗，使其創作橫跨歐洲與臺灣藝術脈絡，並在繪畫、材料與空間表現之間持續展開探索。 \n葉東進\n葉東進融合數學理性與藝術感性。他擅用油彩蠟筆，透過層層堆疊與敲打顯現特殊肌理。作品構圖簡約且色彩雅緻，常以山巒、孤鳥與新月象徵生命流轉與內在根源。風格寧靜祥和並帶有神祕光影，展現出超越現實、沉澱後的內心風景與靈性氣韻亦長期參與臺北、臺中、臺南等地之藝術博覽會，並多次透過阿波羅畫廊於國內外藝術平台展出作品。其創作成果亦收錄於出版品《藉題發揮得意忘形》。 \n裵秀英\n裴秀英的作品以「連結的美學」為核心，巧妙將廢棄電路板、半導體晶圓與金屬管材轉化為充滿情感的裝置藝術。她運用鍍鉻色彩與光潔表面營造出神祕的未來科技感，常以心型、蝴蝶及蘋果為符碼，象徵生命的蛻變與人際情感的意念傳遞。其風格融合科技與人文，將電子電路比擬為人類的血管與經絡，挑戰對廢棄物的傳統認知，在冰冷機械中注入真誠的生命能量\n作品橫跨雕塑、公共藝術及跨界合作，致力於創造與當代文化及情感的深刻對話。裵秀英曾為韓國K-pop女團(G)I-DLE設計廣告及《韓國大音樂獎》的獎盃，並且其作品已被包括首爾市政廳在內的多個重要場所與韓劇《Confidence Man KR》收藏。 \n王琦穗\n王綺穗以水分子與水滴為核心符號，隱喻原住民身分認同與集體記憶的流動。她擅長動態影像感寫實語言，藉由影格序列捕捉流動瞬間，營造電影般的動態效果。近年更將傳統編織工藝融入藝術實踐，親手織就麻布並運用輕透罩染法，在低限且模糊的寫實風格中，利用水滴濾鏡展現虛實交錯的光影，構築出具包容性的「安全空間」\n持續於臺灣與歐洲展出作品，個展與聯展曾於高雄市立美術館、屏東美術館、大象藝術空間館、家畫廊、游移美術館、甘樂阿舍美術館，以及英國、奧地利、捷克等地舉行。其作品獲國立臺灣美術館、葉榮嘉美術館及中環美術館典藏，並曾參與多項藝術駐村與公共藝術計畫。 \n黃至正\n黃至正的作品以金屬箔為基底，結合水墨、影像轉印與縫紉等複合媒材。他深受陰翳美學影響，擅捕捉窗簾透光的細緻光影，營造憂傷感性的氛圍。創作核心圍繞生命議題、家族記憶與性別情慾，透過拆解與重組圖像，將個人情感與壓抑的慾望轉化為極具層次感的視覺語彙\n曾獲文化部「MIT新人推薦藝術家」、臺南新藝獎首獎、高雄獎等肯定，作品被臺南市美術館與國立臺灣美術館典藏。長期與阿波羅畫廊合作，並多次參與Art Taipei、Art Taichung、Art Tainan等國內重要藝術博覽會。 \n蘇泓諺\n蘇泓諺的作品以黑、白、灰為基調，受天生色弱影響，營造出如古早電影般冷冽且具劇場感的氛圍。他常以無人空間與日常物件為載體，探討記憶斷面、時間流逝與生命存有。透過留白與結構張力，構築出靜默而緊繃的心理場域，引發觀者對生命脆弱與持續的延遲性共鳴。\n2025年參與《次序之外》楊桃派新銳藝術家助長計畫，於阿波羅畫廊展出，並同年參與臺南藝術博覽會阿波羅畫廊展位。其作品亦曾展出於《競技場》臺藝大美術系校慶美展、《綠蹤》臺藝大美術系創作展、《Container 容器》等展覽。 \n張凱閔\n張凱閔的作品以油彩為主要媒材，核心特色在於構築「遊戲化」與「模擬性」的場景。他擅長將日常生活轉化為具荒誕感的圖像，使作品遊走於真實與虛構的邊界。畫中人物常處於規則未明的任務狀態，在秩序與混亂間反覆運行。其創作體現對「遊戲性」的迷戀，藉由繪畫建立另類空間以抵抗數位疲勞，並捕捉人在擬像中迷航的張力。\n2025年參與《次序之外》楊桃派新銳藝術家助長計畫於阿波羅畫廊展出，並曾參與《有展跟美展一樣》畢業展、《綠蹤》創作展、《Container 容器》及多場聯展，作品持續於不同展示脈絡中呈現。 \n林禹良\n林禹良的作品以繪畫為主要媒材，常以森林、林道及夜色為場景，探討人物與環境間緊密卻不明確的關係。其風格特徵在於畫面中面容模糊、背向觀者且穿著相似的人物，營造出具系統性卻難以界定的沉靜視覺層次。此外，他將昆蟲採集意象擬人化，透過對光源、競爭與落空的描繪，呈現出對生命狀態細膩且具思辨性的觀察與解讀。\n2025年參與《次序之外》楊桃派新銳藝術家助長計畫，於阿波羅畫廊展出；亦曾參與《蒔花．弄草》聯展、馥蘭朵烏來度假酒店聯展，以及多場校內外聯展。其創作歷程中曾多次獲得全國性繪畫與寫生競賽獎項肯定。 \n江為彬\n江為彬以水族缸造景為靈感，透過油畫構築出微型生態系的畫面世界。其風格強調在自由生長與理性編排之間取得平衡，藉由水草、石塊與魚群建立沉靜且有序的空間配置。他常以「朱文錦」等飼料魚為媒介，探討生命被觀看與分類時的價值差異，在微觀的水中場景中展現生命的韌性、平等性與共生關係，將現實情緒轉化為具感官律動的水中異想。\n2025年參與《次序之外》楊桃派新銳藝術家助長計畫，於阿波羅畫廊展出，亦曾參與《有展跟美展一樣》畢業展、《台藝大繪畫科》聯展等校內外展覽。其創作歷程中曾獲道教總廟三清宮建宮五十週年佳作，以及風野盃寫生比賽優選等獎項肯定。 \n  \n｜展出資訊｜ \n展覽：ART TAINAN 2026 台南藝術博覽會｜阿波羅畫廊｜《觀看之間》 \n｜貴賓預展｜ \n2026/03/12 (四) 15:00–19:00 \n｜公眾展期｜ \n2026/03/13 (五) – 03/15 (日) \n｜開放時間｜ \n12:00–19:00 ( 3/15 至 18:00 ) \n｜地點｜ \n台南晶英酒店 Silks Place Tainan (台南市中西區和意路 1 號) \nTainan\, formerly the seat of Taiwan Prefecture during the Qing dynasty\, is one of the birthplaces of Taiwanese culture and an important point of origin in the development of Taiwanese art. From the Dutch and Ming-Qing periods to Japanese rule and the modern era\, Tainan has developed a richly layered urban character through the convergence of multiple cultures and the long accumulation of everyday life. The city not only preserves its historical and cultural heritage\, but also continues to transform\, renew\, and grow within contemporary society\, making it one of Taiwan’s most significant cultural treasures. \nThis exhibition\, Between Ways of Seeing\, focuses on how people come to understand the world through their own experiences\, backgrounds\, and perceptions. Seeing is not a singular or fixed act\, but rather a condition continuously shaped and reshaped through time\, life\, and artistic practice. This group exhibition brings together twelve artists from different generations and creative trajectories: Ko-Chuan HUANG\, Hilo CHEN\, Yang Che LIU\, Bih-In DAI\, Tung-Jinn YEH\, Soo-Young BAE\, Chi-Sui WANG\, Chih-Cheng HUANG\, Hung-Yen SU\, Kai-Min CHANG\, Yu-Liang LIN\, and Wei-Pin CHIANG.Through their distinct modes of seeing\, they respond to what they perceive and transform these acts of perception into image\, material\, and structure\, allowing artistic creation to become a preserved line of sight. \nKo-Chuan HUANG\nHuang’s artistic practice centers on cross-disciplinary integration and is marked by a strong experimental spirit and a constant drive for innovation. He developed an innovative crackle-pattern batik technique\, simplifying an otherwise complex process and turning the illusionistic crackled surface into the soul of the work\, creating powerful visual impact and richly textured surfaces.In the 1950s\, he participated in Taiwan’s modern painting movement and\, together with artists such as Chu Teh-Chun\, Yuyu Yang\, and Chen Ting-Shih\, helped promote important art societies\, including the Chinese Painting Association and the Republic of China Printmaking Association\, making a foundational contribution to the development of postwar Taiwanese art. \nHilo CHEN\nA renowned Photorealist artist\, Hilo Chen shifted from early abstraction to figuration under the influence of the master Ingres. He is known for his meticulous brushwork and airbrush technique. His works focus on women and flowers\, capturing microscopic details such as the sheen of skin\, pores\, and water droplets with remarkable precision. Through close-up views and cropped compositions\, he blurs the boundary between photography and painting\, revealing an intense sensual beauty and fleeting moments of life. His creative process has often been regarded as a form of discipline and refinement\, pursuing absolute purity and precision\, and elevating art to a level akin to spiritual cultivation.His works have been featured in two solo exhibitions at Apollo Art Gallery and in major domestic and international art fairs\, including Art Taipei\, Taipei Art Week\, Art Solo\, Art Taichung\, and Art Tainan. His works are held in the collections of institutions such as the Solomon R. Guggenheim Museum in New York\, the San Jose Museum of Art\, and the Taipei Fine Arts Museum\, and he is widely regarded as an important representative of contemporary Photorealism. \nYang Che LIU\nLiu’s artistic language combines Western oil painting and modern printmaking techniques\, distinguished by saturated\, vivid colors and richly layered visual depth. Rooted in figuration\, his work integrates Taiwanese local elements\, historical architecture\, and everyday objects\, while incorporating surrealist touches that imbue ordinary scenes with mystery and poetic charm. His works are characterized by a sense of calm solidity\, and through thick layers of oil paint he conveys profound nostalgia and humanistic concern.His artistic achievements have been recognized by numerous major awards\, and he is regarded as one of the important representatives of modern Taiwanese printmaking. His works are collected by the Bibliothèque nationale de France\, the French Museum of Printmaking\, the National Taiwan Museum of Fine Arts\, the National Museum of History\, and various museums and cultural institutions in China and Japan. \nBih-In DAI\nDai’s work evolved from early Impressionist influences into a distinctive abstract language. Centering on handmade paper\, he treats paper not merely as a support but as the principal subject of creation\, emphasizing its texture\, resilience\, and spatial presence. Arabic numerals and impressions of everyday objects such as fans and hangers often appear in his works\, forming a visual language that is simple\, lyrical\, and imbued with a Zen-like sensibility. His style is deeply influenced by Daoist philosophy and the Spanish master Antoni Tàpies\, revealing a spiritual pursuit of restoring the purity of one’s inner nature through art.Dai has continued to exhibit in Taiwan and internationally\, and has repeatedly collaborated with Apollo Art Gallery through solo exhibitions and participation in major art fairs such as Art Taipei\, Art Taichung\, and Art Tainan. With paper as his primary medium\, he has developed a sustained body of work\, and related studies and publications include Dialogue Between Paper and Dai Bih-In and Taiwan Paper: Dai Bih-In. His long residence in Spain has allowed his practice to move fluidly between European and Taiwanese artistic contexts\, continuing to explore the relationship among painting\, material\, and space. \nTung-Jinn YEH\nYeh’s work brings together mathematical rationality and artistic sensibility. He is skilled in using oil pastel\, building up and striking through layers to reveal distinctive textures. His compositions are concise and his colors refined\, often using mountains\, solitary birds\, and crescent moons as symbols of life’s flow and inner roots. Quiet and serene\, yet touched by mysterious light\, his work evokes inner landscapes and spiritual resonance that seem to transcend reality. He has long participated in art fairs in Taipei\, Taichung\, and Tainan\, and has repeatedly exhibited on domestic and international platforms through Apollo Art Gallery. His creative achievements have also been documented in the publication Borrowing the Theme\, Forgetting the Form. \nSoo-Young BAE\nAt the heart of Bae’s work is an “aesthetics of connection.” She transforms discarded circuit boards\, semiconductor wafers\, and metal tubing into emotionally charged installations. Through chrome finishes and polished reflective surfaces\, she creates a mysterious futuristic atmosphere. Hearts\, butterflies\, and apples recur as symbolic forms\, suggesting transformation and the transmission of emotional energy between people. Her practice merges technology and humanity\, likening electronic circuitry to human veins and meridians\, challenging conventional perceptions of waste and infusing cold machinery with sincere vitality.Her work spans sculpture\, public art\, and interdisciplinary collaboration\, always seeking profound dialogue with contemporary culture and emotion. Bae has designed advertising visuals for the K-pop girl group (G)I-DLE and the trophy for the Korean Music Awards\, and her works have been collected by major venues including Seoul City Hall and featured in the Korean drama Confidence Man KR. \nChi-Sui WANG\nWang centers her practice on water molecules and droplets as metaphors for Indigenous identity and the fluidity of collective memory. She is known for a realist language informed by moving-image aesthetics\, using sequential visual fragments to capture moments in motion and create a cinematic effect. In recent years\, she has incorporated traditional weaving techniques into her artistic practice\, hand-weaving linen and applying translucent glazing methods. Within a restrained and softly blurred realist language\, she uses a “droplet lens” effect to produce interwoven layers of illusion and reality\, constructing an inclusive “safe space.”She continues to exhibit in Taiwan and Europe\, with solo and group exhibitions held at the Kaohsiung Museum of Fine Arts\, Pingtung Art Museum\, Da Xiang Art Space\, Home Gallery\, Yo-Yi Art Museum\, Ganle A-She Art Museum\, and venues in the United Kingdom\, Austria\, and the Czech Republic. Her works are held in the collections of the National Taiwan Museum of Fine Arts\, the Yeh Rong-Jia Art Museum\, and the Chung Huan Art Museum\, and she has participated in numerous artist residencies and public art projects. \nChih-Cheng HUANG\nHuang works on metal foil grounds\, combining ink\, image transfer\, sewing\, and mixed media. Influenced by the aesthetics of shadow\, he is particularly attentive to delicate light filtered through