Apollo art gallery

島嶼．導語 | 劉洋哲80個展
2024-11-09 - 2024-12-07 | 阿波羅畫廊, 大安區忠孝東路四段218-6號A棟2樓 (阿波羅大廈), 台北市, 106, 台灣
島嶼・導語 | 劉洋哲80個展
展期 |
2024.11.09 – 12.07
開幕 |
2024.11.09 (六) 15:00
臺灣是一座充滿魅力的島嶼國家，擁有獨特的自然景觀。不同族群先後遷徙至此，留下了豐富的歷史遺跡和文化資產。出生於新竹的藝術家劉洋哲，帶領大家探索臺灣、金門和馬祖，用畫筆描繪出各地景致，展現他對這片土地的深厚情感。劉洋哲的作品以鮮豔的色彩和寫實的風格著稱，他的風景、建築、陶盤和花果畫作都透出獨特的美感。透過油彩的層疊和筆觸，他在畫布上創造出獨特的肌理效果，如斑駁的痕跡和厚實的質感，不僅增加了畫面的層次感，也記錄了時間的流逝。他的創作主題多樣，經由縮放和構圖的巧妙布局，將不同元素融合在一個畫面上，引領觀者進入一個超現實的世界，充滿無限的想像空間。
劉洋哲今年邁入人生80，他充滿熱情地致力於藝術創作的心更堅定，透過作品表達對臺灣的關懷，記錄臺灣土地的美。本次展覽將展出他在2022至2024年間創作的二十餘件油畫作品，題材包括玉山、馬祖石屋、金門古厝、新竹的城門、田野、三合院以及淡水河的夕陽等。展覽將於2024年11月9日下午三點正式開幕，並於11月30日下午三點舉辦「繪畫與音樂的對話」，由劉洋哲和古典吉他音樂家劉士堉聯袂演出。歡迎大家前來參觀和參與！

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回歸自然，從自然中淬鍊自己 - 陳政宏 個展 ╳ The One南園
2024-11-15 - 2025-04-30
回歸自然，從自然中淬鍊自己 – 陳政宏 個展
展期 | 2024.11.12 – 2025.04.30
地點 | The One南園人文客棧 (新竹縣新埔鎮九芎湖32號)

在藝術的道路上走走，一眨眼，想不到已過了半個世紀多。其間經歷了許多畫壇上的變動，如抽象、具象、本 土、國際、新舊風格、現代、後現代、E世代等。年事漸高，對這些已處之淡然，相反的在內心裡反倒出現一個「我是什麼？」的聲音，並且時常迴響著。 「回歸自然，從自然中淬鍊自己」是我從中得到的肯定答案，恩師吳梅嶺老師，為什麼總畫山水、花鳥，而從不厭倦？張義雄老師畫作的強項，是他所熟悉身邊的靜物，加以變化表現。恩師所崇尚的，無非是「自然」，從「自然」中，生活中熟悉的事物，提升自己的心靈，到高階甚而天人合一的境界。 與自然比起來，人本身沒有多偉大，何況人本身也是自 然的產物。因此，從自然中聆聽祂的聲音，了解祂要告訴我們的話語，進而能與祂合而為一,達到心靈的最高境界，才是我們要一直努力不懈的。
── 陳政宏

#移動畫廊
阿波羅畫廊成立以來致力於推廣藝術，藝術展出不局限於畫廊空間。自2018年起與異數悅遊 The One南園人文客棧 以「共好」的精神攜手合作，將藝術進駐於南園同心樓的公共空間以及各個廂房裡，讓來此隱山歇心的旅人們，恣意游於藝術之間，深入體驗臺灣原創藝術能量與實力。

藝術家簡歷 | https://reurl.cc/NbjnA9
展期 | 2024.11.12 – 2025.04.30
地點 | The One 南園人文客棧
地址 | 新竹縣新埔鎮九芎湖32號

**參觀及遊園請電話預約**
預約中心 | (02)2562-1777 週一至週六 09:00~18:00
現場服務專線 | (03)589-0011#1101、1102

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《穿越．川流》黃歌川105紀念展
2024-12-14 - 2025-01-23 | 阿波羅畫廊, 大安區忠孝東路四段218-6號A棟2樓 (阿波羅大廈), 台北市, 106, 台灣
《穿越．川流》黃歌川105紀念展
展期 |
2024.12.14 – 2025.01.23
開幕 |
2024.12.14 (六) 15:00
與談 |
廖新田 國立臺灣藝術大學 藝術管理與文化政策研究所 教授
2024.12.28 (六) 15:00

水滴積累，匯聚成川，最終奔流入海，形成一個不斷循環的過程，如同黃歌川的創作，穿越川流，跨越時空，展現永恆。黃歌川擅長將東西方繪畫技法與風格，湧入創作思緒中，如泉源般匯集、碰撞、淨化、融合，孕育出他獨特的自主美學觀。他改良了古老東方“蠟染”技法，利用冰裂紋形成的肌理，表現山水或抽象藝術，增添豐富的層次感，創造出獨具一格的面貌及視覺效果。畫面既流露東方水墨的意境，又融合西方繪畫的色彩，展現出如同河川般的流動性和韻律，蘊含無限的生命力。
黃歌川的作品曾入選巴西聖保羅國際雙年展。他曾參與台灣現代繪畫運動，與朱德群、楊英風、陳庭詩等人創立了「中華民國畫學會」、「中華民國版畫學會」等，為今日台灣藝術發展奠定基業。
阿波羅畫廊每年舉行「巨擘薪傳」系列，以向台灣前輩藝術家致敬。正逢黃歌川105歲冥誕，藉由這次展覽來紀念這位藝術巨擘。本次主要展出十多件蠟染作品，另外也有複合媒材作品。歡迎蒞臨參觀！

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未來光 - 差異化時代的台灣青年膠彩畫家 聯展 ╳ 恆。好
2024-12-15 - 2025-03-10 | 恆。好 HunHau, 東門路2巷11弄4號, 恆春鎮, 屏東縣, 台灣
臺灣青年膠彩畫家聯展 ╳ 恆。好
展期 | 2024.12.15-2025.02.15 延長至03.10
地點 | 恆。好 (屏東縣恆春鎮東門路2巷11弄2&4號)

開放 | 週四 – 週二 11:00am – 8:00pm (週三休息)

隨著科技、政治、經濟、性別平權、文化等方面快速變遷，同時全球化思維浪潮興起，以及臺灣本土化意識覺醒，形成全球在地化，臺灣邁入「差異化時代」，使得臺灣當代藝術擁有更多元的表達方式和發展空間。
生活在臺灣「差異化時代」的青年世代膠彩畫家曾詩涵、李昕雨，在他們所具有「差異化」特質的作品中，呈現出臺灣當代藝術「全球化」的時代表徵，與「在地化」的多元文化發展現況。兩位藝術家的作品呈現如黎明前的微光，帶有冷冽的夜晚氛圍，也透著未來的光明希望，給予觀者對於未來世界發展，另一種可能性「光」的藍圖想像。
曾詩涵的創作聚焦於繪畫當下的個人「直覺」、「潛意識」與「宇宙意識」的連結，將調製的色彩顏料，視為光的振動、頻率，將元素如龍、精靈以及花的能量在作品中綻放，同時在繪畫的當下開展其內在心靈的嶄新旅程與未知體驗。
李昕雨以帶有「鬱感」的陰性抒寫筆調，及「插畫化」的表現手法，描繪女性、花卉、意識等主題。使用金屬、礦物粉末、雲母等媒材處理無可替代的「物理時間」。透過一日的恆星變化及各式燈光與作品之間的互動，產生的不同折射，將當下的「物理性瞬間」凝結於畫面。
本次展覽展現臺灣青年膠彩畫家在全球化與本土化交織下的創作力量，不僅呈現當代臺灣的多元文化風貌，同時引領觀者探索未來光芒的視覺和精神旅程。期盼年輕藝術家成為臺灣未來藝術界的明星，帶領臺灣藝術走向更廣闊的世界。

恆。好是阿波羅畫廊位於屏東恆春的空間，自2017年起，定期安排展覽展出，為阿波羅畫廊拓展南臺灣的據點。
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《繁花似錦》
2025-02-08 - 2025-02-22 | 阿波羅畫廊, 大安區忠孝東路四段218-6號A棟2樓 (阿波羅大廈), 台北市, 106, 台灣
《繁花似錦》
展期 |
2025.02.08 – 02.22
藝術家 |
黃歌川 侯錦郎 范振金 冉茂芹 陳昭宏 劉洋哲 胡文賢 Uwe Mertsch 陳淑華 林嶺森 林玉雯
渡過農曆新年，象徵新的一年開始，以及春天的來臨。以花為主題，展出藝術家們花的創作，散發春天綠意盎然的氛圍，歡迎蒞臨欣賞！

《連結美學》裵秀英個展
2025-03-01 - 2025-04-05 | 阿波羅畫廊, 大安區忠孝東路四段218-6號A棟2樓 (阿波羅大廈), 台北市, 106, 台灣
《連結美學》裵秀英個展
展期 |
2025.03.01 – 04.05
開幕 |
2025.03.01 (六) 15:00

在數位科技滲透生活每個角落的時代，藝術家裵秀英正重新定義藝術與電子之間的界線。她即將推出的個展《連結的美學》，邀請觀眾探索如何將廢棄的電子元件——例如舊的印刷電路板（PCB）——轉化為充滿情感的藝術作品。透過她創新的手法，裵秀英挑戰了人們對科技廢棄物的傳統認知，揭示其美學潛力與情感深度。
裵秀英（Bae Soo-young），1973年出生於韓國，是一位備受國際矚目的裝置藝術與公共藝術創作者。她畢業於大阪藝術大學藝術策劃學系，並於同校取得博士學位，學術背景深厚。自2006年在大阪舉辦首次個展以來，她的藝術生涯蓬勃發展，截至2024年，已在全球舉辦了26次個展，並參與超過100場國內外群展，足跡遍及洛杉磯藝術博覽會、非洲、加拿大及台灣等地，展現其作品的國際影響力。裵秀英不僅是一位傑出的藝術家，更是一位策展與設計的專家。她曾策劃並設計數十場展覽，並憑藉卓越的藝術貢獻，榮獲「2018 Sunple志願者競賽」文化體育觀光部長獎及第56屆思想美學獎。她的教學經歷同樣豐富，曾於木原大學、首爾數位大學及淑明女子大學任教，並擔任韓國觀光公社設計部門顧問。目前，她是城東區公共設計促進委員會成員，同時參與教育科學技術部的文化審查委員會、東京藝術大學高級藝術表現研究計畫，以及Kunst Doc藝術研究所的工作。
在公共藝術領域，裵秀英以其獨特的創意與社會關懷著稱。她創作了韓國新村的地標「新村Playbus」、首爾市政廳廣場的公共用水設施「Arisu Pipe & TV」，以及城東區纛島的三一獨立運動紀念碑，這些作品不僅成為城市景觀的一部分，更承載了深厚的文化與歷史意義。作為裝置藝術家，裵秀英的創作範疇廣泛且多元。她曾與LG Lacquer合作，設計氣墊粉餅的藝術裝置，並以南陽乳業的「美味GT牛奶」為靈感，運用電子電路創作獨特的作品。此外，她與三星電機合作，設計並製作小型紀念作品，作為禮物贈送給國內外100位CEO，展現其藝術與商業的完美結合。
裵秀英的作品深受各界青睞，被現代汽車公司、日本大阪國際醫院及首爾市政廳等機構收藏，數百件作品更被團體與個人珍藏。她的DMZ大型裝置展覽在韓國統一部的贊助下，由Gallery Park Young策劃，於烏頭山統一展望台展出長達八個月，成為探討和平與統一的藝術象徵。
值得一提的是，她的作品曾出現在G(I)-DLE偶像團體舒華拍攝的廣告中，進一步擴展其藝術影響力至流行文化領域。此外，她為韓國首個娛樂體育報紙《每日體育》設計了「韓國大音樂獎」的獎盃，該頒獎典禮於創立55週年之際，為韓國流行音樂產業樹立了新的典範。
未來，裵秀英的藝術影響力將持續擴展。由Studio Dragon組織、High Ground製作的tvN電視劇《Confidence Man KR》計劃於2025年下半年播出，劇中主場景將展示她的六件作品，進一步將藝術融入大眾娛樂，展現其跨界創作的無限可能。裵秀英以其獨特的藝術語言與社會關懷，持續在國際藝術舞台上發光發熱。
此次展覽聚焦於多個主題，包括「連結的美學」、「電子風景」、「數據」、「電子的呼吸」、「數位蛻變」、「連結的情感」以及「生命」。她賦予廢棄電子元件新生命的能力，挑戰了我們對「過時」的認知，促使我們在人工物中看見美，並在機械中感受情感。當我們站在數位與生物存在交織的時代邊緣，她的作品既是對進步的慶祝，也是對其影響的深思。透過她的藝術，裴秀英不僅展望未來，更啟發我們以正念、創造力，以及最重要的是，用「心」去探索未來。
裵秀英首次在台灣舉辦個展，展出三十件立體及平面之作品 ，使用多化化的質，，包括不鏽鋼及聚氨酯 。誠摯邀請您前來探索她發人深省的創作 ，並深探探藝藝術、科技與人際連結的交匯之處。

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2025 台南藝術博覽會 624展房
2025-03-13 - 2025-03-16 | 台南晶英酒店, 中西區和意路1號, 台南市, 台灣
2025 台南藝術博覽會
藝術家 |
侯錦郎.劉洋哲.李羽娜.黃至正.李怡萱.李昕雨.郭俊佑.蘇泓諺.高橋行雄.裵秀英
展房 | 台南晶英酒店 624 房
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《蘊蘊府城》
臺南為清朝臺灣府的府城前身，是臺灣文化的發源地之一，也是臺灣藝術的重要發源地。「蘊蘊」是歷史與文化積累，藝術與創意產業的加乘，從荷蘭、明清到日治時期，再到現代，臺南歷經了多重文化的交融與塑造，更擁有數百年來的歷史文化積澱。不僅保存著過去的文化遺產，也在當代社會中不斷創新和發展，已成為臺灣舉足輕重的文化寶庫。
ART TAINAN 2025阿波羅畫廊以《蘊蘊府城》作為展覽主軸，精選十一位不同世代的國內外藝術家，分別為侯錦郎(1937-2008)、陳昭宏(1942-)、劉洋哲(1944-)、李羽娜(1981-)、李怡萱(1990-)、黃至正(1988-)、李昕雨(1990-)、郭俊佑(1998-)、蘇泓諺(1998-)等為九位臺灣藝術家，以及高橋行雄(1946-)，和裵秀英(1973-)兩位日、韓藝術家，共計十一位參展。他們以各自獨特的視角和創作方式，融合府城的歷史文化與當代藝術元素，不僅突顯出臺南深厚的文化底蘊，也反映了當代藝術在地方文化脈絡中的創新與再造。
侯錦郎
創作風格同時具有立體派的構圖造型與野獸派的色彩光影，題材以靜物、人物肖像、庭園風景為主。
陳昭宏
在七○年代以描繪海灘女體與花卉於紐約藝壇出道，用攝影捕捉模特兒們生命中的瞬間，轉之化於畫布上。色彩鮮艷，畫面完整飽滿，微觀的視角更拉近觀者對於真實世界與模特兒之間的想像。
劉洋哲
透過油畫將臺灣地景多樣性的面貌紀錄在畫布上，用美學來推廣珍貴的地景資源。陶藝創作者
李羽娜
透過流暢的輪廓呈現女性人體造型，並運用柔和的釉色，表達對生命、愛，以及快樂等情感經歷的反思。
李怡萱
將父親耕種的植物躍身成主角，述說在菜園成長的土地記憶。運用裝飾性符號、二維圖式風格與蒙太奇營造畫面，以家的意象與傳統符號拼貼，表達傳承的精神。
黃至正
透過重新觀看過去的影像，洞見未明的事物，以各種泊材創作，探討人對於神的想像與追求，造就新的景象。
李昕雨
創作帶有其「鬱感」的陰性抒寫筆調，及「插畫化」的表現手法來描繪女性、花卉、意識等主題。
郭俊佑
創作以超現實主義結合幽默元素為主軸，充滿奇特及富有想像力的畫面，讓觀者感受到如同夢境般的奇妙與荒誕。
蘇泓諺
將天生色弱轉為個人創作特色，呈現出單色調的冷冽質感，喚起內在深層的真實情感，單色組成的畫面營造出黑白電影氛圍，藉此探索生命的脆弱與持續。
高橋行雄
出生於日本岩手，從1989年開始就以「貓」為主題，繪製出張張栩栩如生的作品。曾連續十年獲選參展法國LE SALON的他，在法國更是以「貓畫家」的美名備受肯定。
裵秀英
出身韓國首爾，曾參與過40多項韓國政府機構及企業的公共藝術企劃，將帶來令人耳目一新的立體作品。

十位藝術家豐富的創作形式，涵蓋雕塑、陶藝、油彩、膠彩、壓克力顏料、彩色鉛筆、箔材、AI、石版印刷等多種藝術形式，國內外藝術創作不僅拓展了府城文化的全球視角，更讓與會觀者在跨文化的對話中，全方位感受到府城的文化魅力。

貴賓預展｜
2025.03.13 (四) 15:00-19:00
公眾開放｜
2025.03.14-15 (五-六) 12:00-19:00
2025.03.16 (日) 12:00-18:00
地點｜台南晶英酒店 (台南市中西區和意路1號)

冉茂芹 個展 ╳ 恆。好
2025-03-21 - 2025-06-20 | 恆。好 HunHau, 東門路2巷11弄4號, 恆春鎮, 屏東縣, 台灣
冉茂芹 個展 ╳ 恆。好
展期 | 2025.03.21 – 05.21
地點 | 恆。好 (屏東縣恆春鎮東門路2巷11弄2&4號)

開放 | 週四 – 週二 11:00am – 8:00pm (週三休息)

「畫雖⼩，卻可容天下啊！」── 冉茂芹
出生於中國湖南的冉茂芹，在肖像繪畫方面，冉茂芹畫風承襲俄羅斯畫派的細膩精準，醇厚的寫實功力，溫和高雅的色調，讓畫中的人物流露出優柔溫潤的氣質。除此之外，冉茂芹堅持以寫生的方式來完成油彩肖像畫，在面對面的互動和溝通中，更能精確地掌握對方的「形象」和「神韻」，並展現於畫布上。

冉茂芹考進廣州美術學院附屬中學之後就開始畫小型油畫了。當時，中國正受到蘇聯油畫和歐洲印象派藝術的影響，小型油畫的風景寫生起初作為訓練色彩的一種手段，在融入中國筆墨技法的研究及運用之後，小型油畫逐漸轉變為表現力獨特的藝術品。

先前受到疫情的影響，不宜外出到處寫⽣，於是冉茂芹就採購⼀些花果、陶器和⾦屬器⽫等等，在室內佈置成靜物寫⽣的場所。這些作品尺寸都不大，時間大多在三⼩時之內完成。⼀開始，起稿不能太過精細，顏料不宜摻油，稀了顏⾊調不準，形不可能細密，卻可以多在⾊塊上掙扎、尋找。 其結果正好呼應了油畫的本質要求：「⾊彩和筆觸」，還可以與寫實油畫照片化保持距離，回到油畫的⾊彩語⾔豐富、筆觸多變、顏料厚薄有致的特⾊！

冉茂芹1965年畢業於廣州美術學院舞台美術專科。1980年移居香港，1987年於臺北阿波羅畫廊舉辦冉茂芹肖像個展，畫展獲得極大的迴響，隔年於臺北定居。在臺灣、中國及香港等地舉辦數次個⼈畫展，並屢獲海內外國際繪畫⾸獎。