curtains\, creating an atmosphere tinged with melancholy and sensitivity. His practice revolves around themes of life\, family memory\, gender\, and desire. Through the dismantling and reassembly of images\, he transforms personal feeling and repressed longing into a highly layered visual language.He has received recognition including the Ministry of Culture’s MIT New Artist recommendation\, the Grand Prize at the Tainan New Arts Award\, and the Kaohsiung Award. His works are held in the collections of the Tainan Art Museum and the National Taiwan Museum of Fine Arts. Huang has long collaborated with Apollo Art Gallery and has participated in major domestic art fairs such as Art Taipei\, Art Taichung\, and Art Tainan. \nHung-Yen SU\nWorking primarily in black\, white\, and gray\, Su’s paintings are shaped by his congenital color weakness\, creating an atmosphere reminiscent of old cinema\, cold\, theatrical\, and suspended. He often uses uninhabited spaces and everyday objects as carriers for reflections on fragments of memory\, the passage of time\, and the condition of existence. Through negative space and structural tension\, he constructs silent yet taut psychological fields\, inviting viewers into a delayed resonance of fragility and endurance.In 2025\, he participated in Beyond the Order\, the Young Art Promotion Project\, exhibited at Apollo Art Gallery\, and also joined Apollo Art Gallery’s presentation at ART TAINAN that same year. His works have also appeared in exhibitions such as Arena\, Green Trace\, and Container. \nKai-Min CHANG\nChang works primarily in oil painting\, constructing “game-like” and simulated scenarios as the core of his visual language. He transforms everyday life into absurd image systems that hover between reality and fiction. Figures in his paintings often appear to be carrying out tasks governed by unclear rules\, endlessly cycling between order and disorder. His work reveals a fascination with play and simulation\, using painting to create alternative spaces that resist digital fatigue while capturing the tension of drifting through a world of images.In 2025\, he participated in Beyond the Order\, the Young Art Promotion Project at Apollo Art Gallery. His works have also been shown in the graduation exhibition Same as the Art Exhibition\, as well as Green Trace\, Container\, and other group exhibitions. \nYu-Liang LIN\nLin works primarily in painting and often stages his scenes in forests\, woodland paths\, and nocturnal landscapes\, exploring relationships between figures and environment that are intimate yet difficult to define. His work is marked by blurred faces\, figures seen from behind\, and similarly dressed characters\, producing a visual order that feels coherent yet elusive. He also anthropomorphizes the imagery of insect collecting\, using depictions of light\, competition\, and disappointment to offer subtle and reflective observations on the conditions of life.In 2025\, he participated in Beyond the Order\, the Young Art Promotion Project at Apollo Art Gallery. He has also exhibited in Planting Flowers\, Tending Grass\, a group exhibition at Volando Urai Spring Spa & Resort\, as well as in various academic and independent exhibitions. His practice has received recognition in several national painting and plein-air competitions. \nWei-Pin CHIANG\nInspired by aquarium landscape design\, Chiang constructs painted worlds that resemble miniature ecosystems. His work seeks a balance between organic growth and rational arrangement\, using aquatic plants\, stones\, and fish to build calm and ordered spatial compositions. He often uses feeder fish such as Zhu Wen Jin as his subject\, probing differences in the value assigned to life when it is observed and categorized. Within these microcosmic underwater scenes\, he reveals resilience\, equality\, and coexistence\, transforming real emotions into aquatic reveries with a distinct sensory rhythm.In 2025\, he participated in Beyond the Order\, the Young Art Promotion Project at Apollo Art Gallery\, and also showed works in Same as the Art Exhibition\, NTUA Painting Division\, and other exhibitions. His achievements include an Honorable Mention at the 50th Anniversary of Sanqing Temple and an Excellence Award at the Fengye Cup Plein Air Painting Competition. \nExhibition Information\nExhibitionART TAINAN 2026 | Apollo Art Gallery | Between Ways of Seeing \nVIP PreviewMarch 12\, 2026 (Thu.) 15:00-19:00 \nPublic DaysMarch 13 (Fri.)-March 15 (Sun.)\, 2026 \nOpening Hours12:00-19:00(March 15 until 18:00) \nVenueSilks Place TainanNo. 1\, Heyi Rd.\, West Central Dist.\, Tainan City\, Taiwan
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SUMMARY:冉茂芹 油畫寫生 個展｜光影拾歲
DESCRIPTION:冉茂芹 油畫寫生 個展\n藝術家｜冉茂芹\n展期｜2026.03.07 – 2026.04.07\n地點｜阿波羅畫廊\n台北市大安區忠孝東路四段218-6號A棟2樓 \n\n\n\n冉茂芹 油畫寫生 個展｜光影拾歲 \n長期以風景和肖像畫作為創作核心，冉茂芹的繪畫實踐，並不止於對地點或景象的描繪，而是透過藝術家的視角去觀看我們所在的世界。回顧其創作歷程，1990年至2015年間，他於台灣多處地景及日本創作寫生。這些地點橫跨不同文化與自然條件，並未在展覽中被作為旅行紀錄或地域比較的對象，而是為藝術家反覆進入同一種創作狀態的不同場域。本次展覽透過許多風景作品，呈現藝術家與繪畫之間所建立的觀看方式。 \n  \n對冉茂芹而言，旅行繪畫並不是為了捕捉壯麗景觀或是標誌性景點，而更接近一種「田野式」的創作行動。他堅持對景寫生時，讓自身實際置身於風景之中，在現場觀察光線、空氣、結構與時間的流動。無論是在日本河岸長時間凝視光影變化，或是在台灣田疇、城市邊緣駐足作畫，繪畫皆發生於當下。 \n《落日蘭嶼》以夕光中的船隻與海岸為構圖主體，畫面中略帶想像色彩的造型與柔和光線，使風景呈現出介於現實與感受之間的靜謐氛圍。 \n在肖像繪畫方面，冉茂芹的畫風承襲俄羅斯畫派嚴謹細膩的寫實傳統畫法，展現出紮實醇厚的功力。溫和高雅的色調運用，使畫中人物流露出一種內斂、優柔溫潤的氣質，形象清晰而非流於形式上的描摹。 \n值得注意的是，這些肖像多半來自不同文化背景與族群，有些是來臺的交換學生，有些則是旅途中相遇的人等等。無論膚色或文化差異，冉茂芹皆以同樣的觀看方式與創作態度，使人物形象在畫布上展現出跨越地域與文化差異的共通性。 \n《黔東南苗家女》描繪在結婚前的苗族少女，畫面透過服飾、色彩與姿態，呈現當地文化中蘊含的節慶氣息與生命喜悅。\n《貴妃遙想》以唐代人物為創作起點，冉茂芹透過層次豐富而內斂的色彩處理，使歷史人物在畫面中呈現出兼具想像與情感重量的肖像形象。 \n  \n冉茂芹並不將寫實視為單純的複製畫面，而是追求一種介於再現與轉化之間的狀態。他曾引用齊白石所言：「妙在似與不似之間，太似為媚俗，不似為欺世」，作為自身創作的核心精神。在畫面中，透過構圖的取捨、筆觸的節奏，以及顏料厚薄的層次變化，保留感受尚未定型的時間痕跡。這樣的處理，讓作品不僅描繪所見之景，更呈現一種具有生命力度的靈光。 \n本次展覽恰逢春季開展（2026年3月7日至4月7日），時節上的呼應，更讓展覽多了一層重啟的象徵意義。藝術家冉茂芹曾提及，前幾年的春天受疫情影響，心境容易感到鬱卒，但隨著畫展的舉辦，心情也隨之雀躍起來，這本質上就是一種心理上的重啟 。 \n\n\n\n藝術家簡歷→冉茂芹\n虛擬展廳→欣賞\n\n\nYIM Mau-Kun Oil Painting from Life – Solo Exhibition A Decade of Gathering Light and Shadow \nOpening｜Saturday\, March 7\, 2026\, 15:00\nExhibition Dates｜March 7 – April 7\, 2026\nArtist Talk｜Saturday\, March 28\, 2026\, 15:00 \nLong devoted to landscape and portrait painting as the core of his practice\, Yim Mau-Kun’s work goes beyond the depiction of specific sites or scenes. His painting is an ongoing act of seeing that unfolds through movement and presence. Reviewing his artistic trajectory\, from 1990 to 2015 his exhibited works encompass numerous locations across Taiwan—including Taichung\, Keelung Islet\, Kaohsiung\, Nantou\, Yilan\, Longtan in Taoyuan\, and the back hills of Xindian—as well as sites in Japan such as Nagaokakyō\, Kyoto\, Nara\, Osaka\, the Kōya River\, and Fukuyama Botanical Garden. Though these places span diverse cultural and natural conditions\, they are not presented as travel records or regional comparisons. Rather\, they are treated as different fields in which the artist repeatedly enters the same creative state. Taking this as its point of departure\, the exhibition brings together landscapes from multiple regions to reveal how Yim establishes a distinctive and sustained mode of looking through movement\, pause\, and the act of painting. \nFor Yim Mau-Kun\, painting while traveling is not about capturing spectacular views or iconic landmarks; it is closer to a form of “fieldwork.” He insists on painting directly from life\, placing his body within the landscape and observing light\, air\, structure\, and the flow of time on site. Whether lingering along riverbanks in Japan to contemplate subtle shifts of light and shadow\, or pausing to paint amid Taiwan’s farmlands\, botanical gardens\, and urban fringes\, his paintings emerge in the present moment and maintain a direct\, intimate relationship with their surroundings. \nSunset at Lanyu centers on boats and coastline bathed in evening light. The slightly imagined forms and gentle illumination create a tranquil atmosphere suspended between reality and perception. In portraiture\, Yim Mau-Kun’s style inherits the rigorous and refined realism of the Russian academic tradition\, demonstrating a solid and mature command of form. His use of restrained\, elegant color imbues his figures with a quiet\, tender\, and warm temperament—clearly defined yet never reduced to mere outward likeness. \nNotably\, many of these portraits depict individuals from diverse cultural and ethnic backgrounds—some exchange students visiting Taiwan\, others people encountered during the artist’s travels. Regardless of differences in skin color or cultural origin\, Yim approaches each subject with the same distance of observation and creative attitude\, allowing the figures to embody a cultural presence that transcends geography. Miao Girl from Southeast Guizhou portrays a Miao girl before marriage; through costume\, color\, and posture\, the painting conveys the festive spirit and vitality embedded in local culture. Consort’s Reverie takes a figure from the Tang dynasty as its point of departure; through layered yet restrained color treatment\, Yim renders a historical figure imbued with both imaginative resonance and emotional weight. \nYim Mau-Kun does not regard realism as the faithful replication of detail\, but as a pursuit of a state of seeing that lies between representation and transformation. He has often cited Qi Baishi’s words—“The marvel lies between likeness and unlikeness; too much likeness is vulgar\, too little is deceitful”—as a guiding principle of his practice. Through compositional choices\, the rhythm of brushwork\, and variations in paint thickness\, his landscapes remain poised in this “between\,” preserving traces of time before sensation fully settles. Such an approach allows the works not only to depict what is seen\, but also to reveal a vital\, living aura. \nOpening in spring\, the exhibition gains an added layer of symbolic renewal through the season itself. Yim Mau-Kun has mentioned that in recent years\, springtime under the shadow of the pandemic left him feeling subdued\, yet the staging of exhibitions rekindled a sense of joy—a psychological reawakening at its core. This transition from melancholy to delight is vividly embodied in his decades-spanning works painted from life. The exhibition features a selection of oil paintings closely associated with spring scenery\, including Spring Comes to Lishan (Jesus Church) from 1990\, as well as a series capturing cherry blossoms in full bloom in Nara and Osaka\, such as Under the Cherry Tree and Cherry Blossom Grove. \nArtist’s CV\nAR Exhibiton
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SUMMARY:《臨界之間》李萬全.胡文賢.林嶺森 聯展 ╳ The One南園