本次展出冉茂芹的油畫風景、靜物寫生，以及肖像畫，誠摯邀請您蒞臨參觀及欣賞！

藝術家簡歷 → 冉茂芹

恆。好是阿波羅畫廊位於屏東恆春的空間，自2017年起，定期安排展覽展出，為阿波羅畫廊拓展南臺灣的據點。
→恆。好

2025 第四屆【構圖 ‧ 臺灣】視覺藝術創作徵件
2025-04-14 - 2025-07-13
2025 第四屆【構圖 ‧ 臺灣】視覺藝術創作徵件
時間｜延長至07.20
資格｜20-35歲
首獎｜30日維也納藝文體驗之旅
入圍｜於王道銀行藝廊.阿波羅畫廊巡迴展出 / 入圍畫冊

詳見 https://www.o-bankef.org/plans/1340

藝術青年，站起來！
構圖臺灣，邁向國際！

2014年首次舉辦即獲得廣大迴響的「構圖‧臺灣」視覺藝術創作徵件，於2017年、2020年續辦第二、三屆徵件至今，成功引介多位入圍新秀於阿波羅畫廊、北中南大型藝博會及國際藝博會等藝術市場嶄露頭角，並透過阿波羅畫廊的專業指導，培植新銳們邁向成熟的藝術家之路，在現代藝術市場找到與藏家的連結。延續成績斐然的三屆徵件2025年王道銀行教育基金會與阿波羅畫廊再度攜手合作，舉辦第四屆「構圖‧臺灣」視覺藝術創作徵件，以扶植年輕藝術家為目的，提供巡迴展覽、國際藝文體驗、未來創作諮詢等獎勵，鼓勵臺灣年輕人積極拓展視野，並致力推廣具有臺灣風貌之原創藝術。

首獎可獲得為期一個月的維也納藝文之旅津貼補助及阿波羅畫廊藝術指導一年。入圍作品可參與王道銀行藝廊及阿波羅畫廊巡迴展出。

《因緣起合》王雯漆畫個展
2025-04-19 - 2025-05-30 | 阿波羅畫廊, 大安區忠孝東路四段218-6號A棟2樓 (阿波羅大廈), 台北市, 106, 台灣
《因緣起合》王雯個展
展期 |
2025.04.19 – 05.30
開幕 |
2025.04.19 (六) 15:00
與談 |
2025.05.03 (六) 15:00

「生活取景，無論人事時地物。畫中取景，無論計劃先還是意外間。視野伴隨年齡增長，思維開闊隨之變化。從意識周遭的斑斕，到追尋嚮往的奇景。」── 王雯

《因緣起合》匯聚了藝術家王雯在不同「機緣」或「際遇」下所捕捉的畫面與景色，這些影像或許來自於有意的安排，亦或是源自偶然的巧合。隨著歲月的流逝與人生經歷的增長，王雯的視野與思維逐漸拓展，她將日常生活中的自然景致與內心深處所嚮往的境界融合，並透過個人的情感與獨特視角，傳遞著人生中的每一場相遇，皆是因緣交織下的美好證明。
王雯以大漆作為創作媒介，巧妙運用雲母色粉、貝殼、蛋殼等天然素材，經過層層堆疊、打磨與推光，呈現出細緻的紋理與豔麗的色彩。漆畫的創作難度高且充滿不確定性，然而正因其無窮的可能性，深深吸引了她的心。王雯以鮮豔的色彩與華麗的構圖，描繪出世界的繁雜與多樣；超現實的畫面隱喻著她所期盼的理想世界。複雜的線條與筆觸，交織著各種材質，使得作品具有豐富的層次感。她的作品常以飽滿的構圖呈現，極少留白，這種強烈的視覺張力恰恰展現了她獨特的藝術風格。從孩童時期開始，王雯便對孔雀斑斕的羽毛印象深刻，這一元素成為她創作中的重要語彙，象徵著現代社會中人們對美好生活的嚮往與祝福。
藝術家王雯畢業於文化大學美術系研究所；曾獲得阿波羅畫廊與王道銀行教育基金會主辦之「構圖‧台灣」視覺藝術創作徵件計畫的參獎。她與畫廊合作，參與了多次重要展覽，包括臺北國際當代藝術博覽會Young Art、臺南藝術博覽會、《楊桃派Young & Top》、大稻埕國際藝術節聯展、《春妍夏艷》The One 南園人文客棧個展、恆春《恆·好》個展，以及臺北市藝文推廣處楊桃派十週年特展等。
此次展覽將呈現藝術家王雯近年完成的漆畫作品，並於2025年4月19日下午三點正式開幕，5月3日下午三點將舉行藝術家與談活動。誠摯邀請您蒞臨，共同欣賞！

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《次序之外》楊桃派Young&Top
2025-06-14 - 2025-07-12 | 阿波羅畫廊, 大安區忠孝東路四段218-6號A棟2樓 (阿波羅大廈), 台北市, 106, 台灣
《次序之外》楊桃派Young&Top
藝術家｜
蘇泓諺.張凱閔.林禹良.江為彬
展期｜
2025.06.14 – 07.12
開幕｜
2025.06.14 (六) 15:00
與談｜
2025.06.21 (六) 15:00

阿波羅畫廊所主辦的「楊桃派 Young & Top—新銳藝術家助長計畫」，致力於發掘與扶植三十五歲以下獨特且具潛力的年輕藝術家，透過展覽、資源引薦與藝術市場協助，為其建立當代藝 術生態立足的基礎，迄今已邁入第十二年。今年的主題為《次序之外》，邀請四位新銳藝術家蘇 泓諺、張凱閔、林禹良與江為彬，以各自的繪畫語言探問秩序與觀看的本質，展現當代創作者 對現實感知的敏銳反射與深層思辨。
《次序之外》並非混亂的代名詞。反之，像一種緩慢游移的狀態──在規則與例外之間試探，在 秩序與偏離之間推移。它是質疑的起點，也是將視線轉向邊緣的邀請，四位藝術家各自選擇了 不同的視角，走向秩序背後、主流未能容納之處。
蘇泓諺以黑白灰為主調，構築出既靜默又緊繃的視覺場域。他筆下的空間經常無人、無聲，彷 彿記憶的斷面或感官的殘響。這些作品不僅是單純的場景描繪，也是一種情緒的建築，一場針 對感知與記憶的實驗。
張凱閔以遊戲化的場景與模擬性的畫面構成為特色，呈現出介於真實與虛構之間的觀察角 度。他擅長從日常生活中擷取題材，轉化為帶有荒誕感的圖像結構，使人物彷彿陷入規則未明 的任務之中，如同一場靜默的模擬實驗，在秩序與混亂之間反覆運行。
林禹良多以森林、林道、夜色等自然場域為背景，人物與環境之間的關係緊密卻不明確，彷彿 屬於某種既定系統中的一部分。作品中的人物背對畫面、面容模糊及穿著類似服裝這些帶有 系統性卻難以定義的場景，表現出對生命觀察的解讀與詮釋，讓畫面在沉靜中浮現細膩且具 思辨性的感知體驗。
江為彬以水族缸造景為靈感，構築出如同微型生態系的繪畫世界。畫面中常見水草、石塊、飼 料魚與沉靜的空間佈局，在自由生長與理性編排之間取得平衡的秩序。他關注生命被觀看與 分類時所承擔的價值差異，透過這些微觀的水中場景，喚起對生命韌性與共生關係的再認識。
《次序之外》是一場在日常與潛意識之間的穿梭，是對時間、空間、存在與意義之不安定狀態的 凝視與捕捉。誠摯邀請您走入這場虛實交錯的展覽，感受四位新銳藝術家對日常、空間與生命 的獨到觀察。

《映照》李萬全 個展 ╳ The One南園
2025-06-27 - 2025-12-31 | The One, 九芎湖32號, 新埔鎮, 新竹縣, 台灣
《映照》李萬全 個展
展期 | 2025.06.27 – 12.31
地點 | The One南園人文客棧 (新竹縣新埔鎮九芎湖32號)

藝術家李萬全曾拜師前輩藝術家李石樵，在國立師範大學美術系畢業後，前往美國就讀紐約市立大學布魯克林學院研究所，爾後到法國生活數十年。這段旅外生活，除了受到不同文化的洗禮與交融，西方藝術的思維拓展其視野，以更為宏觀多元的角度融入創作，使其風景靜物作品展現獨具一格的藝術風格。
李萬全的創作取材於大自然，利用光線的素描原理構圖，從具象繪畫的古典主義發展到印象主義，對自然的客觀形體已有了充分的探求，進一步從外在形象的隱喻，轉化為內心主觀意識的表現。李萬全細膩觀察眼前的景象，不僅寫實描繪，經由心中反覆迴盪內化，映照藝術家心境。
李萬全將日常遊走的城市鄉間，繪下自然的壯麗和遼闊、船隻停泊於湖光水面等，捕捉當下瞬間的光影和場景，凝結於作品裡，流露人們生活於此，與大自然連結，隨著時間流轉有不同的景致和光線。從這次展出的作品，能感受到大自然在不同時刻的瞬息萬變。李萬全的畫筆一如相機，從他的角度，映照他的內在風景。

#移動畫廊
阿波羅畫廊成立以來致力於推廣藝術，藝術展出不局限於畫廊空間。自2018年起與異數悅遊 The One南園人文客棧 以「共好」的精神攜手合作，將藝術進駐於南園同心樓的公共空間以及各個廂房裡，讓來此隱山歇心的旅人們，恣意游於藝術之間，深入體驗臺灣原創藝術能量與實力。

展期 | 2024.11.12 – 2025.04.30
地點 | The One 南園人文客棧
地址 | 新竹縣新埔鎮九芎湖32號

**參觀及遊園請電話預約**
預約中心 | (02)2562-1777 週一至週六 09:00~18:00
現場服務專線 | (03)589-0011#1101、1102

關於藝術家 → 李萬全
The One官網

2025 台中藝術博覽會 1001展房
2025-07-03 - 2025-07-06 | 台中日月千禧酒店, 台中市西屯區市政路77號
2025 台中藝術博覽會
藝術家 |
葉東進.洛貞.黃秋月.裵秀英.黃至正.Matti Isan Blind.Uwe Mertsch.高橋行雄.練佳昕
展房 | 台中日月千禧酒店 1001 展房