DESCRIPTION:《臨界之間》李萬全.胡文賢.林嶺森 聯展 ╳ The One南園\n展期 | 2026.01.02 – 06.01 \n地點 | The One南園人文客棧 (新竹縣新埔鎮九芎湖32號) \n  \n《臨界之間》呈現停留、過渡、稍縱即逝之感，現實與想像的聯展。作品展示靜物、風景與花卉，畫面中既有船舶停靠於岸邊的瞬間，也有花卉綻放之際所展現的生命節奏，並伴隨著脫離純粹再現、滲入想像的景物。這些景象彷彿停留在行動尚未發生之前，介於抵達與啟程、現實與心象之間。三位藝術家李萬全、胡文賢、林嶺森，皆以油彩以各自的創作語言，捕捉風景的臨界狀態，使觀看成為一種對時間與感知的凝視。 \n李萬全曾旅居法國，行走於城市與鄉間之間。他將港口中停泊的船舶，或是鄉野間的自然風景，成為創作題材。李萬全以光線的素描原理作為構圖基礎，從具象繪畫的古典語彙出發，逐步吸收印象主義對光與感知的理解，對自然的客觀形體進行深入探求，進一步內化將情感投入其中，呈現出客觀與主觀間的臨界之際。 \n胡文賢以靜物為其主要題材，他融合超現實主義，將內在的思想、幻想及理想忠實的呈現。複合圖像與錯置空間融合。把日常生活所見的瓶花、蔬果食糧、器具等靜物，透過色彩與筆觸的布局，古典之中帶有獨具氛圍的奇幻與浪漫之感。遊走於現實與異想的臨界線。 \n林嶺森以照片寫實風格凝結大自然瞬息萬變的光影。他的畫筆如同攝影鏡頭般敏銳，構圖與色調講究而細膩，表達理想中的自然風貌。林嶺森將陽光底下花卉綻放的動人姿態，流露出最美好的一面。奔騰的瀑布，希臘羅馬古城的融入，帶有超現實的元素，增添想像。展現流動之中，瞬息的臨界點。 \n本次展覽期待透過三位藝術家的作品，引領觀者感受介於停留與流動、現實與想像之間的臨界風景。 \n  \n\n#移動畫廊\n阿波羅畫廊成立以來致力於推廣藝術，藝術展出不局限於畫廊空間。自2018年起與異數悅遊 The One南園人文客棧 以「共好」的精神攜手合作，將藝術進駐於南園同心樓的公共空間以及各個廂房裡，讓來此隱山歇心的旅人們，恣意游於藝術之間，深入體驗臺灣原創藝術能量與實力。\n\n\n\n展期 | 2024.11.12 – 2025.04.30\n地點 | The One 南園人文客棧\n地址 | 新竹縣新埔鎮九芎湖32號\n\n\n\n**參觀及遊園請電話預約**\n預約中心 | (02)2562-1777 週一至週六 09:00~18:00\n現場服務專線 | (03)589-0011#1101、1102\n\n  \n關於藝術家 → 李萬全 胡文賢 林嶺森 \nThe One官網
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SUMMARY:構圖台灣 ╳ 恆。好
DESCRIPTION:構圖台灣 ╳ 恆。好\n藝術家｜\n余采軒.林千瑋.林芃穎.金祺龍.高冠羣.陳廷菲.陳怡安.傅聖雅.彭冠銘.劉康彥\n展期｜\n2025.12.29 – 2026.04.10\n地點｜恆。好\n屏東縣屏東鎮東門路2巷11弄2&4號 \n\n\n《構圖．臺灣》第四屆入圍聯展，集結十位藝術家，透過繪畫、裝置與複合媒材等形式，呈現當代創作中對空間、日常與文化感知的多元回應。本屆展覽延續「構圖．臺灣」對於當代視覺語彙的關注，呈現年輕世代藝術家在各自創作脈絡中的觀察與實踐。\n\n\n\n「恆 · 好」是阿波羅畫廊位於屏東恆春的展覽空間，自2017年起持續策劃並推出多元展覽，邀請不同世代與創作背景的藝術家於此發表作品，逐步建立南臺灣穩定的藝術據點。空間座落於恆春東門，也讓藝術融入日常風景，成為旅途中可駐足停留的文化場域。\n\n\n→恆。好\n\n\n《Go To Taiwan》Joint Exhibition  \n\nArtists｜\nYU Cai-Xuan\, LIN Chien-Wei\, LIN Peng-Ying\, JIN Chi-Lung\, KAO Kuan-Chun\, CHEN Ting-Fei\, CHEN Yi-An\, FU Sheng-Ya\, PENG Guan-Ming\, LIU Kang -Yen\nDuration｜\n2025.12.29 – 2026.04.10\nLocation｜HunHau\n\nNo. 2\, Aly. 11\, Ln. 2\, Dongmen Rd.\, Hengchun Township\, Pingtung County 946\, Taiwan \nGo To Taiwan: The 4th Selected Artists Joint Exhibition brings together ten artists working across painting\, installation\, and mixed media. Through diverse artistic approaches\, the exhibition presents multifaceted responses to space\, everyday life\, and cultural perception in contemporary practice. Continuing the exhibition’s long-standing focus on contemporary visual language\, this edition highlights observations and artistic practices shaped by different generational and creative contexts. \n「HunHau」 is an exhibition space of Apollo Art Gallery located in Hengchun\, Pingtung. Since 2017\, it has continuously curated and presented a diverse range of exhibitions\, inviting artists from different generations and creative backgrounds to present their works\, gradually establishing a stable art presence in southern Taiwan. Situated within the historic Hengchun Old Town\, the space allows art to merge naturally into the everyday landscape\, becoming a cultural stop where visitors can pause and engage during their journey. \nWelcome to wander through HunHau Old Town and visit Heng. Hao to experience the artworks. \n\n\n→HunHau
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SUMMARY:《會飲》黃至正個展
DESCRIPTION:《會飲》黃至正個展\n展期｜\n2025.12.20 – 2026.02.07\n開幕｜\n2025.12.20 (六) 15:00\n藝術家與談｜\n2026.01.10 (六) 15:00\n→ 報名 \n《會飲 Symposium》其展名直接援引自柏拉圖的一部對話式作品《會飲篇》，該作品記敘了一個宴會場景，眾人在宴會中探討與頌讚愛欲，最後將愛欲從單純的性慾或激情，重新定義為通往形上學真理的理性與精神驅力，而黃至正則在此次展覽中回顧與研究台灣繪畫史上同樣曾於阿波羅畫廊展出過的幾位前輩藝術家。對於至正而言，成立近半個世紀的阿波羅畫廊恰如台灣繪畫史上的一場歷史饗宴，曾於畫廊展出過的藝術家皆為饗宴的與會者之一，而畫作則是宴會上唯一流通的語言，藉由畫作的題材、筆觸與風格，酒酣耳熱的言談從不停止。 \n  \n此次展覽中，黃至正選擇以「靜物」這一經典的題材作為回應台灣美術史的方式。有別於傳統水墨畫中象徵文人雅趣的「清供圖」或「折枝花鳥」，西方靜物畫概念的傳入揭開了日治時期台灣藝術家視覺經驗的現代化轉向，藉由對靜止物體的描繪，藝術家系統性地習得了透視法與理性的科學觀察方式，台灣藝術家亦藉由加入如木瓜、香蕉、鳳梨、百合花、蘭花等南國作物，建構出清晰的在地意象。 \n  \n在《臨界》這件作品中，大量的水果被置放在鏡面上，除了台灣常見的葡萄、蘋果，亦能見到被剖開的石榴，石榴絕非在台灣常見的食物，卻是學院美術教育中，常與石膏像並置的經典臨摹對象。當黃至正在創作過程中思索何謂「在地」這一概念時，經常會想起鑲嵌在他育成經驗中的石榴種子，鏡面中的倒影恰恰是作為藝術家持續提問與思辯的證明。 \n  \n而箔作為黃至正長年關注的材料，藝術家不僅熱衷於箔所承載的文化意涵，亦著迷材質本身的特性，尤其是箔會隨著環境、光線所呈現出的多變面貌，在《扶疏》、《夜航》中，黃至正以不同的技法「擦亮」玻璃杯、「點燃」蠟燭，精心布置了一個燭火搖曳的夜宴，彷彿在作品前方走動時，能夠看見杯子映出自己的倒影，畫作中的燭光足以照亮現實。 \n  \n《餘溫》則是黃至正不吝於表達自身對於藝術家席德進的喜愛，席德進擅以大膽的筆觸與濃烈色彩刻劃人物，黃至正則以柔軟的筆觸與溫潤色調繪製樹下納涼的少年，樹影築起的浪拍打著他的身體，若席德進是以熾熱的目光注視所愛，藉此保存生命最璀璨的一刻，黃至正則總是望向事物最幽微之處，在萬物生成時預見其不可迴避之終結，對藝術家而言，烈火與餘燼盡無不同。 \n  \n在此次展覽《會飲 Symposium》中，藝術家不僅展示了對於掌握金屬箔這一特殊材料的純熟技巧，同時也是藉由回顧所展開與前輩畫家的一場宴席與言談，試圖提問作為創作者要如何真實的面對自身此時此刻的處境，且以一件件的作品構成能夠跨越時代的語句。 \n  \n黃至正畢業於東海大學美術系碩士班創作組。曾獲文化部遴選為 Art Taipei「Made In Taiwan-新人推薦特區」藝術家、臺南新藝獎首獎、阿波羅畫廊與王道銀行教育基金會主辦之「構圖．臺灣」視覺藝術創作徵件計畫入圍等獎項。作品曾受臺南市立美術館、國立臺灣美術館典藏及台中市立美術館典藏。在阿波羅畫廊的推薦與推動下，陸續參與台北國際藝術博覽會、台中藝術博覽會、台南藝術博覽會、One Art、Whatz 等多場藝博會，累計展出達十五次，並獲得眾多藏家高度關注與肯定。今年首次於阿波羅畫廊舉辦個展。 \n→ 黃至正 簡歷\n→ 欣賞 虛擬展廳 \n\n“Symposium” —  Solo Exhibition by HUANG Chih-ChengOpening｜12.20\, 2025 Sat. 15:00Duration｜12.20\, 2025 – 02.07\, 2026Artist Talk｜01.10\, 2026 Sat. 15:00\n→Sign up \n“Symposium” takes its title directly from Plato’s dialogic work Symposium\, which recounts a banquet in which the guests explore and praise the nature of Eros. The dialogue ultimately reframes Eros not merely as sexual desire or passionate impulse\, but as a rational and spiritual force leading toward metaphysical truth. \nIn this exhibition\, Huang Chih-Chen revisits and studies several pioneering Taiwanese artists who likewise exhibited at Apollo Art Gallery in earlier decades. \nFor Huang\, the nearly half-century-old Apollo Art Gallery resembles a grand feast in the history of Taiwanese painting. Every artist who has shown at the gallery becomes a participant in this historical banquet\, and the artworks serve as the sole language exchanged at the table. Through subject matter\, brushwork\, and stylistic choices\, the spirited conversations of this banquet continue without end. \n  \nIn this exhibition\, Huang Chih-Chen adopts still life\, a classical genre\, as his means of responding to the trajectory of Taiwanese art history. Distinct from the traditional ink-painting motifs such as qinggong tu or cut-branch bird-and-flower compositions\, which embody the cultivated elegance of the literati\, the introduction of Western still-life concepts marked a modern shift in the visual experience of Taiwanese artists during the Japanese colonial period. \nThrough the depiction of inanimate objects\, artists systematically acquired the use of perspective along with methods of rational\, scientific observation. Taiwanese painters further constructed a clear sense of local identity by incorporating tropical produce such as papayas\, bananas\, pineapples\, as well as lilies and orchids\, into their compositions. \n  \nIn 《Critical Point》\, a large assortment of fruits is arranged upon a mirrored surface. Alongside familiar items such as grapes and apples commonly seen in Taiwan\, the composition also features a split-open pomegranate. Although pomegranates are far from typical in Taiwanese daily life\, they remain a canonical subject of academic training\, frequently paired with plaster casts as objects for foundational study. \n  \nAs Huang Chih-Chen contemplated the notion of “locality” during his creative process\, he often recalled the pomegranate seeds embedded in his formative experiences. The reflections captured within the mirror serve precisely as evidence of the artist’s ongoing inquiry and critical reflection. \n  \nFoil\, a material that has long preoccupied Huang Chih-Chen\, engages him not only through its rich cultural connotations but also through its intrinsic physical qualities. He is particularly drawn to the way foil shifts in appearance depending on its surrounding environment and the light that strikes it. \nIn 《Sparse and Spreading》 and 《Night Flight》\, Huang employs various techniques to “polish” a glass and “ignite” a candle\, meticulously staging a nocturnal banquet illuminated by flickering flames. As viewers move before the works\, they may glimpse their own reflections cast upon the glass\, as though the candlelight within the painting were bright enough to illuminate reality itself. \n  \nIn 《Lingering Warmth》\, Huang Chih-Chen openly expresses his admiration for the artist Hsi Te-chin. While Hsi is known for his bold brushwork and vivid\, saturated colors in portraying the human figure\, Huang instead depicts a youth resting beneath a tree with gentle strokes and a warm\, subdued palette. The shadows cast by the foliage ripple across the boy’s body like waves. \n  \nIf Hsi Te-chin gazed upon his subjects with a fervent intensity\, seeking to preserve the most radiant moments of life\, then Huang Chih-Chen consistently turns his attention toward the most delicate and elusive states of being. He perceives\, at the very moment things come into existence\, the inevitability of their end. For the artist\, blazing fire and lingering embers are ultimately indistinguishable. \n  \nIn the exhibition 《Symposium》\, the artist not only demonstrates his mastery of working with metallic foil but also initiates\, through this act of retrospection\, an imagined banquet and dialogue with the painters who came before him. Through this encounter\, he seeks to question how a creator might genuinely confront their own present condition. Each work becomes a phrase capable of transcending its time\, contributing to an ongoing conversation across generations. \n  \nHuang Chih-Chen received his MFA in Fine Arts from Tunghai University. He was selected by the Ministry of Culture for Art Taipei’s “Made in Taiwan – Young Artist Discovery” program and has received several honors\, including the First Prize of the Tainan New Art Award and finalist recognition in “GOTO Taiwan\,” a visual arts initiative organized by Apollo Art Gallery and the O-Bank Education Foundation. His works have been collected by the Tainan Art Museum\, the National Taiwan Museum of Fine Arts\, and the Taichung City Tun District Art Center. \n→ HUANG Chih-Cheng’s CV\n→ AR Exhibition
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SUMMARY:李石樵紀念展｜巨擘薪傳-前輩藝術家系列 XIV
DESCRIPTION:李石樵紀念展｜巨擘薪傳-前輩藝術家系列 XIV\n展期｜\n2025.11.29 – 12.13\n開幕｜\n2025.11.29 (六) 15:00\n講座｜講者 / 白雪蘭\n2025.11.06 (六) 15:00 \n「藝術是一場眞刀實槍的輸贏，要有極大的勇氣與堅強的決心。它並非是一場拿刀揮劍的比舞，因為那只要比劃精采美妙即可。所以繪畫不只求畫面的完美，而要有深刻的意義與文化内容。」 ── 李石樵 \n  \n1908年出生的李石樵，在臺灣美術史有著重要的地位。1923年就讀台北師範學院，師從石川欽一郎，前往日本留學。作品曾經獲選「臺灣美術展覽會」、「帝國美術展覽會」、新「文部省美術展覽會」等多次肯定，更獲得新「文部省美術展覽會」免審查資格，是臺灣首位獲此殊榮的藝術家。爾後，擔任美術教育者，培育無數的後輩。 \n  \n李石樵不僅止於追求繪畫技術，希冀創作蘊含深刻的意義與文化內涵，作品往往反映當下的時代性。從日治時期繪出台灣特有風景，彰顯台灣本土意識；戰後歷經政權更迭，畫筆下隱喻戰後不安的歷史。面對政局的動盪，潛心研究當代各個藝術派別，力求創新；1980年代隨著台灣經濟起飛，社會逐步穩定，畫面變得明亮。以厚實亮麗的色塊，聚焦於光線的佈局，表現大自然以及台灣景色下的風俗民情。創作歷程皆流露對台灣這塊土地與人文的關懷。 \n  \n阿波羅畫廊感念臺灣前輩藝術家作為開創者，為臺灣美術立下穩固的根基，每年舉辦「巨擘薪傳」向臺灣前輩藝術家致敬。阿波羅畫廊曾舉辦5次李石樵個展，分別在1979、1984、1988、1989、1996年在1979、1984、1988、1989、1996年。今年是李石樵逝世三十週年，將展出1980年代創作的十多件作品，呈現陽光下的海灘、花卉、山林等。11月29日舉行開幕，12月6日邀請白雪蘭進行與談。誠摯邀請您蒞臨欣賞李石樵於晚期眼中的臺灣與藝術觀，以及感受當時的臺灣藝術史。 \n→ 李石樵 簡歷\n→ 虛擬展廳 \n\n“Taiwanese Masters Series XIV” —  LI Shih-Chiao Memorial ExhibitionOpening｜11.29\, 2025 Sat. 15:00Duration｜11.29 – 12.13\, 2025Speech｜12.6\, 2025 Sat. 15:00 / Speaker: Pai Hsueh-Lan \n“Art is a real battle of wins and losses\, requiring great courage and unwavering determination. It is not a graceful performance of waving swords—because in such performances\, beauty alone is enough. Painting must therefore pursue not only visual perfection but also profound meaning and cultural substance.” — LI Shih-Chiao \nBorn in 1908\, LI Shih-Chiao occupies a significant place in the history of Taiwanese art. In 1923\, he enrolled in the Taipei Normal School and studied under Ishikawa Kinichiro before pursuing further studies in Japan. His works were repeatedly selected for the Taiwan Fine Arts Exhibition\, the Imperial Fine Arts Exhibition\, and the new Ministry of Education Fine Arts Exhibition\, earning him widespread acclaim. He later received exemption from review by the new Ministry of Education Fine Arts Exhibition—the first Taiwanese artist to be granted this honor. LI went on to devote himself to art education\, nurturing generations of younger artists. \nLI Shih-Chiao’s pursuits extended far beyond technical mastery; he sought to infuse his works with deep meaning and cultural resonance\, often reflecting the spirit of the times. During the Japanese colonial period\, he painted uniquely Taiwanese landscapes that emphasized a growing local consciousness. After the war\, his works subtly conveyed the uneasy atmosphere of political transition. Amid changing regimes\, he immersed himself in various contemporary art movements and strove for innovation. By the 1980s\, as Taiwan’s economy blossomed and society stabilized\, his works took on a brighter tone. Through vibrant\, solid blocks of color and meticulous attention to light\, he depicted nature and Taiwan’s customs and scenery. Throughout his artistic journey\, LI consistently expressed profound care for Taiwan—its land and its people. \nApollo Art Gallery honors the pioneering contributions of senior Taiwanese artists who established the foundations of Taiwanese art. Each year\, the gallery presents the “Taiwanese Masters ” series as a tribute. Apollo Art Gallery has previously held five solo exhibitions for LI Shih-Chiao\, in 1979\, 1984\, 1988\, 1989\, and 1996. This year marks the 30th anniversary of LI’s passing. The exhibition will feature more than ten works from the 1980s\, showcasing scenes of sunlit beaches\, flowers\, forests\, and more. \nThe opening will take place on November 29\, and on December 6\, Pai Hsueh-Lan will join us for an in-depth dialogue.You are sincerely invited to attend\, to appreciate LI Shih-Chiao’s late artistic vision of Taiwan\, and to experience the era of Taiwanese art history that shaped his work. \n→ LI Shih-Chiao’s CV\n→ AR Exhibition
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LOCATION:阿波羅畫廊\, 大安區忠孝東路四段218-6號A棟2樓 (阿波羅大廈)\, 台北市\, 106\, 台灣
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SUMMARY:2025 台北國際藝術博覽會 展位D04
DESCRIPTION:藝術家 |\n陳昭宏.林嶺森.沈佳玲.裵秀英.黃法誠.黃至正.王雯.Uwe Mertsch.Matti Isan Blind\n展位 | 台北世界貿易中心一館 D04 \n  \n策展主題：《時·光》\n「時」，象徵時間的流轉、記憶的累積與情感的堆疊；「光」，代表生命的律動、希望的閃現、轉變的契機與真理的照見。當時間與光線交錯閃耀，我們看見過去與未來的重疊，也照見內在意象與外在世界的演進。《時·光》如同一道通往記憶與想像的縫隙，引領觀者穿梭於意識與現實的邊界。 \n  \n陳昭宏\n早在1990年代初期，陳昭宏即與阿波羅畫廊多次合作展出。他以精湛的超寫實技巧描繪美國海灘上的比基尼女性，如同透過高倍率鏡頭捕捉的畫面，細緻呈現皮膚與水氣間的質感。光影流轉中，他冷靜而敏銳地處理感官主題，展現美與情感間微妙的平衡，讓人彷彿能觸碰畫面中的溫度與氣息。 \n林嶺森\n1987年榮獲全國美展首獎的林嶺森，以照片寫實風格凝結大自然瞬息萬變的光影。他的畫筆如同攝影鏡頭般敏銳，構圖與色調講究而細膩，展現理想中的自然風貌。本次展出最新作品更融入超現實元素，使時間停駐、空間扭曲，熟悉的景象籠罩陌生的氛圍，彷彿引領觀者步入一場清醒的夢境。 \n沈佳玲\n旅歐多年並於維也納應用美術大學取得碩士學位的沈佳玲，專攻編織藝術。她融合纖維與繪畫語彙，探索材質的可塑性與空間層次。圖案、色彩與肌理交織成有機的視覺語言，流動間富含空間張力。此次展出將呈現她的織品與繪畫作品，展現柔軟而堅韌的藝術語境。 \n裵秀英\n生於南韓，在日本大阪學習創作近二十年，並取得大阪藝術大學博士學位。裵秀英以廢棄電路板與電子零件為媒材，將冰冷的科技轉化為具人文溫度的藝術品。她認為電路板的紋路如血管般充滿生命力，透過創作表達對科技文明與人性溫度的省思。 \n黃法誠\n高雄師範大學美術研究所畢業，曾獲2011年高雄獎優選與2014年「構圖台灣」首獎。他以壓克力搭配墨線勾勒，融合東方山水意境與西方形式語彙，構築詩意的視覺語境。黃法誠作品關注生態與文明間的矛盾，以詼諧筆觸傳達深刻省思。自2015年與畫廊合作以來已舉辦四次個展，展現穩健的創作能量。 \n黃至正\n畢業於東海大學美術系研究所，擅長結合水墨與金銀箔材，營造出獨特的光感與視覺張力。透過影像拼貼與負片轉印等手法，黃至正探索記憶、影像與感知之間的交錯。他的創作語言如同一場詩意的心理旅程，引導觀者沉浸於情感與時間的交會之中。 \n王雯\n文化大學美術研究所畢業。王雯擅長以大漆結合雲母、貝殼與蛋殼等天然素材，透過層層堆疊與拋光技法，呈現細膩的光澤與層次美感。她的作品色彩鮮明，構圖華麗，融入超現實語彙，透過「孔雀」意象寄託對美好生活與童年記憶的憧憬。自與畫廊合作八年來，已舉辦三次個展，今年五月更將推出全新漆畫個展。 \nUwe Mertsch\n畢業於杜賽道夫美術學院與敏斯特大學，Uwe Mertsch 以極簡主義為創作核心，運用純粹的線條與鮮明色彩，呈現生命力的抽象語彙。他以旅居歐洲、南美與亞洲的文化經歷，映照當代社會的融合與反思。與畫廊合作逾12年，多次個展，也多次參展 Art Taipei，皆廣獲好評。 \nMatti Isan Blind\n畢業於英國倫敦 Chelsea College of Art，Matti善於結合虛實視覺語言，捕捉城市片段與個體情感的交匯。他自由揮灑的筆觸與鮮明色彩，構築富含詩意與情感張力的畫面，邀請觀者在觀看中建立自身的詮釋與連結。Matti 將首次在 Art Taipei 亮相。 \n  \n2025年台北藝博，阿波羅畫廊精心策劃《時·光》展覽，邀集九位來自不同世代與文化背景的藝術家：包括資深藝術家陳昭宏，中生代創作者林嶺森與沈佳玲；新生代代表黃法誠、黃至正、王雯；來自南韓的裵秀英，以及德國藝術家Uwe Mertsch與Matti Isan Blind。這些藝術家透過平面與立體創作，呈現時間在不同文化、記憶與身分中的流動與光芒。本次展覽邀請觀者與藝術家一同穿越時間的斷層，透過創作回望過去、凝視當下、思索未來，展開一段靜謐而深刻的時光旅程。 \n  \n  \n貴榮貴賓｜\n2025.10.23 (四) 12:00-21:00 \n貴賓預展｜\n2025.10.23 (四) 15:00-21:00\n2025.10.24 (五) 11:00-14:00 \n公眾開放｜\n2025.10.24(五) 14:00-19:00\n2025.10.25-26 (六-日) 11:00-19:00\n2025.10.27 (一) 11:00-18:00 \n地點｜台北世界貿易中心一館 ( 台北市信義區信義路五段五號 )
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SUMMARY:第四屆《構圖·臺灣》入圍者聯展
DESCRIPTION:第四屆《構圖·臺灣》入圍者聯展\n藝術家｜\n余采軒.林千瑋.林芃穎.金祺龍.高冠羣.陳廷菲.陳怡安.傅聖雅.彭冠銘.劉康彥\n時間｜\n2025.09.12-10.03 王道銀行藝廊 / 2025.10.11-11.22 阿波羅畫廊 \n自2014年起，由阿波羅畫廊與王道銀行教育基金會攜手推動的「構圖‧臺灣」視覺藝術創作徵件，致力於發掘並扶植35歲以下具潛力的新銳藝術家。2025年迎來第四屆，陪伴青年創作者拓展視野，形塑個人創作語彙，累積穩健的基礎。 \n  \n本屆入圍有十位藝術家，以多元的媒材，各自表現不一樣的臺灣樣貌。首獎陳怡安《魅他域的漫遊者系列－漂浮的邊界》以膠彩呈現現實與虛擬邊界日漸模糊景觀，反映當今時代現象。貳獎傅聖雅《平整收折的時間 02》將影像透過摺紙，勾勒與外婆生活的家族記憶，呈現女性在家庭角色被期待的身影。參獎由兩位藝術家獲得：陳廷菲《5000ml》從提水的生活經驗，日常的瓶裝水容器為出發，透過紅銅敲擊塑形，轉化成新的視覺語彙。劉康彥《你家就是我家》以油畫棒和墨，繪出臺灣特有建築肌理，重塑日常熟悉的城市風景。 \n  \n入圍作品亦各懷特色。余采軒《遺落的顏色：臺灣海岸的低語》以攝影呈現人類遺留於自然的斑斕色彩，強烈對比訴說臺灣海岸對人類的控訴。林千瑋《+∞CXQD》以纖維表現臺灣季節流轉，展現臺灣島嶼隨時間不斷推移的多重輪廓。林芃穎《巷弄中的寧靜》以油彩捕捉陽光映照的臺灣巷弄，光影變化賦予平凡角落新的生命。金祺龍《台北東區夕象》臺北繁華都市街道，在夕陽照射下，金黃與藍紫光影相互輝映，構成另一面城市面貌。高冠羣《Land撕cape-城市風景線-售本區》取材自鐵皮圍籬中的塗鴉風景，標示「售本區」，呈現自然與文明的矛盾。彭冠銘《繩像-1》以臺灣傳統護身符為題材，透過互動裝置表現信仰與生命劫難的成長力量，期許配戴者能找回面對困境的能量。 \n  \n本次展覽將與台北藝術週共襄盛舉，10月18日舉辦開幕。邀請觀眾將近距離感受臺灣新生代的創作能量，進入他們對時代與個人的深層凝視，展現當代藝術的多元風貌，見證臺灣當代藝術未來的無限可能。 \n  \n  \n\nThe 4th Go to Taiwan Finalists’ Group Exhibition\nArtists｜\nYU Cai-Xuan\, LIN Chien-Wei\, LIN Peng-Ying\, JIN Chi-Lung\, KAO Kuan-Chun\, CHEN Ting-Fei\, CHEN Yi-An\, FU Sheng-Ya\, PENG Guan-Ming\, LIU Kang -Yen\nDuration｜\n2025.09.12-10.03 O-Bank Gallery / 2025.10.11-11.22 Apollo Art Gallery \nSince 2014\, Apollo Art Gallery and the O-Bank Education Foundation have jointly organized the Composition Taiwan Visual Arts Call for Entries\, dedicated to discovering and supporting emerging artists under the age of 35. In 2025\, the program enters its fourth edition\, continuing to accompany young creators in broadening their horizons\, shaping their artistic vocabularies\, and building a solid foundation for their practice. \n  \nAmong this year’s ten shortlisted artists\, Chen Yi-An received first prize with Wanderer of the Metaverse Series – Floating Boundaries\, a mineral pigment painting that captures the increasingly blurred line between reality and the virtual\, reflecting contemporary phenomena. Fu Sheng-Ya\, awarded second prize for Flattened and Folded Time 02\, used origami to transform images into memories of living with her grandmother\, portraying women’s expected roles within the family. Third prize went to two artists: Chen Ting-Fei\, whose work 5000ml draws on the daily experience of carrying water and reshapes bottled containers in hammered red copper to create a new visual language; and Liu Kang-Yen\, whose Your Home Is My Home uses oil pastels and ink to depict the textures of Taiwanese architecture\, reimagining familiar urban landscapes. \n  \nThe other shortlisted works also reveal distinct perspectives. Yu Tsai-Hsuan’s Forgotten Colors: Whispers of Taiwan’s Coastline photographs the vivid traces humans leave in nature\, contrasting colors that voice the coastline’s indictment of humanity. Lin Chien-Wei’s +∞CXQD employs fiber to express Taiwan’s seasonal cycles\, evoking the island’s shifting contours through time. Lin Peng-Ying’s Tranquility in the Alleyways captures sunlit Taiwanese alleyways in oil\, where light and shadow breathe new life into ordinary corners. Jin Chi-Long’s Evening Glow in Taipei’s East District portrays Taipei’s bustling streets at sunset\, where golden hues and bluish-purple tones reveal another facet of urban life. Kao Kuan-Chun’s Land-sc(r)ape – Urban Skyline – For Sale draws from graffiti landscapes on corrugated iron fences marked with “For Sale\,” highlighting the tension between nature and civilization. Peng Kuan-Ming’s Rope Image–1 references traditional Taiwanese amulets in an interactive installation that embodies faith and resilience\, offering wearers renewed energy to face challenges. \n  \nPresented in conjunction with Taipei Art Week\, the exhibition opens on October 18. Audiences are invited to experience firsthand the creative energy of Taiwan’s new generation\, to encounter their profound reflections on both the times and the self\, and to witness the diverse facets of contemporary art along with the boundless possibilities for the future of Taiwanese art.
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SUMMARY:《玻璃心》德國.斯洛伐克藝術家 四人聯展
DESCRIPTION:《玻璃心》德國.斯洛伐克藝術家 四人聯展\n藝術家｜\nUwe Mertsch\, Gabriela Medwedova\, Matti Isan Blind\, Mario Weinberg\n展期｜\n2025.09.20 – 10.08 \n  \n人生性具有情感，與他人交流連結。給予和接受愛與關懷，凝聚起一股強而有力的正向能量。然而，有時難免經歷挫折，接收負面情緒，內心變得脆弱。一如玻璃，經由高溫熔化形塑成透明的質感極為迷人，像鏡子映照周圍的環境，透視觀者的狀態。看似堅硬的外表下，容易受到外在的衝擊而破碎，觸及心中敏感地帶。四位藝術家利用不同的媒材和手段，各自呈現獨特的風格，不論是具象或抽象，皆展現敏銳的洞察力，對生活與人性細膩地的觀察。 \n  \nUwe Mertsch運用拼貼的方式，透過紙張撕裂，搭配繪畫的點綴，重新建構成新的面貌，簡單的線條和畫面，表現簡單即是美的日常生活美感。Gabriela Medwedova的作品猶如窺探光的縫隙，探究光的各種面貌，利用壓克力顏料捕捉光型態和色澤，線條間展露各種色彩，彼此相互輝映。Matti Isan Blind以油彩描繪生活周遭的場景，帶有超脫現實的元素，畫中人物的神情，若有似無地透露言外之意，引領觀者進入異想世界。Mario Weinberg利用油彩、噴漆、環氧樹脂等各種複合媒材，大膽嘗試抽象藝術無限的可能性，來回碰撞間，迸發出新的面貌，鮮豔的色彩和多元變化的線條交織下，使畫面具有豐富的層次感，帶來無比的想像。 \n  \n誠摯邀請您欣賞四位藝術家的作品，展現其對生活和內在細膩的觀察，刻畫出精采的創作。 \n\nGlass Heart: Four Artists from Germany and Slovakia Exhibition \nArtists｜Uwe Mertsch\, Gabriela Medwedova\, Matti Isan Blind\, Mario Weinberg \nExhibition Period｜Sep. 20 – Oct. 08\, 2025 \n  \nHuman life is inherently filled with emotions and the need to connect with others. Through giving and receiving love and care\, a powerful force of positive energy is formed. Yet\, it is inevitable at times to encounter setbacks\, absorb negative emotions\, and feel fragile within. Like glass—melted and shaped under high heat into a transparent texture of captivating beauty—it reflects the surrounding environment like a mirror\, while also revealing the state of the viewer. Beneath the seemingly solid surface\, however\, lies a fragility easily shattered by external impacts\, touching upon the sensitive depths of the heart.In this exhibition\, four artists employ diverse materials and techniques to express their unique styles. Whether figurative or abstract\, each demonstrates keen insight and delicate observations on life and human nature. \n  \nUwe Mertsch uses collage\, combining torn paper with painted details to reconstruct new imagery. With simple lines and compositions\, his works convey the beauty of simplicity in everyday life. Gabriela Medwedova’s works are like glimpses through slits of light\, exploring its many facets. Using acrylic paints\, she captures the forms and hues of light\, where lines reveal an interplay of colors that illuminate one another. Matti Isan Blind depicts scenes from daily life in oil paint\, infused with elements that transcend reality. The subtle expressions of the figures in his works hint at unspoken meanings\, guiding viewers into an imaginative world. Mario Weinberg experiments boldly with oil paint\, spray paint\, epoxy resin\, and other mixed media\, exploring the boundless possibilities of abstract art. Through dynamic clashes\, his works burst forth with new forms\, where vibrant colors and diverse lines interweave into rich layers that evoke boundless imagination. \n  \nWe sincerely invite you to experience the works of these four artists\, each presenting refined observations of life and the inner world\, portrayed through their captivating creations.
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SUMMARY:新銳藝術家Young&Top 聯展 ╳ 恆。好
DESCRIPTION:新銳藝術家 Young&Top 聯展 ╳ 恆。好\n藝術家｜\n蘇泓諺.張凱閔.林禹良.江為彬\n展期｜\n2025.08.30 – 11.30 \n本次展出邀請四位新銳藝術家：蘇泓諺、張凱閔、林禹良、江為彬，各自以不同的視角，透過藝術展現對日常、空間與生命的獨到觀察。 \n蘇泓諺以黑白灰為主調，構築出既靜默又緊繃的視覺場域。他筆下的空間經常無人、無聲，彷彿記憶的斷面或感官的殘響。這些作品不僅是單純的場景描繪，也是一種情緒的建築，一場針 對感知與記憶的實驗。  \n張凱閔常以遊戲化的場景與模擬性的畫面構成為特色，呈現出介於真實與虛構之間的觀察角度。他擅長從日常生活中擷取題材，轉化為帶有荒誕感的圖像結構，使人物彷彿陷入規則未明 的任務之中，如同一場靜默的模擬實驗，在秩序與混亂之間反覆運行。 \n 林禹良多以森林、林道、夜色等自然場域為背景，人物與環境之間的關係緊密卻不明確，彷彿屬於某種既定系統中的一部分。作品中的人物背對畫面、面容模糊及穿著類似服裝這些帶有系統性卻難以定義的場景，表現出對生命觀察的解讀與詮釋，讓畫面在沉靜中浮現細膩且具 思辨性的感知體驗。  \n江為彬以水族缸造景為靈感，構築出如同微型生態系的繪畫世界。畫面中常見水草、石塊、飼料魚與沉靜的空間佈局，在自由生長與理性編排之間取得平衡的秩序。他關注生命被觀看與分類時所承擔的價值差異，透過這些微觀的水中場景，喚起對生命韌性與共生關係的再認識。 \n  \n恆。好是阿波羅畫廊位於屏東恆春的空間，自2017年起，定期安排展覽展出，為阿波羅畫廊拓展南臺灣的據點。 \n→恆。好
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LOCATION:恆。好 HunHau\, 東門路2巷11弄4號\, 恆春鎮\, 屏東縣\, 台灣
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SUMMARY:《夏日凝視》陳昭宏個展
DESCRIPTION:《夏日凝視》陳昭宏個展\n展期｜\n2025.08.02 – 09.12\n開幕｜\n2025.08.02 (六) 15:00 \n藝術，是人類情感與自然交織而成的永恆語言。國際知名超寫實藝術家陳昭宏（Hilo Chen），以細膩筆觸與感官張力十足的畫面，引領觀者進入一個大自然與肉體相互凝視、相互渴望的情慾世界。《夏日凝視 – 肉體與自然的誘惑》個展中，每一幅畫作皆是藝術家對生命與欲望深情而專注的凝視與詮釋。 \n陳昭宏的創作長年以裸女與花果為核心主題，透過攝影捕捉真實細節，再以畫筆將自然與人體的質感昇華至極致。他曾形容自己如同一位「獻身者」，完全投入於每一幅畫作的細節，將全部心神投注於畫布之上——從肌膚的細紋、陽光灑落的光影，到微汗閃爍的光澤，無一不鉅細靡遺。他筆下的沙灘女郎，構圖大膽、色彩艷麗，光與影交織出令人難以移開目光的視覺震撼與感官誘惑。作品中所隱含的性暗示與情感投射，更讓觀者在凝視中不自覺地進入對慾望與自然間深層對話的沉思。 \n1942年出生於臺灣宜蘭的陳昭宏，畢業於中原大學建築系，1968年旅居巴黎，之後定居於紐約。他是紐約超寫實主義畫派的重要成員之一，與Chuck Close、Don Eddy、Richard Estes等藝術家齊名。然而，他並未如同時代的藝術家專注於都會景觀或工業符號的冷峻描繪，而是以在沙灘上自在展現身體之美的西方比基尼女郎為題，形塑出屬於個人風格的視覺敘事。 \n如藝評家謝里法所言：「先做人，再做畫家。」這句話道出了陳昭宏藝術中的堅韌與細膩——一種來自生活深處的厚度與真誠，正是其作品歷久彌新的原因。 \n此次《夏日凝視》展覽，是陳昭宏自1993年以來，第四度於阿波羅畫廊舉辦個展。展出作品橫跨1990年至2010年，堪稱藝術家創作生涯中最具爆發力與成熟度的二十年間精粹。展出媒材涵蓋油畫與壓克力，皆呈現藝術家對完美技藝與人性感官極致探索的極高成就。 \n阿波羅畫廊誠摯邀請藝壇同好及大眾，一同走入陳昭宏筆下那片熾熱又深情的視覺世界，體驗一場藝術與感官交織的非凡旅程。 \n  \n→ 陳昭宏 簡歷
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LOCATION:阿波羅畫廊\, 大安區忠孝東路四段218-6號A棟2樓 (阿波羅大廈)\, 台北市\, 106\, 台灣
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SUMMARY:2025 台中藝術博覽會 1001展房
DESCRIPTION:2025 台中藝術博覽會\n藝術家 |\n葉東進.洛貞.黃秋月.裵秀英.黃至正.Matti Isan Blind.Uwe Mertsch.高橋行雄.練佳昕\n展房 | 台中日月千禧酒店 1001 展房 \n  \n《意境》\n意境，超脫現實存在，心靈意會的境界。藝術家透過藝術表達內心的意境，創造屬於自己的藝術境地。2025台中藝術博覽會阿波羅畫廊帶來9位藝術家的作品，分別為：葉東進、洛貞、黃秋月、裵秀英、黃至正、Matti Isan Blind、Uwe Mertsch、高橋行雄、練佳昕。每位藝術家各自展現不一樣風格，共創新的藝術境界。 \n葉東進\n創作以「山」為核心主題，選用油彩蠟筆為主要媒材，運用層層堆疊的方式，細膩刻畫山巒起伏、雲霧繚繞與光影交錯的景緻。他融合東方山水哲學意境與西方當代繪畫語彙，透過畫筆將自然環境轉化為內心風景，描繪出超脫現實的幽靜氛圍與深遠意境。 \n洛貞\n作品巧妙地將書法的節奏與韻律延伸至畫布，既保留了東方的傳統美感，又融合了現代藝術的自由與創新。她的創作不僅展現了她對東西方文化交匯的理解，也表達了她對人類共同體與普世價值的思考。 \n黃秋月\n創作以抽象為核心，運用多樣媒材，展現奔放的筆觸，色彩純粹濃烈，猶如一場視覺嘉年華，展現旺盛的生命能量。黃秋月認為繪畫是生活不可或缺的一部分，更是觀看世界、對話內心的方式。作將物象幻影與內在心象交織，藉由畫筆探索情感流動與靈魂律動。 \n裵秀英\n出身韓國，擁有大阪藝術大學的博士文憑。她善於結合鍍鉻色彩、電路板紋理與心型、蝴蝶等符號，透過視覺語彙探討情感連結與存在意義。她認為，藝術是情感能量的載體，也是個體與時代對話的方式，作品風格獨具未來感與哲思，展現出當代藝術內在與外在的雙重詮釋。 \n黃至正\n創作使用金屬箔（如鋁箔、銀箔、銅箔）結合墨、水墨、棉線等媒材，創造出帶有朦朧與閃爍質感的圖像，以負片效果與拼貼技法而聞名。作品關注現象的形成，透過個人經驗的演繹，反問當代建構的現實是否堅固。 \nMatti Isan Blind\n畢業於倫敦藝術學院的雀爾喜藝術學院，他的創作媒材多元，涵蓋雕塑、攝影、裝置、動力藝術與時間基礎的作品，常透過混合真實與虛構的元素。其作品常在國際間展出，柏林《Fischgrätenmelkstand》、曼徹斯特《Cacotopia》、紐約《Emergency Room》等。 \nUwe Mertsch\n畢業於德國杜塞道夫藝術學院，曾在阿波羅畫廊舉辦過兩次個展及參展多次藝術博覽會，如柏林當代藝術博覽會Berliner Liste、布拉格Art Praha、Art Taipei。其創作風格融合了極簡主義與普普藝術元素，媒材涵蓋平面繪畫與手工雕刻。 \n高橋行雄\n創作靈感來自於他對貓的喜愛，將生活周遭環境對貓的觀察。藉由貓與人之間的互動，探討「愛與被愛」的關係。以彩色鉛筆細膩勾勒出貓的樣貌，運用光影及筆觸將貓毛蓬鬆柔和的感覺呈現，維妙維肖展現貓的神韻。曾入選法國 LE SALON、荷蘭 Exhibition Natuurlijk Natuur\, Westzaan等國際藝文展覽。 \n練佳昕\n以礦物顏料繪製日常風景，作品以夜晚的城市景象，運用深藍色調來營造平靜深邃的氛圍，透過藍色夜晚的場景意象，如電影般的第三人稱視角，將自身亦比作畫外的旁觀者，喚出日常片刻難以留存的記憶與體驗。 \n  \n9位藝術家創作出富有意境的作品，形成獨具特色的藝境。透過台中藝術博覽會的展出，共同營造新的藝術境界，蹦出新的藝術火花。 \n→虛擬展廳 \n  \n貴賓預展｜\n2025.07.03 (四) 15:00-19:00\n公眾開放｜\n2025.07.04-05 (五-六) 12:00-19:00\n2025.07.06 (日) 12:00-18:00\n地點｜台中日月千禧酒店 (台中市西屯區市政路77號)
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SUMMARY:《映照》李萬全 個展 ╳ The One南園
DESCRIPTION:《映照》李萬全 個展\n展期 | 2025.06.27 – 12.31 \n地點 | The One南園人文客棧 (新竹縣新埔鎮九芎湖32號) \n  \n藝術家李萬全曾拜師前輩藝術家李石樵，在國立師範大學美術系畢業後，前往美國就讀紐約市立大學布魯克林學院研究所，爾後到法國生活數十年。這段旅外生活，除了受到不同文化的洗禮與交融，西方藝術的思維拓展其視野，以更為宏觀多元的角度融入創作，使其風景靜物作品展現獨具一格的藝術風格。 \n李萬全的創作取材於大自然，利用光線的素描原理構圖，從具象繪畫的古典主義發展到印象主義，對自然的客觀形體已有了充分的探求，進一步從外在形象的隱喻，轉化為內心主觀意識的表現。李萬全細膩觀察眼前的景象，不僅寫實描繪，經由心中反覆迴盪內化，映照藝術家心境。 \n李萬全將日常遊走的城市鄉間，繪下自然的壯麗和遼闊、船隻停泊於湖光水面等，捕捉當下瞬間的光影和場景，凝結於作品裡，流露人們生活於此，與大自然連結，隨著時間流轉有不同的景致和光線。從這次展出的作品，能感受到大自然在不同時刻的瞬息萬變。李萬全的畫筆一如相機，從他的角度，映照他的內在風景。 \n  \n\n#移動畫廊\n阿波羅畫廊成立以來致力於推廣藝術，藝術展出不局限於畫廊空間。自2018年起與異數悅遊 The One南園人文客棧 以「共好」的精神攜手合作，將藝術進駐於南園同心樓的公共空間以及各個廂房裡，讓來此隱山歇心的旅人們，恣意游於藝術之間，深入體驗臺灣原創藝術能量與實力。\n\n\n\n展期 | 2024.11.12 – 2025.04.30\n地點 | The One 南園人文客棧\n地址 | 新竹縣新埔鎮九芎湖32號\n\n\n\n**參觀及遊園請電話預約**\n預約中心 | (02)2562-1777 週一至週六 09:00~18:00\n現場服務專線 | (03)589-0011#1101、1102\n\n  \n關於藝術家 → 李萬全 \nThe One官網
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SUMMARY:《次序之外》楊桃派Young&Top
DESCRIPTION:《次序之外》楊桃派Young&Top\n藝術家｜\n蘇泓諺.張凱閔.林禹良.江為彬\n展期｜\n2025.06.14 – 07.12\n開幕｜\n2025.06.14 (六) 15:00\n與談｜\n2025.06.21 (六) 15:00 \n  \n阿波羅畫廊所主辦的「楊桃派 Young & Top—新銳藝術家助長計畫」，致力於發掘與扶植三十五歲以下獨特且具潛力的年輕藝術家，透過展覽、資源引薦與藝術市場協助，為其建立當代藝 術生態立足的基礎，迄今已邁入第十二年。今年的主題為《次序之外》，邀請四位新銳藝術家蘇 泓諺、張凱閔、林禹良與江為彬，以各自的繪畫語言探問秩序與觀看的本質，展現當代創作者 對現實感知的敏銳反射與深層思辨。 \n《次序之外》並非混亂的代名詞。反之，像一種緩慢游移的狀態──在規則與例外之間試探，在 秩序與偏離之間推移。它是質疑的起點，也是將視線轉向邊緣的邀請，四位藝術家各自選擇了 不同的視角，走向秩序背後、主流未能容納之處。 \n蘇泓諺以黑白灰為主調，構築出既靜默又緊繃的視覺場域。他筆下的空間經常無人、無聲，彷 彿記憶的斷面或感官的殘響。這些作品不僅是單純的場景描繪，也是一種情緒的建築，一場針 對感知與記憶的實驗。 \n張凱閔以遊戲化的場景與模擬性的畫面構成為特色，呈現出介於真實與虛構之間的觀察角 度。他擅長從日常生活中擷取題材，轉化為帶有荒誕感的圖像結構，使人物彷彿陷入規則未明 的任務之中，如同一場靜默的模擬實驗，在秩序與混亂之間反覆運行。 \n林禹良多以森林、林道、夜色等自然場域為背景，人物與環境之間的關係緊密卻不明確，彷彿 屬於某種既定系統中的一部分。作品中的人物背對畫面、面容模糊及穿著類似服裝這些帶有 系統性卻難以定義的場景，表現出對生命觀察的解讀與詮釋，讓畫面在沉靜中浮現細膩且具 思辨性的感知體驗。 \n江為彬以水族缸造景為靈感，構築出如同微型生態系的繪畫世界。畫面中常見水草、石塊、飼 料魚與沉靜的空間佈局，在自由生長與理性編排之間取得平衡的秩序。他關注生命被觀看與 分類時所承擔的價值差異，透過這些微觀的水中場景，喚起對生命韌性與共生關係的再認識。 \n《次序之外》是一場在日常與潛意識之間的穿梭，是對時間、空間、存在與意義之不安定狀態的 凝視與捕捉。誠摯邀請您走入這場虛實交錯的展覽，感受四位新銳藝術家對日常、空間與生命 的獨到觀察。 \n 
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SUMMARY:《因緣起合》王雯漆畫個展