《意境》
意境，超脫現實存在，心靈意會的境界。藝術家透過藝術表達內心的意境，創造屬於自己的藝術境地。2025台中藝術博覽會阿波羅畫廊帶來9位藝術家的作品，分別為：葉東進、洛貞、黃秋月、裵秀英、黃至正、Matti Isan Blind、Uwe Mertsch、高橋行雄、練佳昕。每位藝術家各自展現不一樣風格，共創新的藝術境界。
葉東進
創作以「山」為核心主題，選用油彩蠟筆為主要媒材，運用層層堆疊的方式，細膩刻畫山巒起伏、雲霧繚繞與光影交錯的景緻。他融合東方山水哲學意境與西方當代繪畫語彙，透過畫筆將自然環境轉化為內心風景，描繪出超脫現實的幽靜氛圍與深遠意境。
洛貞
作品巧妙地將書法的節奏與韻律延伸至畫布，既保留了東方的傳統美感，又融合了現代藝術的自由與創新。她的創作不僅展現了她對東西方文化交匯的理解，也表達了她對人類共同體與普世價值的思考。
黃秋月
創作以抽象為核心，運用多樣媒材，展現奔放的筆觸，色彩純粹濃烈，猶如一場視覺嘉年華，展現旺盛的生命能量。黃秋月認為繪畫是生活不可或缺的一部分，更是觀看世界、對話內心的方式。作將物象幻影與內在心象交織，藉由畫筆探索情感流動與靈魂律動。
裵秀英
出身韓國，擁有大阪藝術大學的博士文憑。她善於結合鍍鉻色彩、電路板紋理與心型、蝴蝶等符號，透過視覺語彙探討情感連結與存在意義。她認為，藝術是情感能量的載體，也是個體與時代對話的方式，作品風格獨具未來感與哲思，展現出當代藝術內在與外在的雙重詮釋。
黃至正
創作使用金屬箔（如鋁箔、銀箔、銅箔）結合墨、水墨、棉線等媒材，創造出帶有朦朧與閃爍質感的圖像，以負片效果與拼貼技法而聞名。作品關注現象的形成，透過個人經驗的演繹，反問當代建構的現實是否堅固。
Matti Isan Blind
畢業於倫敦藝術學院的雀爾喜藝術學院，他的創作媒材多元，涵蓋雕塑、攝影、裝置、動力藝術與時間基礎的作品，常透過混合真實與虛構的元素。其作品常在國際間展出，柏林《Fischgrätenmelkstand》、曼徹斯特《Cacotopia》、紐約《Emergency Room》等。
Uwe Mertsch
畢業於德國杜塞道夫藝術學院，曾在阿波羅畫廊舉辦過兩次個展及參展多次藝術博覽會，如柏林當代藝術博覽會Berliner Liste、布拉格Art Praha、Art Taipei。其創作風格融合了極簡主義與普普藝術元素，媒材涵蓋平面繪畫與手工雕刻。
高橋行雄
創作靈感來自於他對貓的喜愛，將生活周遭環境對貓的觀察。藉由貓與人之間的互動，探討「愛與被愛」的關係。以彩色鉛筆細膩勾勒出貓的樣貌，運用光影及筆觸將貓毛蓬鬆柔和的感覺呈現，維妙維肖展現貓的神韻。曾入選法國 LE SALON、荷蘭 Exhibition Natuurlijk Natuur, Westzaan等國際藝文展覽。
練佳昕
以礦物顏料繪製日常風景，作品以夜晚的城市景象，運用深藍色調來營造平靜深邃的氛圍，透過藍色夜晚的場景意象，如電影般的第三人稱視角，將自身亦比作畫外的旁觀者，喚出日常片刻難以留存的記憶與體驗。

9位藝術家創作出富有意境的作品，形成獨具特色的藝境。透過台中藝術博覽會的展出，共同營造新的藝術境界，蹦出新的藝術火花。
→虛擬展廳

貴賓預展｜
2025.07.03 (四) 15:00-19:00
公眾開放｜
2025.07.04-05 (五-六) 12:00-19:00
2025.07.06 (日) 12:00-18:00
地點｜台中日月千禧酒店 (台中市西屯區市政路77號)

《夏日凝視》陳昭宏個展
2025-08-02 - 2025-09-13 | 阿波羅畫廊, 大安區忠孝東路四段218-6號A棟2樓 (阿波羅大廈), 台北市, 106, 台灣
《夏日凝視》陳昭宏個展
展期｜
2025.08.02 – 09.12
開幕｜
2025.08.02 (六) 15:00
藝術，是人類情感與自然交織而成的永恆語言。國際知名超寫實藝術家陳昭宏（Hilo Chen），以細膩筆觸與感官張力十足的畫面，引領觀者進入一個大自然與肉體相互凝視、相互渴望的情慾世界。《夏日凝視 – 肉體與自然的誘惑》個展中，每一幅畫作皆是藝術家對生命與欲望深情而專注的凝視與詮釋。
陳昭宏的創作長年以裸女與花果為核心主題，透過攝影捕捉真實細節，再以畫筆將自然與人體的質感昇華至極致。他曾形容自己如同一位「獻身者」，完全投入於每一幅畫作的細節，將全部心神投注於畫布之上——從肌膚的細紋、陽光灑落的光影，到微汗閃爍的光澤，無一不鉅細靡遺。他筆下的沙灘女郎，構圖大膽、色彩艷麗，光與影交織出令人難以移開目光的視覺震撼與感官誘惑。作品中所隱含的性暗示與情感投射，更讓觀者在凝視中不自覺地進入對慾望與自然間深層對話的沉思。
1942年出生於臺灣宜蘭的陳昭宏，畢業於中原大學建築系，1968年旅居巴黎，之後定居於紐約。他是紐約超寫實主義畫派的重要成員之一，與Chuck Close、Don Eddy、Richard Estes等藝術家齊名。然而，他並未如同時代的藝術家專注於都會景觀或工業符號的冷峻描繪，而是以在沙灘上自在展現身體之美的西方比基尼女郎為題，形塑出屬於個人風格的視覺敘事。
如藝評家謝里法所言：「先做人，再做畫家。」這句話道出了陳昭宏藝術中的堅韌與細膩——一種來自生活深處的厚度與真誠，正是其作品歷久彌新的原因。
此次《夏日凝視》展覽，是陳昭宏自1993年以來，第四度於阿波羅畫廊舉辦個展。展出作品橫跨1990年至2010年，堪稱藝術家創作生涯中最具爆發力與成熟度的二十年間精粹。展出媒材涵蓋油畫與壓克力，皆呈現藝術家對完美技藝與人性感官極致探索的極高成就。
阿波羅畫廊誠摯邀請藝壇同好及大眾，一同走入陳昭宏筆下那片熾熱又深情的視覺世界，體驗一場藝術與感官交織的非凡旅程。

→ 陳昭宏 簡歷

新銳藝術家Young&Top 聯展 ╳ 恆。好
2025-08-30 - 2025-11-30 | 恆。好 HunHau, 東門路2巷11弄4號, 恆春鎮, 屏東縣, 台灣
新銳藝術家 Young&Top 聯展 ╳ 恆。好
藝術家｜
蘇泓諺.張凱閔.林禹良.江為彬
展期｜
2025.08.30 – 11.30
本次展出邀請四位新銳藝術家：蘇泓諺、張凱閔、林禹良、江為彬，各自以不同的視角，透過藝術展現對日常、空間與生命的獨到觀察。
蘇泓諺以黑白灰為主調，構築出既靜默又緊繃的視覺場域。他筆下的空間經常無人、無聲，彷彿記憶的斷面或感官的殘響。這些作品不僅是單純的場景描繪，也是一種情緒的建築，一場針 對感知與記憶的實驗。
張凱閔常以遊戲化的場景與模擬性的畫面構成為特色，呈現出介於真實與虛構之間的觀察角度。他擅長從日常生活中擷取題材，轉化為帶有荒誕感的圖像結構，使人物彷彿陷入規則未明 的任務之中，如同一場靜默的模擬實驗，在秩序與混亂之間反覆運行。
林禹良多以森林、林道、夜色等自然場域為背景，人物與環境之間的關係緊密卻不明確，彷彿屬於某種既定系統中的一部分。作品中的人物背對畫面、面容模糊及穿著類似服裝這些帶有系統性卻難以定義的場景，表現出對生命觀察的解讀與詮釋，讓畫面在沉靜中浮現細膩且具 思辨性的感知體驗。
江為彬以水族缸造景為靈感，構築出如同微型生態系的繪畫世界。畫面中常見水草、石塊、飼料魚與沉靜的空間佈局，在自由生長與理性編排之間取得平衡的秩序。他關注生命被觀看與分類時所承擔的價值差異，透過這些微觀的水中場景，喚起對生命韌性與共生關係的再認識。

恆。好是阿波羅畫廊位於屏東恆春的空間，自2017年起，定期安排展覽展出，為阿波羅畫廊拓展南臺灣的據點。
→恆。好

《玻璃心》德國.斯洛伐克藝術家 四人聯展
2025-09-20 - 2025-10-08 | 阿波羅畫廊, 大安區忠孝東路四段218-6號A棟2樓 (阿波羅大廈), 台北市, 106, 台灣
《玻璃心》德國.斯洛伐克藝術家 四人聯展
藝術家｜
Uwe Mertsch, Gabriela Medwedova, Matti Isan Blind, Mario Weinberg
展期｜
2025.09.20 – 10.08

人生性具有情感，與他人交流連結。給予和接受愛與關懷，凝聚起一股強而有力的正向能量。然而，有時難免經歷挫折，接收負面情緒，內心變得脆弱。一如玻璃，經由高溫熔化形塑成透明的質感極為迷人，像鏡子映照周圍的環境，透視觀者的狀態。看似堅硬的外表下，容易受到外在的衝擊而破碎，觸及心中敏感地帶。四位藝術家利用不同的媒材和手段，各自呈現獨特的風格，不論是具象或抽象，皆展現敏銳的洞察力，對生活與人性細膩地的觀察。