DESCRIPTION:《因緣起合》王雯個展\n展期 |\n2025.04.19 – 05.30\n開幕 |\n2025.04.19 (六) 15:00\n與談 |\n2025.05.03 (六) 15:00 \n  \n「生活取景，無論人事時地物。畫中取景，無論計劃先還是意外間。視野伴隨年齡增長，思維開闊隨之變化。從意識周遭的斑斕，到追尋嚮往的奇景。」── 王雯 \n  \n《因緣起合》匯聚了藝術家王雯在不同「機緣」或「際遇」下所捕捉的畫面與景色，這些影像或許來自於有意的安排，亦或是源自偶然的巧合。隨著歲月的流逝與人生經歷的增長，王雯的視野與思維逐漸拓展，她將日常生活中的自然景致與內心深處所嚮往的境界融合，並透過個人的情感與獨特視角，傳遞著人生中的每一場相遇，皆是因緣交織下的美好證明。 \n王雯以大漆作為創作媒介，巧妙運用雲母色粉、貝殼、蛋殼等天然素材，經過層層堆疊、打磨與推光，呈現出細緻的紋理與豔麗的色彩。漆畫的創作難度高且充滿不確定性，然而正因其無窮的可能性，深深吸引了她的心。王雯以鮮豔的色彩與華麗的構圖，描繪出世界的繁雜與多樣；超現實的畫面隱喻著她所期盼的理想世界。複雜的線條與筆觸，交織著各種材質，使得作品具有豐富的層次感。她的作品常以飽滿的構圖呈現，極少留白，這種強烈的視覺張力恰恰展現了她獨特的藝術風格。從孩童時期開始，王雯便對孔雀斑斕的羽毛印象深刻，這一元素成為她創作中的重要語彙，象徵著現代社會中人們對美好生活的嚮往與祝福。 \n藝術家王雯畢業於文化大學美術系研究所；曾獲得阿波羅畫廊與王道銀行教育基金會主辦之「構圖‧台灣」視覺藝術創作徵件計畫的參獎。她與畫廊合作，參與了多次重要展覽，包括臺北國際當代藝術博覽會Young Art、臺南藝術博覽會、《楊桃派Young & Top》、大稻埕國際藝術節聯展、《春妍夏艷》The One 南園人文客棧個展、恆春《恆·好》個展，以及臺北市藝文推廣處楊桃派十週年特展等。 \n此次展覽將呈現藝術家王雯近年完成的漆畫作品，並於2025年4月19日下午三點正式開幕，5月3日下午三點將舉行藝術家與談活動。誠摯邀請您蒞臨，共同欣賞！ \n  \n→ 王雯 簡歷\n→ 報名與談\n→ 虛擬展廳
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SUMMARY:冉茂芹 個展 ╳ 恆。好
DESCRIPTION:冉茂芹 個展 ╳ 恆。好\n展期 | 2025.03.21 – 05.21 \n地點 | 恆。好 (屏東縣恆春鎮東門路2巷11弄2&4號)\n \n開放 | 週四 – 週二 11:00am – 8:00pm (週三休息) \n  \n「畫雖⼩，卻可容天下啊！」── 冉茂芹 \n出生於中國湖南的冉茂芹，在肖像繪畫方面，冉茂芹畫風承襲俄羅斯畫派的細膩精準，醇厚的寫實功力，溫和高雅的色調，讓畫中的人物流露出優柔溫潤的氣質。除此之外，冉茂芹堅持以寫生的方式來完成油彩肖像畫，在面對面的互動和溝通中，更能精確地掌握對方的「形象」和「神韻」，並展現於畫布上。 \n  \n冉茂芹考進廣州美術學院附屬中學之後就開始畫小型油畫了。當時，中國正受到蘇聯油畫和歐洲印象派藝術的影響，小型油畫的風景寫生起初作為訓練色彩的一種手段，在融入中國筆墨技法的研究及運用之後，小型油畫逐漸轉變為表現力獨特的藝術品。 \n  \n先前受到疫情的影響，不宜外出到處寫⽣，於是冉茂芹就採購⼀些花果、陶器和⾦屬器⽫等等，在室內佈置成靜物寫⽣的場所。這些作品尺寸都不大，時間大多在三⼩時之內完成。⼀開始，起稿不能太過精細，顏料不宜摻油，稀了顏⾊調不準，形不可能細密，卻可以多在⾊塊上掙扎、尋找。 其結果正好呼應了油畫的本質要求：「⾊彩和筆觸」，還可以與寫實油畫照片化保持距離，回到油畫的⾊彩語⾔豐富、筆觸多變、顏料厚薄有致的特⾊！ \n  \n冉茂芹1965年畢業於廣州美術學院舞台美術專科。1980年移居香港，1987年於臺北阿波羅畫廊舉辦冉茂芹肖像個展，畫展獲得極大的迴響，隔年於臺北定居。在臺灣、中國及香港等地舉辦數次個⼈畫展，並屢獲海內外國際繪畫⾸獎。 \n  \n本次展出冉茂芹的油畫風景、靜物寫生，以及肖像畫，誠摯邀請您蒞臨參觀及欣賞！ \n  \n藝術家簡歷 → 冉茂芹 \n  \n恆。好是阿波羅畫廊位於屏東恆春的空間，自2017年起，定期安排展覽展出，為阿波羅畫廊拓展南臺灣的據點。 \n→恆。好 \n 
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SUMMARY:2025 台南藝術博覽會 624展房
DESCRIPTION:2025 台南藝術博覽會\n藝術家 |\n侯錦郎.劉洋哲.李羽娜.黃至正.李怡萱.李昕雨.郭俊佑.蘇泓諺.高橋行雄.裵秀英\n展房 | 台南晶英酒店 624 房\n→ 欣賞虛擬展廳 \n  \n《蘊蘊府城》\n臺南為清朝臺灣府的府城前身，是臺灣文化的發源地之一，也是臺灣藝術的重要發源地。「蘊蘊」是歷史與文化積累，藝術與創意產業的加乘，從荷蘭、明清到日治時期，再到現代，臺南歷經了多重文化的交融與塑造，更擁有數百年來的歷史文化積澱。不僅保存著過去的文化遺產，也在當代社會中不斷創新和發展，已成為臺灣舉足輕重的文化寶庫。 \nART TAINAN 2025阿波羅畫廊以《蘊蘊府城》作為展覽主軸，精選十一位不同世代的國內外藝術家，分別為侯錦郎(1937-2008)、陳昭宏(1942-)、劉洋哲(1944-)、李羽娜(1981-)、李怡萱(1990-)、黃至正(1988-)、李昕雨(1990-)、郭俊佑(1998-)、蘇泓諺(1998-)等為九位臺灣藝術家，以及高橋行雄(1946-)，和裵秀英(1973-)兩位日、韓藝術家，共計十一位參展。他們以各自獨特的視角和創作方式，融合府城的歷史文化與當代藝術元素，不僅突顯出臺南深厚的文化底蘊，也反映了當代藝術在地方文化脈絡中的創新與再造。 \n侯錦郎\n創作風格同時具有立體派的構圖造型與野獸派的色彩光影，題材以靜物、人物肖像、庭園風景為主。 \n陳昭宏\n在七○年代以描繪海灘女體與花卉於紐約藝壇出道，用攝影捕捉模特兒們生命中的瞬間，轉之化於畫布上。色彩鮮艷，畫面完整飽滿，微觀的視角更拉近觀者對於真實世界與模特兒之間的想像。 \n劉洋哲\n透過油畫將臺灣地景多樣性的面貌紀錄在畫布上，用美學來推廣珍貴的地景資源。陶藝創作者 \n李羽娜\n透過流暢的輪廓呈現女性人體造型，並運用柔和的釉色，表達對生命、愛，以及快樂等情感經歷的反思。 \n李怡萱\n將父親耕種的植物躍身成主角，述說在菜園成長的土地記憶。運用裝飾性符號、二維圖式風格與蒙太奇營造畫面，以家的意象與傳統符號拼貼，表達傳承的精神。 \n黃至正\n透過重新觀看過去的影像，洞見未明的事物，以各種泊材創作，探討人對於神的想像與追求，造就新的景象。 \n李昕雨\n創作帶有其「鬱感」的陰性抒寫筆調，及「插畫化」的表現手法來描繪女性、花卉、意識等主題。 \n郭俊佑\n創作以超現實主義結合幽默元素為主軸，充滿奇特及富有想像力的畫面，讓觀者感受到如同夢境般的奇妙與荒誕。 \n蘇泓諺\n將天生色弱轉為個人創作特色，呈現出單色調的冷冽質感，喚起內在深層的真實情感，單色組成的畫面營造出黑白電影氛圍，藉此探索生命的脆弱與持續。 \n高橋行雄\n出生於日本岩手，從1989年開始就以「貓」為主題，繪製出張張栩栩如生的作品。曾連續十年獲選參展法國LE SALON的他，在法國更是以「貓畫家」的美名備受肯定。 \n裵秀英\n出身韓國首爾，曾參與過40多項韓國政府機構及企業的公共藝術企劃，將帶來令人耳目一新的立體作品。 \n  \n十位藝術家豐富的創作形式，涵蓋雕塑、陶藝、油彩、膠彩、壓克力顏料、彩色鉛筆、箔材、AI、石版印刷等多種藝術形式，國內外藝術創作不僅拓展了府城文化的全球視角，更讓與會觀者在跨文化的對話中，全方位感受到府城的文化魅力。 \n  \n貴賓預展｜\n2025.03.13 (四) 15:00-19:00\n公眾開放｜\n2025.03.14-15 (五-六) 12:00-19:00\n2025.03.16 (日) 12:00-18:00\n地點｜台南晶英酒店 (台南市中西區和意路1號)
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SUMMARY:《連結美學》裵秀英個展
DESCRIPTION:《連結美學》裵秀英個展\n展期 |\n2025.03.01 – 04.05\n開幕 |\n2025.03.01 (六) 15:00 \n  \n在數位科技滲透生活每個角落的時代，藝術家裵秀英正重新定義藝術與電子之間的界線。她即將推出的個展《連結的美學》，邀請觀眾探索如何將廢棄的電子元件——例如舊的印刷電路板（PCB）——轉化為充滿情感的藝術作品。透過她創新的手法，裵秀英挑戰了人們對科技廢棄物的傳統認知，揭示其美學潛力與情感深度。 \n裵秀英（Bae Soo-young），1973年出生於韓國，是一位備受國際矚目的裝置藝術與公共藝術創作者。她畢業於大阪藝術大學藝術策劃學系，並於同校取得博士學位，學術背景深厚。自2006年在大阪舉辦首次個展以來，她的藝術生涯蓬勃發展，截至2024年，已在全球舉辦了26次個展，並參與超過100場國內外群展，足跡遍及洛杉磯藝術博覽會、非洲、加拿大及台灣等地，展現其作品的國際影響力。裵秀英不僅是一位傑出的藝術家，更是一位策展與設計的專家。她曾策劃並設計數十場展覽，並憑藉卓越的藝術貢獻，榮獲「2018 Sunple志願者競賽」文化體育觀光部長獎及第56屆思想美學獎。她的教學經歷同樣豐富，曾於木原大學、首爾數位大學及淑明女子大學任教，並擔任韓國觀光公社設計部門顧問。目前，她是城東區公共設計促進委員會成員，同時參與教育科學技術部的文化審查委員會、東京藝術大學高級藝術表現研究計畫，以及Kunst Doc藝術研究所的工作。 \n在公共藝術領域，裵秀英以其獨特的創意與社會關懷著稱。她創作了韓國新村的地標「新村Playbus」、首爾市政廳廣場的公共用水設施「Arisu Pipe & TV」，以及城東區纛島的三一獨立運動紀念碑，這些作品不僅成為城市景觀的一部分，更承載了深厚的文化與歷史意義。作為裝置藝術家，裵秀英的創作範疇廣泛且多元。她曾與LG Lacquer合作，設計氣墊粉餅的藝術裝置，並以南陽乳業的「美味GT牛奶」為靈感，運用電子電路創作獨特的作品。此外，她與三星電機合作，設計並製作小型紀念作品，作為禮物贈送給國內外100位CEO，展現其藝術與商業的完美結合。 \n裵秀英的作品深受各界青睞，被現代汽車公司、日本大阪國際醫院及首爾市政廳等機構收藏，數百件作品更被團體與個人珍藏。她的DMZ大型裝置展覽在韓國統一部的贊助下，由Gallery Park Young策劃，於烏頭山統一展望台展出長達八個月，成為探討和平與統一的藝術象徵。 \n值得一提的是，她的作品曾出現在G(I)-DLE偶像團體舒華拍攝的廣告中，進一步擴展其藝術影響力至流行文化領域。此外，她為韓國首個娛樂體育報紙《每日體育》設計了「韓國大音樂獎」的獎盃，該頒獎典禮於創立55週年之際，為韓國流行音樂產業樹立了新的典範。 \n未來，裵秀英的藝術影響力將持續擴展。由Studio Dragon組織、High Ground製作的tvN電視劇《Confidence Man KR》計劃於2025年下半年播出，劇中主場景將展示她的六件作品，進一步將藝術融入大眾娛樂，展現其跨界創作的無限可能。裵秀英以其獨特的藝術語言與社會關懷，持續在國際藝術舞台上發光發熱。 \n此次展覽聚焦於多個主題，包括「連結的美學」、「電子風景」、「數據」、「電子的呼吸」、「數位蛻變」、「連結的情感」以及「生命」。她賦予廢棄電子元件新生命的能力，挑戰了我們對「過時」的認知，促使我們在人工物中看見美，並在機械中感受情感。當我們站在數位與生物存在交織的時代邊緣，她的作品既是對進步的慶祝，也是對其影響的深思。透過她的藝術，裴秀英不僅展望未來，更啟發我們以正念、創造力，以及最重要的是，用「心」去探索未來。 \n裵秀英首次在台灣舉辦個展，展出三十件立體及平面之作品 ，使用多化化的質，，包括不鏽鋼及聚氨酯 。誠摯邀請您前來探索她發人深省的創作 ，並深探探藝藝術、科技與人際連結的交匯之處。 \n  \n→ 裵秀英 簡歷\n→ 虛擬展廳
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SUMMARY:《繁花似錦》
DESCRIPTION:《繁花似錦》\n展期 |\n2025.02.08 – 02.22\n藝術家 |\n黃歌川  侯錦郎  范振金  冉茂芹  陳昭宏  劉洋哲  胡文賢  Uwe Mertsch  陳淑華  林嶺森  林玉雯 \n渡過農曆新年，象徵新的一年開始，以及春天的來臨。以花為主題，展出藝術家們花的創作，散發春天綠意盎然的氛圍，歡迎蒞臨欣賞！
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SUMMARY:未來光 - 差異化時代的台灣青年膠彩畫家 聯展 ╳ 恆。好
DESCRIPTION:臺灣青年膠彩畫家聯展 ╳ 恆。好\n展期 | 2024.12.15-2025.02.15 延長至03.10 \n地點 | 恆。好 (屏東縣恆春鎮東門路2巷11弄2&4號)\n \n開放 | 週四 – 週二 11:00am – 8:00pm (週三休息) \n  \n隨著科技、政治、經濟、性別平權、文化等方面快速變遷，同時全球化思維浪潮興起，以及臺灣本土化意識覺醒，形成全球在地化，臺灣邁入「差異化時代」，使得臺灣當代藝術擁有更多元的表達方式和發展空間。 \n生活在臺灣「差異化時代」的青年世代膠彩畫家曾詩涵、李昕雨，在他們所具有「差異化」特質的作品中，呈現出臺灣當代藝術「全球化」的時代表徵，與「在地化」的多元文化發展現況。兩位藝術家的作品呈現如黎明前的微光，帶有冷冽的夜晚氛圍，也透著未來的光明希望，給予觀者對於未來世界發展，另一種可能性「光」的藍圖想像。 \n曾詩涵的創作聚焦於繪畫當下的個人「直覺」、「潛意識」與「宇宙意識」的連結，將調製的色彩顏料，視為光的振動、頻率，將元素如龍、精靈以及花的能量在作品中綻放，同時在繪畫的當下開展其內在心靈的嶄新旅程與未知體驗。 \n李昕雨以帶有「鬱感」的陰性抒寫筆調，及「插畫化」的表現手法，描繪女性、花卉、意識等主題。使用金屬、礦物粉末、雲母等媒材處理無可替代的「物理時間」。透過一日的恆星變化及各式燈光與作品之間的互動，產生的不同折射，將當下的「物理性瞬間」凝結於畫面。 \n本次展覽展現臺灣青年膠彩畫家在全球化與本土化交織下的創作力量，不僅呈現當代臺灣的多元文化風貌，同時引領觀者探索未來光芒的視覺和精神旅程。期盼年輕藝術家成為臺灣未來藝術界的明星，帶領臺灣藝術走向更廣闊的世界。 \n  \n恆。好是阿波羅畫廊位於屏東恆春的空間，自2017年起，定期安排展覽展出，為阿波羅畫廊拓展南臺灣的據點。 \n→恆。好
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SUMMARY:《穿越．川流》黃歌川105紀念展