Uwe Mertsch運用拼貼的方式，透過紙張撕裂，搭配繪畫的點綴，重新建構成新的面貌，簡單的線條和畫面，表現簡單即是美的日常生活美感。Gabriela Medwedova的作品猶如窺探光的縫隙，探究光的各種面貌，利用壓克力顏料捕捉光型態和色澤，線條間展露各種色彩，彼此相互輝映。Matti Isan Blind以油彩描繪生活周遭的場景，帶有超脫現實的元素，畫中人物的神情，若有似無地透露言外之意，引領觀者進入異想世界。Mario Weinberg利用油彩、噴漆、環氧樹脂等各種複合媒材，大膽嘗試抽象藝術無限的可能性，來回碰撞間，迸發出新的面貌，鮮豔的色彩和多元變化的線條交織下，使畫面具有豐富的層次感，帶來無比的想像。

誠摯邀請您欣賞四位藝術家的作品，展現其對生活和內在細膩的觀察，刻畫出精采的創作。

Glass Heart: Four Artists from Germany and Slovakia Exhibition
Artists｜Uwe Mertsch, Gabriela Medwedova, Matti Isan Blind, Mario Weinberg
Exhibition Period｜Sep. 20 – Oct. 08, 2025

Human life is inherently filled with emotions and the need to connect with others. Through giving and receiving love and care, a powerful force of positive energy is formed. Yet, it is inevitable at times to encounter setbacks, absorb negative emotions, and feel fragile within. Like glass—melted and shaped under high heat into a transparent texture of captivating beauty—it reflects the surrounding environment like a mirror, while also revealing the state of the viewer. Beneath the seemingly solid surface, however, lies a fragility easily shattered by external impacts, touching upon the sensitive depths of the heart.In this exhibition, four artists employ diverse materials and techniques to express their unique styles. Whether figurative or abstract, each demonstrates keen insight and delicate observations on life and human nature.

Uwe Mertsch uses collage, combining torn paper with painted details to reconstruct new imagery. With simple lines and compositions, his works convey the beauty of simplicity in everyday life. Gabriela Medwedova’s works are like glimpses through slits of light, exploring its many facets. Using acrylic paints, she captures the forms and hues of light, where lines reveal an interplay of colors that illuminate one another. Matti Isan Blind depicts scenes from daily life in oil paint, infused with elements that transcend reality. The subtle expressions of the figures in his works hint at unspoken meanings, guiding viewers into an imaginative world. Mario Weinberg experiments boldly with oil paint, spray paint, epoxy resin, and other mixed media, exploring the boundless possibilities of abstract art. Through dynamic clashes, his works burst forth with new forms, where vibrant colors and diverse lines interweave into rich layers that evoke boundless imagination.

We sincerely invite you to experience the works of these four artists, each presenting refined observations of life and the inner world, portrayed through their captivating creations.

第四屆《構圖·臺灣》入圍者聯展
2025-10-11 - 2025-11-22 | 阿波羅畫廊, 大安區忠孝東路四段218-6號A棟2樓 (阿波羅大廈), 台北市, 106, 台灣
第四屆《構圖·臺灣》入圍者聯展
藝術家｜
余采軒.林千瑋.林芃穎.金祺龍.高冠羣.陳廷菲.陳怡安.傅聖雅.彭冠銘.劉康彥
時間｜
2025.09.12-10.03 王道銀行藝廊 / 2025.10.11-11.22 阿波羅畫廊
自2014年起，由阿波羅畫廊與王道銀行教育基金會攜手推動的「構圖‧臺灣」視覺藝術創作徵件，致力於發掘並扶植35歲以下具潛力的新銳藝術家。2025年迎來第四屆，陪伴青年創作者拓展視野，形塑個人創作語彙，累積穩健的基礎。

本屆入圍有十位藝術家，以多元的媒材，各自表現不一樣的臺灣樣貌。首獎陳怡安《魅他域的漫遊者系列－漂浮的邊界》以膠彩呈現現實與虛擬邊界日漸模糊景觀，反映當今時代現象。貳獎傅聖雅《平整收折的時間 02》將影像透過摺紙，勾勒與外婆生活的家族記憶，呈現女性在家庭角色被期待的身影。參獎由兩位藝術家獲得：陳廷菲《5000ml》從提水的生活經驗，日常的瓶裝水容器為出發，透過紅銅敲擊塑形，轉化成新的視覺語彙。劉康彥《你家就是我家》以油畫棒和墨，繪出臺灣特有建築肌理，重塑日常熟悉的城市風景。

入圍作品亦各懷特色。余采軒《遺落的顏色：臺灣海岸的低語》以攝影呈現人類遺留於自然的斑斕色彩，強烈對比訴說臺灣海岸對人類的控訴。林千瑋《+∞CXQD》以纖維表現臺灣季節流轉，展現臺灣島嶼隨時間不斷推移的多重輪廓。林芃穎《巷弄中的寧靜》以油彩捕捉陽光映照的臺灣巷弄，光影變化賦予平凡角落新的生命。金祺龍《台北東區夕象》臺北繁華都市街道，在夕陽照射下，金黃與藍紫光影相互輝映，構成另一面城市面貌。高冠羣《Land撕cape-城市風景線-售本區》取材自鐵皮圍籬中的塗鴉風景，標示「售本區」，呈現自然與文明的矛盾。彭冠銘《繩像-1》以臺灣傳統護身符為題材，透過互動裝置表現信仰與生命劫難的成長力量，期許配戴者能找回面對困境的能量。

本次展覽將與台北藝術週共襄盛舉，10月18日舉辦開幕。邀請觀眾將近距離感受臺灣新生代的創作能量，進入他們對時代與個人的深層凝視，展現當代藝術的多元風貌，見證臺灣當代藝術未來的無限可能。

The 4th Go to Taiwan Finalists’ Group Exhibition
Artists｜
YU Cai-Xuan, LIN Chien-Wei, LIN Peng-Ying, JIN Chi-Lung, KAO Kuan-Chun, CHEN Ting-Fei, CHEN Yi-An, FU Sheng-Ya, PENG Guan-Ming, LIU Kang -Yen
Duration｜
2025.09.12-10.03 O-Bank Gallery / 2025.10.11-11.22 Apollo Art Gallery
Since 2014, Apollo Art Gallery and the O-Bank Education Foundation have jointly organized the Composition Taiwan Visual Arts Call for Entries, dedicated to discovering and supporting emerging artists under the age of 35. In 2025, the program enters its fourth edition, continuing to accompany young creators in broadening their horizons, shaping their artistic vocabularies, and building a solid foundation for their practice.

Among this year’s ten shortlisted artists, Chen Yi-An received first prize with Wanderer of the Metaverse Series – Floating Boundaries, a mineral pigment painting that captures the increasingly blurred line between reality and the virtual, reflecting contemporary phenomena. Fu Sheng-Ya, awarded second prize for Flattened and Folded Time 02, used origami to transform images into memories of living with her grandmother, portraying women’s expected roles within the family. Third prize went to two artists: Chen Ting-Fei, whose work 5000ml draws on the daily experience of carrying water and reshapes bottled containers in hammered red copper to create a new visual language; and Liu Kang-Yen, whose Your Home Is My Home uses oil pastels and ink to depict the textures of Taiwanese architecture, reimagining familiar urban landscapes.

The other shortlisted works also reveal distinct perspectives. Yu Tsai-Hsuan’s Forgotten Colors: Whispers of Taiwan’s Coastline photographs the vivid traces humans leave in nature, contrasting colors that voice the coastline’s indictment of humanity. Lin Chien-Wei’s +∞CXQD employs fiber to express Taiwan’s seasonal cycles, evoking the island’s shifting contours through time. Lin Peng-Ying’s Tranquility in the Alleyways captures sunlit Taiwanese alleyways in oil, where light and shadow breathe new life into ordinary corners. Jin Chi-Long’s Evening Glow in Taipei’s East District portrays Taipei’s bustling streets at sunset, where golden hues and bluish-purple tones reveal another facet of urban life. Kao Kuan-Chun’s Land-sc(r)ape – Urban Skyline – For Sale draws from graffiti landscapes on corrugated iron fences marked with “For Sale,” highlighting the tension between nature and civilization. Peng Kuan-Ming’s Rope Image–1 references traditional Taiwanese amulets in an interactive installation that embodies faith and resilience, offering wearers renewed energy to face challenges.

Presented in conjunction with Taipei Art Week, the exhibition opens on October 18. Audiences are invited to experience firsthand the creative energy of Taiwan’s new generation, to encounter their profound reflections on both the times and the self, and to witness the diverse facets of contemporary art along with the boundless possibilities for the future of Taiwanese art.

2025 台北國際藝術博覽會 展位D04
2025-10-23 12:00 - 2025-10-27 18:00 (Asia/Taipei)
藝術家 |
陳昭宏.林嶺森.沈佳玲.裵秀英.黃法誠.黃至正.王雯.Uwe Mertsch.Matti Isan Blind
展位 | 台北世界貿易中心一館 D04

策展主題：《時·光》
「時」，象徵時間的流轉、記憶的累積與情感的堆疊；「光」，代表生命的律動、希望的閃現、轉變的契機與真理的照見。當時間與光線交錯閃耀，我們看見過去與未來的重疊，也照見內在意象與外在世界的演進。《時·光》如同一道通往記憶與想像的縫隙，引領觀者穿梭於意識與現實的邊界。