DESCRIPTION:《穿越．川流》黃歌川105紀念展\n展期 |\n2024.12.14 – 2025.01.23\n開幕 |\n2024.12.14 (六) 15:00\n與談 |\n廖新田 國立臺灣藝術大學 藝術管理與文化政策研究所 教授\n2024.12.28 (六) 15:00 \n  \n水滴積累，匯聚成川，最終奔流入海，形成一個不斷循環的過程，如同黃歌川的創作，穿越川流，跨越時空，展現永恆。黃歌川擅長將東西方繪畫技法與風格，湧入創作思緒中，如泉源般匯集、碰撞、淨化、融合，孕育出他獨特的自主美學觀。他改良了古老東方“蠟染”技法，利用冰裂紋形成的肌理，表現山水或抽象藝術，增添豐富的層次感，創造出獨具一格的面貌及視覺效果。畫面既流露東方水墨的意境，又融合西方繪畫的色彩，展現出如同河川般的流動性和韻律，蘊含無限的生命力。 \n黃歌川的作品曾入選巴西聖保羅國際雙年展。他曾參與台灣現代繪畫運動，與朱德群、楊英風、陳庭詩等人創立了「中華民國畫學會」、「中華民國版畫學會」等，為今日台灣藝術發展奠定基業。 \n阿波羅畫廊每年舉行「巨擘薪傳」系列，以向台灣前輩藝術家致敬。正逢黃歌川105歲冥誕，藉由這次展覽來紀念這位藝術巨擘。本次主要展出十多件蠟染作品，另外也有複合媒材作品。歡迎蒞臨參觀！ \n  \n→ 黃歌川 簡歷\n→ 欣賞 虛擬展廳
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SUMMARY:回歸自然，從自然中淬鍊自己 - 陳政宏 個展 ╳ The One南園
DESCRIPTION:回歸自然，從自然中淬鍊自己 – 陳政宏 個展\n展期 | 2024.11.12 – 2025.04.30 \n地點 | The One南園人文客棧 (新竹縣新埔鎮九芎湖32號) \n  \n在藝術的道路上走走，一眨眼，想不到已過了半個世紀多。其間經歷了許多畫壇上的變動，如抽象、具象、本 土、國際、新舊風格、現代、後現代、E世代等。年事漸高，對這些已處之淡然，相反的在內心裡反倒出現一個「我是什麼？」的聲音，並且時常迴響著。 「回歸自然，從自然中淬鍊自己」是我從中得到的肯定答案，恩師吳梅嶺老師，為什麼總畫山水、花鳥，而從不厭倦？張義雄老師畫作的強項，是他所熟悉身邊的靜物，加以變化表現。恩師所崇尚的，無非是「自然」，從「自然」中，生活中熟悉的事物，提升自己的心靈，到高階甚而天人合一的境界。 與自然比起來，人本身沒有多偉大，何況人本身也是自 然的產物。因此，從自然中聆聽祂的聲音，了解祂要告訴我們的話語，進而能與祂合而為一\,達到心靈的最高境界，才是我們要一直努力不懈的。\n── 陳政宏 \n  \n\n#移動畫廊\n阿波羅畫廊成立以來致力於推廣藝術，藝術展出不局限於畫廊空間。自2018年起與異數悅遊 The One南園人文客棧 以「共好」的精神攜手合作，將藝術進駐於南園同心樓的公共空間以及各個廂房裡，讓來此隱山歇心的旅人們，恣意游於藝術之間，深入體驗臺灣原創藝術能量與實力。\n\n\n藝術家簡歷 | https://reurl.cc/NbjnA9\n展期 | 2024.11.12 – 2025.04.30\n地點 | The One 南園人文客棧\n地址 | 新竹縣新埔鎮九芎湖32號\n\n\n**參觀及遊園請電話預約**\n預約中心 | (02)2562-1777 週一至週六 09:00~18:00\n現場服務專線 | (03)589-0011#1101、1102\n\n  \n關於藝術家 → 陳政宏 \nThe One官網
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SUMMARY:島嶼．導語 | 劉洋哲80個展
DESCRIPTION:島嶼・導語 | 劉洋哲80個展\n展期 |\n2024.11.09 – 12.07\n開幕 |\n2024.11.09 (六) 15:00 \n臺灣是一座充滿魅力的島嶼國家，擁有獨特的自然景觀。不同族群先後遷徙至此，留下了豐富的歷史遺跡和文化資產。出生於新竹的藝術家劉洋哲，帶領大家探索臺灣、金門和馬祖，用畫筆描繪出各地景致，展現他對這片土地的深厚情感。劉洋哲的作品以鮮豔的色彩和寫實的風格著稱，他的風景、建築、陶盤和花果畫作都透出獨特的美感。透過油彩的層疊和筆觸，他在畫布上創造出獨特的肌理效果，如斑駁的痕跡和厚實的質感，不僅增加了畫面的層次感，也記錄了時間的流逝。他的創作主題多樣，經由縮放和構圖的巧妙布局，將不同元素融合在一個畫面上，引領觀者進入一個超現實的世界，充滿無限的想像空間。 \n劉洋哲今年邁入人生80，他充滿熱情地致力於藝術創作的心更堅定，透過作品表達對臺灣的關懷，記錄臺灣土地的美。本次展覽將展出他在2022至2024年間創作的二十餘件油畫作品，題材包括玉山、馬祖石屋、金門古厝、新竹的城門、田野、三合院以及淡水河的夕陽等。展覽將於2024年11月9日下午三點正式開幕，並於11月30日下午三點舉辦「繪畫與音樂的對話」，由劉洋哲和古典吉他音樂家劉士堉聯袂演出。歡迎大家前來參觀和參與！ \n  \n→ 劉洋哲 簡歷\n→ 欣賞 虛擬展廳
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SUMMARY:2024 台北國際藝術博覽會 ART TAIPEI | G05 展位
DESCRIPTION:2024 台北國際藝術博覽會 ART TAIPEI\n藝術家 |\n江漢東.劉耿一.冉茂芹.戴壁吟.黃秋月.林祐如.黃至正.Uwe Mertsch.Gabriela Medvedova\n展位 | G05\n欣賞→ 虛擬展廳 \n2024年台北國際藝術博覽會阿波羅畫廊的展位將以「大家族」的概念，結合九位不同世代及不同文化面孔的成員，時而互相影響，時而各自表現，呈現世代同堂，但不同表象的微型世界。其中包括七位臺灣，一位德國及一位斯洛伐克藝術家。作品透過不同的媒材，來闡述自我認知、文化差異，表現時代及世代的面貌。運用媒材包括油彩、壓克⼒顏料、天然漆、油性粉彩、水墨、螢光漆等，以及木雕。 \n臺灣現代繪畫先驅江漢東(1929-2009)是這個「大家族」的祖先。他以出生地方傳說及傳統節慶為主題，藉用細膩線條切割出人體及建築體，加上鮮豔色彩及飽滿豐富的構圖，烘托出具現代感的民俗風味，獨樹一格，影響後世。劉耿一(1938-)的大型油彩及粉彩作品張力十足，是他對現實無以妥協的回應，色彩及主題照徹自已渴望平靜、愛與自由的同時，散發出的憂愁及孤獨感。寫實派畫家和教育家冉茂芹(1942-)深受列賓學派的影響，筆觸純熟精練，作品展現出鮮活生動的寫實功力。尤其是肖像畫作，容貌入微、神情逼真，是許多繪畫學習者的資深典範。戴壁吟(1946-)在西班牙擁有多年的學習及生活經驗。回台後，他學習傳統製紙，並在手製紙上呈現抽象表現風格的畫面，創造出超越平面繪畫技巧的特殊肌理效果。戴壁吟的作品深受黃秋月的青睞。黃秋月(1965-)同樣以抽象表現風格來創作，並在傳統與現代、東方與西方、理性與感性之間，彰顯獨特的個人風格。林祐如(1985-)屬於這「大家族」的新生代，她透過漆藝的特殊質感及熟練的技法，來呈現微觀及宏觀的世界。黃至正(1988-)藉由嶄新的AI技術，產生主題、編列出構圖，並熟練的在壯紙表面鋪上金屬箔材，手工上色及線條勾勒，完成一幅幅獨具特色的平面創作。德國藝術家Uwe Mertsch(1962-)是這個「大家族」的第一位外籍成員。他秉著「極簡、單純即是美」的理念，創作出一系列普普藝術風格的平面繪畫及手感十足的立體木雕作品。第二位外籍成員則是出生於斯洛伐克的女藝術家加布里埃拉 · 梅德韋多瓦Gabriela Medvedova (1965-)。她的創作掌握了透明性、光線、形狀、材料和顏色，透過線條及色彩的構圖，呈現出光的現象。 \n以上九位不同世代及文化背景的藝術家們，在阿波羅畫廊的展區中，以創意表現、多元媒材呈現出「世代表象」。 \n  \n尊榮貴賓預展 |\n2024.10.24 (四) 12:00-21:00\n貴賓預展｜\n2024.10.24 (四) 15:00-21:00\n2024.10.25 (五) 11:00-14:00\n公眾開放｜\n2024.10.25 (五) 14:00-19:00\n2024.10.26-27 (六.日) 11:00-19:00\n2024.10.23 (一) 11:00-18:00\n地點｜台北世界貿易中心一館 (台北市信義區信義路五段5號) \n台北國際藝術博覽會 |\nhttps://2024.art-taipei.com/taipei/tw/
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SUMMARY:台北藝術週 Taipei Art Week
DESCRIPTION:台北藝術週 Taipei Art Week\n藝術家 |\n劉耿一.陳昭宏.冉茂芹.戴壁吟.黃秋月.黃至正.郭俊佑\n展期 |\n2024.10.19 – 10.31\n開幕 |\n2024.10.19 (六) 15:00\n地點 |\n阿波羅畫廊 \n  \n本次台北國際藝術博覽會期間，於10/19-10/31舉辦首屆「台北藝術週」。匯集台北市近70間畫廊、18座美術館等，總共超過100家藝術機構，全面展示視覺藝術的魅力與多樣性，呈現台北作為一個國際文化都市的活力與魅力。 \n阿波羅畫廊 | 世代表象\n以「大家族」概念，結合七位不同世代藝術家，呈現世代同堂但不同表象的藝術世界。透過不同媒材闡述⾃我認知、環境差異，表現出各世代面貌。 \n劉耿⼀作品張力十足，是對現實不妥協的回應，色彩及主題照徹自己渴望平靜、愛與⾃由的同時，散發出孤獨感。陳昭宏以超寫實享譽國際，擅長用畫筆來表現女性細膩皮膚、毛細孔伴隨汗珠、汗毛一起寫入畫布。寫實畫家冉茂芹受列賓學派影響，筆觸純熟精練，展現⽣動寫實功⼒。尤其肖像容貌入微、神情逼真，是繪畫學習者的典範。戴壁吟在⻄班牙有多年的學習及⽣活經驗。回臺後學習傳統製紙，並在紙上創造出超越平⾯繪畫技巧的特殊肌理。黃秋⽉以抽象表現風格來創作，在傳統與現代、東⻄⽅、理性與感性之間，彰顯獨特的個⼈風格。黃至正藉由AI編列出構圖，並在壯紙表⾯鋪上箔材，手工上色及線條勾勒，作品獨具特⾊。郭俊佑的畫作構圖簡潔和優雅的⾊調，細細觀看實為藝術家構築超脫現實的內⼼風景，呈現出內⼼沉澱的寧靜之感。以上七位不同世代及背景的藝術家們，以創意表現、多元媒材呈現出「世代表象」。 \n台北藝術週 官網 |\nhttps://taipeiartweek.tw/zh/
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SUMMARY:未來光 - 差異化時代的台灣青年膠彩畫家
DESCRIPTION:未來光 – 差異化時代的台灣青年膠彩畫家\n策展人 | 青木\n藝術家 | 曾詩涵、李昕雨、戈羽彤 \n✵展覽資訊✵\n展期 |\n2024.09.21 – 10.05 延長至10.11\n開幕 |\n2024.09.21 (六) 15:00\n與談 | 與談人：張禮豪 策展人&藝評家\n2024.09.21 (六) 15:30 \n隨著科技、政治、經濟、性別平權、文化等方面快速變遷，同時隨著全球化思維浪潮興起，以及台灣本土化意識覺醒，形成全球在地化，台灣邁入「差異化時代」，使得台灣當代藝術擁有更多元的表達方式和發展空間。 \n生活在台灣「差異化時代」的青年世代膠彩畫家曾詩涵、李昕雨、戈羽彤，在他們所具有「差異化」特質的作品中，呈現出台灣當代藝術「全球化」的時代表徵，與「在地化」的多元文化發展現況。三位藝術家的作品呈現如黎明前的微光，帶有冷冽的夜晚氛圍，也透著未來的光明希望，給予觀者對於未來世界發展，另一種可能性「光」的藍圖想像。 \n曾詩涵的創作聚焦於繪畫當下的個人「直覺」、「潛意識」與「宇宙意識」的連結，將調製的色彩顏料，視為光的振動、頻率，將元素如龍、精靈以及花的能量在作品中綻放，同時在繪畫的當下開展其內在心靈的嶄新旅程與未知體驗。 \n李昕雨以帶有「鬱感」的陰性抒寫筆調，及「插畫化」的表現手法，描繪女性、花卉、意識等主題。使用金屬、礦物粉末、雲母等媒材處理無可替代的「物理時間」。透過一日的恆星變化及各式燈光與作品之間的互動，產生的不同折射，將當下的「物理性瞬間」凝結於畫面。 \n戈羽彤以「頹廢美學」為出發，從宗教、神話、邪典中汲取靈感，建立其夢境與記憶遺跡之間的心靈國度。作品融合多國文化元素，將其重新組合，創造夢幻、神秘的氛圍，邀請觀者自由解讀其中的情感意象。 \n本次展覽展現台灣青年膠彩畫家在全球化與本土化交織下的創作力量，不僅呈現當代台灣的多元文化風貌，同時引領觀者探索未來光芒的視覺和精神旅程。期盼年輕藝術家成為台灣未來藝術界的明星，帶領台灣藝術走向更廣闊的世界。 \n  \n文 / 青木\n一、迎接台灣「差異化時代」的來臨 1975〜 \n (1) 科技發展 \n網際網路發展至今已有約30年，我們生活也進入了科技4.0時代，虛擬數位科技無所不在，不只連結人與人，也連結人與物、物與物，在2017年，上網人口佔全球人口總數的47％，達到38億人。而其對應的文化4.0時代 (2006年)，其特徵是「你就是文化」，我們社會發展也進入了所謂「自媒體時代」，連結應用數位資訊的便利性，在2020年，地球上每個人每秒鐘就會製造出1.7MB的資料量。 \n(2) 民主進程 \n在二十世紀後半葉的台灣民主進程，從1987年解嚴開始，1988年開放黨禁與報禁，1996年進行了第一次總統大選，2000年第一次非國民黨候選人當選總統，台灣進入第一次政黨輪替，2016年第三次政黨輪替。民主政治體制的快速發展，讓台灣社會朝向更為自由開放的方向前進，而這樣自由開放的時代氛圍，有助於降低社會群體約束控制力，讓身在其中的個人能夠朝向更為自由獨立方向發展。 \n(3) 經濟成長 \n台灣經濟起飛於1960年代 (1965〜1974年)，期間年平均經濟成長超過10％，被稱為「黃金十年」，而這樣經濟上快速成長一直發展到1990年代。所以這些年輕世代藝術家 (1975〜1995)生長於台灣經濟起飛之後的年輕世代，享受富裕經濟成果，且受到良好高等學院教育 (多是碩博士研究生)，都有助於獨立思考人格養成，並且有許多家庭環境能夠提供足夠經濟基礎，讓下一代能夠選擇從事發展喜愛的職業生活，與各自表述何謂成功人生的定義?而社會普遍擁有良好物質經濟基礎，有助於個人精神生活品質的培養提升，與迎接台灣社會「差異化」時代的來臨。 \n\n移民社會\n\n長久以來台灣一直處於移民社會的島嶼歷史背景，多元族群所組成的人口結構，與島嶼地理位置優勢所造成的國際貿易發達，誠如以上諸多特殊歷史、社會與地理等條件因緣際會，皆有助益於台灣「多元文化」環境的成熟發展。 \n\n兩性平權\n\n台灣兩性平權教育的落實，讓我們在日常生活中培養尊重異性的習慣與觀念，在位處東亞地區國家中，台灣女性相對而言能夠獲得較多自由發展獨立自主人格的可能機會。 \n\n後現代主義\n\n當今後現代主義中「去中心化」與「多元化」的時代精神特質，與強調尊重他者的差異性，如近期同志議題的同婚法案通過 (2019.5.17)的時代氛圍，都助於迎來「差異化」時代的來臨。 \n所以「差異化時代」在台灣當今社會的發生與發展，有其存在的必然性與必要性。 \n  \n 二、台灣青年世代的膠彩畫家 | 曾詩涵、李昕雨、戈羽彤  \n而台灣青年世代的膠彩畫家，普遍具備西畫素描訓練的長年基礎背景，且擁有多元媒材運用的養成背景。使其技法表現更為多元豐富，且媒材使用也更加廣泛多元，並不再局限於傳統膠彩畫的媒材使用範疇。 \n另外一個值得觀察的藝術現象，是「膠彩畫與水墨媒材、技巧、美學思想的進一步融合」，或許未來能夠發展成為具有台灣在地化藝術的地域表徵，與新時代、新風格的膠彩畫面貌方向；而不同於傳統日本畫，或是傳統中國畫。 \n還有一個值得觀察文化現象，是「全球在地化」時代發展趨勢，即同時具有全球化視野的時代表徵，與島嶼台灣在地化土地情感連結的地域特性。台灣青年世代膠彩畫家發展連結「國際化風格」的藝術時代表徵；且隨著台灣近四十年來「本土化意識」覺醒 (從1970年代台灣鄉土寫實美術發展至今)，藝術文化領域與島嶼土地的情感連結也更為深入，逐漸發展出有別於傳統膠彩畫，且具有台灣「在地多元文化」的未來可能性的新風格面貌。 \n目前生活在台灣「差異化時代」的青年世代的膠彩畫家 曾詩涵、李昕雨、戈羽彤三人，所具有「差異化」特質的作品，所呈現出台灣當代藝術之中「全球化」的時代表徵，與「在地化」的多元文化發展現況。或許也能夠提供給我們對於未來世界發展，另一種可能性「光」的藍圖想像。 \n藝術家曾詩涵的創作聚焦於繪畫當下的個人「直覺」、「潛意識」與「宇宙意識」的連結，並將調製的色彩顏料，視為光的振動、頻率，將元素如龍、精靈以及花的能量在作品中綻放，同時在繪畫的當下開展其內在心靈的嶄新旅程與未知體驗。 \n藝術家李昕雨的畫作帶有其「鬱感」的陰性抒寫筆調，及「插畫化」的表現手法來描繪女性、花卉、意識等主題。並使用金屬、礦物粉末、雲母等來處理無可替代的「物理時間」，透過一日當中的恆星變化（太陽、星辰）及各式燈光與作品之間的互動，所產生的不同折射來凍結住作品當中欲表達其「物理性瞬間」。 \n藝術家戈羽彤以「頹廢美學」為創作靈感泉源\,從宗教、神話、邪典中汲取繪畫素材，建立其基於夢境與記憶遺跡之間心靈國度。其畫作中的「異國情調」源於融合了世界各地的文化元素，並將其重新組合塑造，以提供觀者可自由解讀，或情感想像投射其中的「中性物件」。 \n  \n三、「未來光」的主題涵意有其二  \n一是青年膠彩畫家曾詩涵、李昕雨、戈羽彤三人的畫作風格，有著「清晨」(午夜後4時至7時)天剛亮時的調性，畫面呈現是將明未明的「微冷」暗夜、或是黎明清晨「微光」時分。 \n二是對於三位青年膠彩畫家的深深期許，期待其能成為未來藝術領域的明日之星。 \n清代乾隆皇帝的御製詩中，常見以「少貴似晨星」、「晨星真可貴」等，來形容文物的珍貴稀有。而我也願以此「貴似晨星」來形容三位青年膠彩畫家的畫作的珍貴性，與能給予觀者心靈所帶來如「晨星」的美好質地。
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SUMMARY:時光 - 劉耿一 個展 ╳ 恆。好
DESCRIPTION:時光 – 劉耿一 個展 ╳ 恆。好\n展期 | 2024.08.31 – 10.31 \n地點 | 恆。好 (屏東縣恆春鎮東門路2巷11弄2&4號)\n \n開放 | 週四 – 週二 11:00am – 8:00pm (週三休息) \n  \n一九八一年辭去教職之後，劉耿一開始走向專職藝術家這條路，初期題材以家園情懷為主，將自己對愛妻、親人和土地難以用語言或文字表述的情感，繪寫在畫面上。一九九O年前後臺灣面臨解嚴後的社會情勢，他從一位冷靜的旁觀者逐漸成為一位懷有社會使命感的創作者，創作出一系列社會景象的作品來表達理念與心聲。一九九八年起往返紐西蘭與臺灣之間的十餘年生涯，前後近15年與愛妻兩地往返的旅居生涯，不同的社會文化與自然環境，擴大了他的經驗範疇，發酵成為養份。讓他猶如重返青春一般，進入人生另一個開發期，創作轉為更深層的心境剖白，以及心靈需求的探索。近期重返南臺灣定居之後，他再度從林野自然尋求創作靈感。 \n  \n關於藝術家 → 劉耿一 \n  \n恆。好位於屏東恆春的蔬食餐廳，自2017年起，定期安排展覽展出的長期合作單位，成為阿波羅畫廊拓展南台灣的據點 \n→恆。好
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SUMMARY:默契 - 劉默霖水墨創作個展
DESCRIPTION:默契 – 劉默霖水墨創作個展\n展期 |\n2024.07.27 – 09.14\n開幕 |\n2024.07.27 (六) 15:00\n與談 |\n2024.08.10 (六) 15:00 \n  \n我們剛好都有空\n無約而至\n觀賞同一幅波光粼粼的風景\n墨水相契 心意相惜\n無論今昔\n此刻就是最好的默契\n── 劉默霖 \n  \n阿波羅畫廊將於7/27-9/14，舉辦水墨新銳劉默霖的首次個展。年輕而富有創造力的劉默霖，以西方點線面簡約形式，結合東方水墨皴擦點染技法，重新詮釋了傳統山水的排列組合。這次個展將呈現最新的創作，作品蘊含著對ESG理念的獨特詮釋與視角，期盼觀者通過藝術賞析，反思人類與自然環境之間的共生關係，串起你我共同關注於永續發展的實踐與行動的《默契》。 \n個展作品以水墨的留白技法，表現出這美麗而脆弱的生態。並將海龜、陸龜與白犀牛入畫，結合海洋生物、自然植栽，以及超現實表現的山水景觀，一筆一墨之融合不斷堆疊而成的氣韻氛圍，創造一幅幅波光粼粼的理想風景，這不僅展現了她對生物多樣性保護的堅定信念，也反映出她對媒材、形式和主題的深刻探索與實驗精神。 \n阿波羅畫廊致力於推廣創新和富有社會意義的藝術創作，誠摯地邀請您前來共同欣賞這場展現生態之美的藝術盛宴。 \n  \n藝術家簡歷 → 劉默霖
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SUMMARY:2024 台中藝術博覽會 1102展房
DESCRIPTION:2024 台中藝術博覽會\n藝術家 |\n冉茂芹.陳昭宏.戴壁吟.葉東進.呂豪文.黃秋月.黃法誠.洪司丞.黃至正.Uwe Mertsch.Mario Weinberg\n展房 | 台中日月千禧酒店 1102 房 \n《形。非形》 「形」是具象；「非形」為抽象。2024臺中藝博阿波羅畫廊藉由具象與抽象作品交融，以主題《形。非形》展出11位藝術家的作品，具象為冉茂芹、陳昭宏、葉東進、呂豪文、黃法誠、洪司丞、黃至正、Uwe Mertsch；抽象為戴壁吟、黃秋月、Mario Weinberg。 \n📢 點選藝術家名字可查看簡歷 \n冉茂芹 1942\n冉茂芹多次獲得全國美展入選、《美國肖像畫家協會》年會第一獎得主、《2005國際沙龍展》首獎得主、北京美博會金獎等獎項。創作專注於寫實藝術之美，以油彩繪出一幅幅寫實作品。冉茂芹不僅是追求真實景象的相像，而是利用構圖、筆觸、色調等，跳脫實際景物，使作品寫實中蘊含寫意，塑造出獨特氛圍的世界，呈現藝術家眼中的美。豐富的人生歷練，使冉茂芹關注當代性與歷史性的議題，更具細膩和敏銳的觀察，洞察周遭人物的內心，流露對社會的人文關懷於作品。阿波羅畫廊於1987年首次展出冉茂芹個展，並於今年展出個展。 \n陳昭宏 1942\n陳昭宏為當代超寫實繪畫藝術家，與丁雄泉、黃志超齊名為「紐約三劍客」。以照相寫實技法繪出女體與花卉題材，呈現極具寫實的視覺畫面，達到超越現實的效果，創造寫實藝術的可能性。作品以色彩鮮豔飽和為特色，近距離可見其充分掌握花卉與女性之美的細節。將陽光曝曬下的人體曲線，以及肌膚毛細孔伴隨汗珠的細節，如真實般呈現於畫布。陳昭宏的繪畫，模糊了寫實相片與繪畫的形式邊界，以特殊的構圖方式，提供觀者欣賞畫作的新形式與再思考。阿波羅畫廊曾於1993年首次舉辦個展，於台北國際藝術博覽會、ART SOLO、上海藝術博覽會等展出。 \n戴壁吟 1946\n戴壁吟國立藝專美術科畢業之後，前往西班牙深造。曾經參加西班牙藝術博覽會ARCO、瑞士的Art Basel等。以「紙」作為創作媒材，透過造紙的過程，研究其韌度及輕重、厚薄、軟硬等特質。為了凸顯材質的特性，解放材質固定的形式，將生活周遭可取到的物件，如衣架、葉片、網子等，拓印在自製紙上，呈現獨特的質感與肌理，使紙不僅作為媒材的載體，更融會成為創作的一部分。再經由畫面上的文字、數字、符號及色彩、筆觸，表現獨具的抽象藝術語彙。阿波羅畫廊於1996年首次舉辦個展，爾後合作多次聯展及個展，參與台北國際藝術博覽會、台南藝術博覽會、科隆藝術博覽會等。 \n葉東進 1946\n葉東進曾受邀於高雄市立美術館舉辦個展。葉東進以油彩蠟筆為創作媒材，在畫面上呈現出特殊的質感。色彩雅緻，流露一股清新。簡單的風景構圖，散發出一種平靜。數學與藝術雖是極為不同的領域，然而，葉東進認為兩者皆屬心靈創造，彼此能互相交融，達成和諧。雲煙飄渺於山林，月光相輝映，形影孤離的鳥佇立於其中。葉東進繪出看似寫實的風景畫，細細觀看，實為藝術家構築超脫現實的內心風景，呈現出內心沉澱的寧靜之感。阿波羅畫廊於2013年首次展出葉東進個展，合作參與台北國際藝術博覽會、台中藝術博覽會、台南藝術博覽會、上海城市藝術博覽會等各地展覽。 \n呂豪文 1955\n呂豪文畢業於美國辛辛那提大學工業設計碩士，長年研究人體繪畫及雕塑，藉由對生活的觀察與經驗，創作經不斷嘗試、實驗及自我對話，建構出屬於自己的藝術語彙，人體及動物經比例的縮放、簡化輪廓線條等造型的改變，轉化成富有極簡美又具趣味的雕塑創作。同時透過不同的材質與質感的呈現，展現出不一樣的風格和個性。近年創作十二生肖系列，《兔》簡單柔和的線條，銅雕光滑的表面，表現兔子溫馴的模樣。曾與阿波羅畫廊合作參與台中藝術博覽會、台南藝術博覽會等。 \n黃秋月 1965\n黃秋月曾經榮獲全省美展首獎，多次受邀於國內外美術交流展參展，2020年於國父紀念館展出個展。阿波羅畫廊於1997年首次舉辦黃秋月個展，爾後邀請參與個展、聯展等展出。創作來自生活五味雜陳的敘事，對生命內在宇宙的交疊，集結內心世界情緒的動靜之間，反覆的探索與突圍、沉澱與昇華。在傳統與現代、東方與西方、理性與感性之間，透過創作找尋自己。在相互衝突的面向，不斷推敲與掙扎後產出的結果。有形的敘述已無法滿足內在的需求，反芻後的無形力量，促使創作朝向由繁至簡，將日常熟悉的符碼，轉化成抽象的視覺表現。 \n黃法誠 1982\n黃法誠畢業於國立⾼雄師範⼤學美術學系碩⼠班創作組，曾榮獲臺北美術獎、高雄美術獎、第⼀屆「構圖‧台灣」視覺藝術創作徵件⾸獎等。受邀參與嘉義市立美術館開幕展。關注環境議題與社會時事，省思人類與大自然之間的關係。創作主要運用壓克力顏料，搭配複合媒材。以水墨勾勒猶如中國山水畫的自然景象，呈現遭破壞的地貌，與不自然的人為景觀，人類悠遊於其中。幽默的方式表達人類文明與自然環境間的矛盾，透過創作提醒如何在兩者之間取得平衡和共存。阿波羅畫廊於2018年首次舉辦黃法誠個展，曾多次合作參與聯展、台北國際藝術覽會、台南藝術博覽會、上海城市藝術博覽會等各地展出。 \n洪司丞 1987\n洪司丞畢業自國立臺灣師範大學美術學系碩士班西畫組，曾榮獲第一屆「構圖‧臺灣」視覺藝術創作徵件入選。受阿波羅畫廊之邀，於大稻埕國際藝術節展出個展，參與台北國際藝術博覽會、韓國光州藝術博覽會等各式展覽。隨著科技日新月異，近年關注NFT數碼藝術，以IOYOI這個名字活耀於NFT界。試圖將其與繪畫結合，發展創作新的可能性。將創作的虛擬的數碼藝術轉譯到畫布中，同時將畫面塑造虛擬與現實相互交織的視覺畫面，透過創作表達對科技的探討與省思。 \n黃至正 1988\n黃⾄正畢業於東海⼤學美術系碩⼠班創作組，曾榮獲文化部遴選為Art Taipei新⼈推薦藝術家，臺南新藝獎、⾼雄獎、第⼗屆桃源創作獎、新北市創作新⼈獎等獎項。作品獲得臺南市立美術館、國立臺灣美術館典藏︒曾受邀⾄南投毓繡美術館、⽇本茨城縣筑波美術館展出。以水墨細膩的筆法融合影像等複合媒材，呈現在金屬箔材上，使畫面呈現別緻的金屬質感。利⽤箔在光線照射下，會反射周遭環境的特性，表現幽微露出的現實空間，試圖梳理人與自然之間複雜且矛盾的依存關係，以及將日常生活片段相互交織，體現在創作中。 \nUwe Mertsch 1962\nUwe Mertsch出生於德國，畢業於杜塞道夫美術學院。曾在歐洲、南美洲，以及亞洲等地區居住。豐富的創作靈感來⾃⽣活中的點點滴滴。不同的文化接觸及⽣活經驗激發出他無⽌盡的創作能量，試圖將這些不同的文化與自己的文化結合。阿波羅畫廊於2013年首次展出Uwe Mertsch個展，曾多次參與台北國際藝術博覽會、德國法蘭克福藝術博覽會、廣州國際藝術博覽會等。秉持「極簡、單純即是美」的理念，以簡單的線條、圖形和色彩，嘗試各種媒材，使其創作呈現灑脫大方的風格，不斷突破藝術的可能性。近期作品利用完整的松木雕刻，再以顏料上色，形塑出日常形形色色的人。 \nMario Weinberg 1982\nMario Weinberg畢業於德國敏斯特藝術學院。其抽象表現風格結合平塗、厚塗、徒手、塗鴉等，搭配多媒材及奔放的色彩，更將街頭遇見的店家商標和廣告傳單融入作品中。近期利用環氧樹脂透明、堆疊的效果，增加視覺的層次感。期許觀者對作品充滿好奇，並在想法交流中透過不同的解讀，產生碰撞產，達成新的共鳴。此外，他持續關注繪畫在於空間的各種可能性，作品曾多次在台北、新竹、上海、柏林、杜賽道夫等地發表。阿波羅畫廊於2019年展出Mario Weinberg的作品，並陸續在台北國際藝術博覽會、台中藝術博覽會、台南藝術博覽會等各地展出。 \n  \n誠摯邀請您蒞臨欣賞！ \n  \n  \n貴賓預展｜\n2024.07.18 (四) 15:00-19:00\n公眾開放｜\n2024.07.19-20 (五-六) 12:00-19:00\n2024.07.21 (日) 12:00-18:00\n地點｜台中日月千禧酒店 (台中市西屯區市政路77號)
URL:https://artgalleryapollo.com/2021/event/2024-%e5%8f%b0%e4%b8%ad%e8%97%9d%e8%a1%93%e5%8d%9a%e8%a6%bd%e6%9c%83-1102%e5%b1%95%e6%88%bf/
CATEGORIES:展覽
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