陳昭宏
早在1990年代初期，陳昭宏即與阿波羅畫廊多次合作展出。他以精湛的超寫實技巧描繪美國海灘上的比基尼女性，如同透過高倍率鏡頭捕捉的畫面，細緻呈現皮膚與水氣間的質感。光影流轉中，他冷靜而敏銳地處理感官主題，展現美與情感間微妙的平衡，讓人彷彿能觸碰畫面中的溫度與氣息。
林嶺森
1987年榮獲全國美展首獎的林嶺森，以照片寫實風格凝結大自然瞬息萬變的光影。他的畫筆如同攝影鏡頭般敏銳，構圖與色調講究而細膩，展現理想中的自然風貌。本次展出最新作品更融入超現實元素，使時間停駐、空間扭曲，熟悉的景象籠罩陌生的氛圍，彷彿引領觀者步入一場清醒的夢境。
沈佳玲
旅歐多年並於維也納應用美術大學取得碩士學位的沈佳玲，專攻編織藝術。她融合纖維與繪畫語彙，探索材質的可塑性與空間層次。圖案、色彩與肌理交織成有機的視覺語言，流動間富含空間張力。此次展出將呈現她的織品與繪畫作品，展現柔軟而堅韌的藝術語境。
裵秀英
生於南韓，在日本大阪學習創作近二十年，並取得大阪藝術大學博士學位。裵秀英以廢棄電路板與電子零件為媒材，將冰冷的科技轉化為具人文溫度的藝術品。她認為電路板的紋路如血管般充滿生命力，透過創作表達對科技文明與人性溫度的省思。
黃法誠
高雄師範大學美術研究所畢業，曾獲2011年高雄獎優選與2014年「構圖台灣」首獎。他以壓克力搭配墨線勾勒，融合東方山水意境與西方形式語彙，構築詩意的視覺語境。黃法誠作品關注生態與文明間的矛盾，以詼諧筆觸傳達深刻省思。自2015年與畫廊合作以來已舉辦四次個展，展現穩健的創作能量。
黃至正
畢業於東海大學美術系研究所，擅長結合水墨與金銀箔材，營造出獨特的光感與視覺張力。透過影像拼貼與負片轉印等手法，黃至正探索記憶、影像與感知之間的交錯。他的創作語言如同一場詩意的心理旅程，引導觀者沉浸於情感與時間的交會之中。
王雯
文化大學美術研究所畢業。王雯擅長以大漆結合雲母、貝殼與蛋殼等天然素材，透過層層堆疊與拋光技法，呈現細膩的光澤與層次美感。她的作品色彩鮮明，構圖華麗，融入超現實語彙，透過「孔雀」意象寄託對美好生活與童年記憶的憧憬。自與畫廊合作八年來，已舉辦三次個展，今年五月更將推出全新漆畫個展。
Uwe Mertsch
畢業於杜賽道夫美術學院與敏斯特大學，Uwe Mertsch 以極簡主義為創作核心，運用純粹的線條與鮮明色彩，呈現生命力的抽象語彙。他以旅居歐洲、南美與亞洲的文化經歷，映照當代社會的融合與反思。與畫廊合作逾12年，多次個展，也多次參展 Art Taipei，皆廣獲好評。
Matti Isan Blind
畢業於英國倫敦 Chelsea College of Art，Matti善於結合虛實視覺語言，捕捉城市片段與個體情感的交匯。他自由揮灑的筆觸與鮮明色彩，構築富含詩意與情感張力的畫面，邀請觀者在觀看中建立自身的詮釋與連結。Matti 將首次在 Art Taipei 亮相。

2025年台北藝博，阿波羅畫廊精心策劃《時·光》展覽，邀集九位來自不同世代與文化背景的藝術家：包括資深藝術家陳昭宏，中生代創作者林嶺森與沈佳玲；新生代代表黃法誠、黃至正、王雯；來自南韓的裵秀英，以及德國藝術家Uwe Mertsch與Matti Isan Blind。這些藝術家透過平面與立體創作，呈現時間在不同文化、記憶與身分中的流動與光芒。本次展覽邀請觀者與藝術家一同穿越時間的斷層，透過創作回望過去、凝視當下、思索未來，展開一段靜謐而深刻的時光旅程。

貴榮貴賓｜
2025.10.23 (四) 12:00-21:00
貴賓預展｜
2025.10.23 (四) 15:00-21:00
2025.10.24 (五) 11:00-14:00
公眾開放｜
2025.10.24(五) 14:00-19:00
2025.10.25-26 (六-日) 11:00-19:00
2025.10.27 (一) 11:00-18:00
地點｜台北世界貿易中心一館 ( 台北市信義區信義路五段五號 )

李石樵紀念展｜巨擘薪傳-前輩藝術家系列 XIV
2025-11-29 - 2025-12-13 | 阿波羅畫廊, 大安區忠孝東路四段218-6號A棟2樓 (阿波羅大廈), 台北市, 106, 台灣
李石樵紀念展｜巨擘薪傳-前輩藝術家系列 XIV
展期｜
2025.11.29 – 12.13
開幕｜
2025.11.29 (六) 15:00
講座｜講者 / 白雪蘭
2025.11.06 (六) 15:00
「藝術是一場眞刀實槍的輸贏，要有極大的勇氣與堅強的決心。它並非是一場拿刀揮劍的比舞，因為那只要比劃精采美妙即可。所以繪畫不只求畫面的完美，而要有深刻的意義與文化内容。」 ── 李石樵

1908年出生的李石樵，在臺灣美術史有著重要的地位。1923年就讀台北師範學院，師從石川欽一郎，前往日本留學。作品曾經獲選「臺灣美術展覽會」、「帝國美術展覽會」、新「文部省美術展覽會」等多次肯定，更獲得新「文部省美術展覽會」免審查資格，是臺灣首位獲此殊榮的藝術家。爾後，擔任美術教育者，培育無數的後輩。

李石樵不僅止於追求繪畫技術，希冀創作蘊含深刻的意義與文化內涵，作品往往反映當下的時代性。從日治時期繪出台灣特有風景，彰顯台灣本土意識；戰後歷經政權更迭，畫筆下隱喻戰後不安的歷史。面對政局的動盪，潛心研究當代各個藝術派別，力求創新；1980年代隨著台灣經濟起飛，社會逐步穩定，畫面變得明亮。以厚實亮麗的色塊，聚焦於光線的佈局，表現大自然以及台灣景色下的風俗民情。創作歷程皆流露對台灣這塊土地與人文的關懷。

阿波羅畫廊感念臺灣前輩藝術家作為開創者，為臺灣美術立下穩固的根基，每年舉辦「巨擘薪傳」向臺灣前輩藝術家致敬。阿波羅畫廊曾舉辦5次李石樵個展，分別在1979、1984、1988、1989、1996年在1979、1984、1988、1989、1996年。今年是李石樵逝世三十週年，將展出1980年代創作的十多件作品，呈現陽光下的海灘、花卉、山林等。11月29日舉行開幕，12月6日邀請白雪蘭進行與談。誠摯邀請您蒞臨欣賞李石樵於晚期眼中的臺灣與藝術觀，以及感受當時的臺灣藝術史。
→ 李石樵 簡歷
→ 虛擬展廳

“Taiwanese Masters Series XIV” — LI Shih-Chiao Memorial ExhibitionOpening｜11.29, 2025 Sat. 15:00Duration｜11.29 – 12.13, 2025Speech｜12.6, 2025 Sat. 15:00 / Speaker: Pai Hsueh-Lan
“Art is a real battle of wins and losses, requiring great courage and unwavering determination. It is not a graceful performance of waving swords—because in such performances, beauty alone is enough. Painting must therefore pursue not only visual perfection but also profound meaning and cultural substance.” — LI Shih-Chiao
Born in 1908, LI Shih-Chiao occupies a significant place in the history of Taiwanese art. In 1923, he enrolled in the Taipei Normal School and studied under Ishikawa Kinichiro before pursuing further studies in Japan. His works were repeatedly selected for the Taiwan Fine Arts Exhibition, the Imperial Fine Arts Exhibition, and the new Ministry of Education Fine Arts Exhibition, earning him widespread acclaim. He later received exemption from review by the new Ministry of Education Fine Arts Exhibition—the first Taiwanese artist to be granted this honor. LI went on to devote himself to art education, nurturing generations of younger artists.
LI Shih-Chiao’s pursuits extended far beyond technical mastery; he sought to infuse his works with deep meaning and cultural resonance, often reflecting the spirit of the times. During the Japanese colonial period, he painted uniquely Taiwanese landscapes that emphasized a growing local consciousness. After the war, his works subtly conveyed the uneasy atmosphere of political transition. Amid changing regimes, he immersed himself in various contemporary art movements and strove for innovation. By the 1980s, as Taiwan’s economy blossomed and society stabilized, his works took on a brighter tone. Through vibrant, solid blocks of color and meticulous attention to light, he depicted nature and Taiwan’s customs and scenery. Throughout his artistic journey, LI consistently expressed profound care for Taiwan—its land and its people.
Apollo Art Gallery honors the pioneering contributions of senior Taiwanese artists who established the foundations of Taiwanese art. Each year, the gallery presents the “Taiwanese Masters ” series as a tribute. Apollo Art Gallery has previously held five solo exhibitions for LI Shih-Chiao, in 1979, 1984, 1988, 1989, and 1996. This year marks the 30th anniversary of LI’s passing. The exhibition will feature more than ten works from the 1980s, showcasing scenes of sunlit beaches, flowers, forests, and more.
The opening will take place on November 29, and on December 6, Pai Hsueh-Lan will join us for an in-depth dialogue.You are sincerely invited to attend, to appreciate LI Shih-Chiao’s late artistic vision of Taiwan, and to experience the era of Taiwanese art history that shaped his work.
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《會飲》黃至正個展
2025-12-20 - 2026-02-07 | 阿波羅畫廊, 大安區忠孝東路四段218-6號A棟2樓 (阿波羅大廈), 台北市, 106, 台灣
《會飲》黃至正個展
展期｜
2025.12.20 – 2026.02.07
開幕｜
2025.12.20 (六) 15:00
藝術家與談｜
2026.01.10 (六) 15:00
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《會飲 Symposium》其展名直接援引自柏拉圖的一部對話式作品《會飲篇》，該作品記敘了一個宴會場景，眾人在宴會中探討與頌讚愛欲，最後將愛欲從單純的性慾或激情，重新定義為通往形上學真理的理性與精神驅力，而黃至正則在此次展覽中回顧與研究台灣繪畫史上同樣曾於阿波羅畫廊展出過的幾位前輩藝術家。對於至正而言，成立近半個世紀的阿波羅畫廊恰如台灣繪畫史上的一場歷史饗宴，曾於畫廊展出過的藝術家皆為饗宴的與會者之一，而畫作則是宴會上唯一流通的語言，藉由畫作的題材、筆觸與風格，酒酣耳熱的言談從不停止。

此次展覽中，黃至正選擇以「靜物」這一經典的題材作為回應台灣美術史的方式。有別於傳統水墨畫中象徵文人雅趣的「清供圖」或「折枝花鳥」，西方靜物畫概念的傳入揭開了日治時期台灣藝術家視覺經驗的現代化轉向，藉由對靜止物體的描繪，藝術家系統性地習得了透視法與理性的科學觀察方式，台灣藝術家亦藉由加入如木瓜、香蕉、鳳梨、百合花、蘭花等南國作物，建構出清晰的在地意象。

在《臨界》這件作品中，大量的水果被置放在鏡面上，除了台灣常見的葡萄、蘋果，亦能見到被剖開的石榴，石榴絕非在台灣常見的食物，卻是學院美術教育中，常與石膏像並置的經典臨摹對象。當黃至正在創作過程中思索何謂「在地」這一概念時，經常會想起鑲嵌在他育成經驗中的石榴種子，鏡面中的倒影恰恰是作為藝術家持續提問與思辯的證明。

而箔作為黃至正長年關注的材料，藝術家不僅熱衷於箔所承載的文化意涵，亦著迷材質本身的特性，尤其是箔會隨著環境、光線所呈現出的多變面貌，在《扶疏》、《夜航》中，黃至正以不同的技法「擦亮」玻璃杯、「點燃」蠟燭，精心布置了一個燭火搖曳的夜宴，彷彿在作品前方走動時，能夠看見杯子映出自己的倒影，畫作中的燭光足以照亮現實。

《餘溫》則是黃至正不吝於表達自身對於藝術家席德進的喜愛，席德進擅以大膽的筆觸與濃烈色彩刻劃人物，黃至正則以柔軟的筆觸與溫潤色調繪製樹下納涼的少年，樹影築起的浪拍打著他的身體，若席德進是以熾熱的目光注視所愛，藉此保存生命最璀璨的一刻，黃至正則總是望向事物最幽微之處，在萬物生成時預見其不可迴避之終結，對藝術家而言，烈火與餘燼盡無不同。

在此次展覽《會飲 Symposium》中，藝術家不僅展示了對於掌握金屬箔這一特殊材料的純熟技巧，同時也是藉由回顧所展開與前輩畫家的一場宴席與言談，試圖提問作為創作者要如何真實的面對自身此時此刻的處境，且以一件件的作品構成能夠跨越時代的語句。

黃至正畢業於東海大學美術系碩士班創作組。曾獲文化部遴選為 Art Taipei「Made In Taiwan-新人推薦特區」藝術家、臺南新藝獎首獎、阿波羅畫廊與王道銀行教育基金會主辦之「構圖．臺灣」視覺藝術創作徵件計畫入圍等獎項。作品曾受臺南市立美術館、國立臺灣美術館典藏及台中市立美術館典藏。在阿波羅畫廊的推薦與推動下，陸續參與台北國際藝術博覽會、台中藝術博覽會、台南藝術博覽會、One Art、Whatz 等多場藝博會，累計展出達十五次，並獲得眾多藏家高度關注與肯定。今年首次於阿波羅畫廊舉辦個展。
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“Symposium” — Solo Exhibition by HUANG Chih-ChengOpening｜12.20, 2025 Sat. 15:00Duration｜12.20, 2025 – 02.07, 2026Artist Talk｜01.10, 2026 Sat. 15:00
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“Symposium” takes its title directly from Plato’s dialogic work Symposium, which recounts a banquet in which the guests explore and praise the nature of Eros. The dialogue ultimately reframes Eros not merely as sexual desire or passionate impulse, but as a rational and spiritual force leading toward metaphysical truth.
In this exhibition, Huang Chih-Chen revisits and studies several pioneering Taiwanese artists who likewise exhibited at Apollo Art Gallery in earlier decades.
For Huang, the nearly half-century-old Apollo Art Gallery resembles a grand feast in the history of Taiwanese painting. Every artist who has shown at the gallery becomes a participant in this historical banquet, and the artworks serve as the sole language exchanged at the table. Through subject matter, brushwork, and stylistic choices, the spirited conversations of this banquet continue without end.

In this exhibition, Huang Chih-Chen adopts still life, a classical genre, as his means of responding to the trajectory of Taiwanese art history. Distinct from the traditional ink-painting motifs such as qinggong tu or cut-branch bird-and-flower compositions, which embody the cultivated elegance of the literati, the introduction of Western still-life concepts marked a modern shift in the visual experience of Taiwanese artists during the Japanese colonial period.
Through the depiction of inanimate objects, artists systematically acquired the use of perspective along with methods of rational, scientific observation. Taiwanese painters further constructed a clear sense of local identity by incorporating tropical produce such as papayas, bananas, pineapples, as well as lilies and orchids, into their compositions.

In 《Critical Point》, a large assortment of fruits is arranged upon a mirrored surface. Alongside familiar items such as grapes and apples commonly seen in Taiwan, the composition also features a split-open pomegranate. Although pomegranates are far from typical in Taiwanese daily life, they remain a canonical subject of academic training, frequently paired with plaster casts as objects for foundational study.

As Huang Chih-Chen contemplated the notion of “locality” during his creative process, he often recalled the pomegranate seeds embedded in his formative experiences. The reflections captured within the mirror serve precisely as evidence of the artist’s ongoing inquiry and critical reflection.

Foil, a material that has long preoccupied Huang Chih-Chen, engages him not only through its rich cultural connotations but also through its intrinsic physical qualities. He is particularly drawn to the way foil shifts in appearance depending on its surrounding environment and the light that strikes it.
In 《Sparse and Spreading》 and 《Night Flight》, Huang employs various techniques to “polish” a glass and “ignite” a candle, meticulously staging a nocturnal banquet illuminated by flickering flames. As viewers move before the works, they may glimpse their own reflections cast upon the glass, as though the candlelight within the painting were bright enough to illuminate reality itself.

In 《Lingering Warmth》, Huang Chih-Chen openly expresses his admiration for the artist Hsi Te-chin. While Hsi is known for his bold brushwork and vivid, saturated colors in portraying the human figure, Huang instead depicts a youth resting beneath a tree with gentle strokes and a warm, subdued palette. The shadows cast by the foliage ripple across the boy’s body like waves.

If Hsi Te-chin gazed upon his subjects with a fervent intensity, seeking to preserve the most radiant moments of life, then Huang Chih-Chen consistently turns his attention toward the most delicate and elusive states of being. He perceives, at the very moment things come into existence, the inevitability of their end. For the artist, blazing fire and lingering embers are ultimately indistinguishable.

In the exhibition 《Symposium》, the artist not only demonstrates his mastery of working with metallic foil but also initiates, through this act of retrospection, an imagined banquet and dialogue with the painters who came before him. Through this encounter, he seeks to question how a creator might genuinely confront their own present condition. Each work becomes a phrase capable of transcending its time, contributing to an ongoing conversation across generations.

Huang Chih-Chen received his MFA in Fine Arts from Tunghai University. He was selected by the Ministry of Culture for Art Taipei’s “Made in Taiwan – Young Artist Discovery” program and has received several honors, including the First Prize of the Tainan New Art Award and finalist recognition in “GOTO Taiwan,” a visual arts initiative organized by Apollo Art Gallery and the O-Bank Education Foundation. His works have been collected by the Tainan Art Museum, the National Taiwan Museum of Fine Arts, and the Taichung City Tun District Art Center.
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構圖台灣 ╳ 恆。好
2025-12-29 - 2026-04-10 | 恆。好 HunHau, 東門路2巷11弄4號, 恆春鎮, 屏東縣, 台灣
構圖台灣 ╳ 恆。好
藝術家｜
余采軒.林千瑋.林芃穎.金祺龍.高冠羣.陳廷菲.陳怡安.傅聖雅.彭冠銘.劉康彥
展期｜
2025.12.29 – 2026.04.10
地點｜恆。好
屏東縣屏東鎮東門路2巷11弄2&4號

《構圖．臺灣》第四屆入圍聯展，集結十位藝術家，透過繪畫、裝置與複合媒材等形式，呈現當代創作中對空間、日常與文化感知的多元回應。本屆展覽延續「構圖．臺灣」對於當代視覺語彙的關注，呈現年輕世代藝術家在各自創作脈絡中的觀察與實踐。

「恆 · 好」是阿波羅畫廊位於屏東恆春的展覽空間，自2017年起持續策劃並推出多元展覽，邀請不同世代與創作背景的藝術家於此發表作品，逐步建立南臺灣穩定的藝術據點。空間座落於恆春東門，也讓藝術融入日常風景，成為旅途中可駐足停留的文化場域。

→恆。好

《Go To Taiwan》Joint Exhibition

Artists｜
YU Cai-Xuan, LIN Chien-Wei, LIN Peng-Ying, JIN Chi-Lung, KAO Kuan-Chun, CHEN Ting-Fei, CHEN Yi-An, FU Sheng-Ya, PENG Guan-Ming, LIU Kang -Yen
Duration｜
2025.12.29 – 2026.04.10
Location｜HunHau

No. 2, Aly. 11, Ln. 2, Dongmen Rd., Hengchun Township, Pingtung County 946, Taiwan
Go To Taiwan: The 4th Selected Artists Joint Exhibition brings together ten artists working across painting, installation, and mixed media. Through diverse artistic approaches, the exhibition presents multifaceted responses to space, everyday life, and cultural perception in contemporary practice. Continuing the exhibition’s long-standing focus on contemporary visual language, this edition highlights observations and artistic practices shaped by different generational and creative contexts.
「HunHau」 is an exhibition space of Apollo Art Gallery located in Hengchun, Pingtung. Since 2017, it has continuously curated and presented a diverse range of exhibitions, inviting artists from different generations and creative backgrounds to present their works, gradually establishing a stable art presence in southern Taiwan. Situated within the historic Hengchun Old Town, the space allows art to merge naturally into the everyday landscape, becoming a cultural stop where visitors can pause and engage during their journey.
Welcome to wander through HunHau Old Town and visit Heng. Hao to experience the artworks.

→HunHau

《臨界之間》李萬全.胡文賢.林嶺森 聯展 ╳ The One南園
2026-01-06 08:00 - 17:00
《臨界之間》李萬全.胡文賢.林嶺森 聯展 ╳ The One南園
展期 | 2026.01.02 – 06.01
地點 | The One南園人文客棧 (新竹縣新埔鎮九芎湖32號)

《臨界之間》呈現停留、過渡、稍縱即逝之感，現實與想像的聯展。作品展示靜物、風景與花卉，畫面中既有船舶停靠於岸邊的瞬間，也有花卉綻放之際所展現的生命節奏，並伴隨著脫離純粹再現、滲入想像的景物。這些景象彷彿停留在行動尚未發生之前，介於抵達與啟程、現實與心象之間。三位藝術家李萬全、胡文賢、林嶺森，皆以油彩以各自的創作語言，捕捉風景的臨界狀態，使觀看成為一種對時間與感知的凝視。
李萬全曾旅居法國，行走於城市與鄉間之間。他將港口中停泊的船舶，或是鄉野間的自然風景，成為創作題材。李萬全以光線的素描原理作為構圖基礎，從具象繪畫的古典語彙出發，逐步吸收印象主義對光與感知的理解，對自然的客觀形體進行深入探求，進一步內化將情感投入其中，呈現出客觀與主觀間的臨界之際。
胡文賢以靜物為其主要題材，他融合超現實主義，將內在的思想、幻想及理想忠實的呈現。複合圖像與錯置空間融合。把日常生活所見的瓶花、蔬果食糧、器具等靜物，透過色彩與筆觸的布局，古典之中帶有獨具氛圍的奇幻與浪漫之感。遊走於現實與異想的臨界線。
林嶺森以照片寫實風格凝結大自然瞬息萬變的光影。他的畫筆如同攝影鏡頭般敏銳，構圖與色調講究而細膩，表達理想中的自然風貌。林嶺森將陽光底下花卉綻放的動人姿態，流露出最美好的一面。奔騰的瀑布，希臘羅馬古城的融入，帶有超現實的元素，增添想像。展現流動之中，瞬息的臨界點。
本次展覽期待透過三位藝術家的作品，引領觀者感受介於停留與流動、現實與想像之間的臨界風景。

#移動畫廊
阿波羅畫廊成立以來致力於推廣藝術，藝術展出不局限於畫廊空間。自2018年起與異數悅遊 The One南園人文客棧 以「共好」的精神攜手合作，將藝術進駐於南園同心樓的公共空間以及各個廂房裡，讓來此隱山歇心的旅人們，恣意游於藝術之間，深入體驗臺灣原創藝術能量與實力。

展期 | 2024.11.12 – 2025.04.30
地點 | The One 南園人文客棧
地址 | 新竹縣新埔鎮九芎湖32號

**參觀及遊園請電話預約**
預約中心 | (02)2562-1777 週一至週六 09:00~18:00
現場服務專線 | (03)589-0011#1101、1102

關於藝術家 → 李萬全 胡文賢 林嶺森
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冉茂芹，《春到梨山》：台灣‧台中(耶穌堂)
2026-02-28 08:00 - 17:00
冉茂芹，《春到梨山》：台灣‧台中(耶穌堂)
50×60.5cm，1990
從松柏村往後上山，梨花、蘋果花正在開放，滿山都活潑起來。米白色的小教堂在早上的陽光中熠熠生輝，教堂後的山脊被朝霧漫過，全然不見了身影。這裡是梨山春早的景象。
梨山寫生三幾次，有春天也有秋天，第一次就住在松柏村，梨山賓館一帶上上下下倒摸熟了，不僅畫了好幾張寫生畫，回到台北還藉以創作了幾幅風景大畫。

YIM Mau-Kun, Spring Comes to Lishan, Taichung, Taiwan
From Songbai Village, heading further up into the mountains, pear blossoms and apple blossoms are in full bloom, bringing a lively vitality to the hillsides. A small off-white chapel gleams in the morning sunlight, while the ridge behind it is veiled in drifting dawn mist, its outline completely obscured. This is the early spring scenery of Lishan.
I have sketched in Lishan several times, both in spring and in autumn. On my first visit, I stayed in Songbai Village and became thoroughly familiar with the area around the Lishan Guest House, wandering up and down its slopes. I completed several plein-air sketches there, and after returning to Taipei, I used them as the basis for creating a number of large-scale landscape paintings.

冉茂芹，《埔里河》：台灣‧南投‧埔里
2026-02-28 08:00 - 17:00
冉茂芹，《埔里河》：台灣‧南投‧埔里
33.5×45.5 cm，1999年
1999年秋天，發生了驚天動地的921大地震，整個台灣都被搖撼了，而震央正是南投縣的埔里。
那年春天，我台北與髙雄兩地的美術班學員舉辦了一次聨合寫生活動，南北向中的集合點就是埔里，記得住在一處名叫“阿波羅”的hotel。在埔里大約兩叄天吧，後來就各車散開了。
這張畫中的河叫什麼名字？處在埔里鎮的東南西北？也不清楚了，但是，清楚記得畫中的右方是一塊台地，延伸過去就是埔里的市區，我們的腳下是直接巿區的石橋，從橋上望去，小河蜿蜒，流水汩汩，春綠的田陌相連，伸向迷濛遠方，自是一幅畫面。結果，大家都湧到橋上來了，待將畫箱架一字排開：好一幅寫生圖！套一句流行的話是：一道特別的風景線！

YIM Mau-Kun, Old Shed, Nantou, Taiwan
33.5×45.5 cm，1999

After leaving Puli, several cars of us headed toward Shuili. I was rather muddle-headed, with no real sense of the route or direction. My only task was to keep my eyes on the scenery along the way, and the moment I spotted something paint-worthy, I would call for a stop.
We got out at this abandoned work shed to take a look, and sure enough, it was promising—full of pictorial charm. The wooden factory building, with its horizontal and vertical planks, stood in a desolate little courtyard where a graceful flame tree stretched diagonally upward. Fine leaves were scattered over the plank roof and the earthen ground of the yard, occasionally quivering and falling as if nervously shedding themselves. There was not a single person in sight—truly a place abandoned and emptied of life. Only the occasional passing bird cried out once or twice, as if surprised that someone would pause to capture images of such a desolate old building.
In fact, although this scene possessed a distinctive beauty, it was extremely challenging to paint. Especially with trees standing in front of the shed—the trunks, branches, and leaves all had to be depicted, including the fluttering foliage. And all of this had to be completed on site within three hours.
Ruined scenes often stir a sense of melancholy. Perhaps this is not merely my own tendency to “force sorrow” where it need not be.

冉茂芹，《舊工棚》：台灣‧南投‧水里
2026-02-28 08:00 - 17:00
冉茂芹，《舊工棚》：台灣‧南投‧水里
33.5×45.5cm，1999
離開埔里後我們三幾輛車往水里方向駛去，我是糊裡糊塗，地點方向一些也沒概念，我唯一的工作是盯住沿途看景緻，一遇有畫頭的即刻叫停。
在這廢棄的工棚處下車看看，果然不錯，蠻有畫味，那一橫一豎的木板廠房，荒落的小院中斜伸著一棵多姿的鳳凰花樹，細碎的樹葉撒落在板棚上和小院的泥土上，還不時神經質地在抖落。沒有半個人影，真正的人去樓空！只有偶爾經過的飛鳥嘠的一兩聲，好像是驚奇竟有人為此荒涼的舊樓留影。
其實，這處景物雖然美感特殊，但難度極大！尤其是板棚前面還有樹木，要畫樹幹樹枝樹葉還要樹葉婆娑！這一切都要在現場三小時完成！
殘破的景物常引起人們的傷感，或許，這應該不只是我的“強說愁”吧？

YIM Mau-Kun, Old Shed, Nantou, Taiwan
33.5×45.5cm，1999

After leaving Puli, several cars of us headed toward Shuili. I was rather muddle-headed, with no real sense of the route or direction. My only task was to keep my eyes on the scenery along the way, and the moment I spotted something paint-worthy, I would call for a stop.
We got out at this abandoned work shed to take a look, and sure enough, it was promising—full of pictorial charm. The wooden factory building, with its horizontal and vertical planks, stood in a desolate little courtyard where a graceful flame tree stretched diagonally upward. Fine leaves were scattered over the plank roof and the earthen ground of the yard, occasionally quivering and falling as if nervously shedding themselves. There was not a single person in sight—truly a place abandoned and emptied of life. Only the occasional passing bird cried out once or twice, as if surprised that someone would pause to capture images of such a desolate old building.
In fact, although this scene possessed a distinctive beauty, it was extremely challenging to paint. Especially with trees standing in front of the shed—the trunks, branches, and leaves all had to be depicted, including the fluttering foliage. And all of this had to be completed on site within three hours.
Ruined scenes often stir a sense of melancholy. Perhaps this is not merely my own tendency to “force sorrow” where it need not be.

冉茂芹，《蘭嶼落日》： 台灣‧台東
2026-02-28 08:00 - 17:00
冉茂芹，《蘭嶼落日》： 台灣‧台東
91×65cm，2004年
蘭嶼在台東外海，是台灣迷人的島嶼，島不大，摩托車環島一周也不到兩小時，島上居住二千多達悟族，捕魚和種植芋頭為生。他們的房屋低矮且深陷於山坡土表，因而，冬暖夏涼。尤其令人驚豔的是達悟人用木板手工製作的小船，兩頭翹起，船身雕刻圖案，填上紅白花紋，美麗極了。
我畫過面向太平洋的東清灣，決意再畫一幅蘭嶼落日，畫中：夕陽西下，漫天浮雲，海浪嘻鬧，排成隊的小船們彷彿向晚霞致敬，這黃昏多麼溫暖和愉快啊，所以，過去曾取了一個稍長的名字「太陽最後的微笑」。

YIM Mau-Kun, Sunset at Lanyu, Taitung, Taiwan
91×65cm，2004

Lanyu lies off the coast of Taitung and is one of Taiwan’s most enchanting islands. The island is small—one can ride a motorcycle around it in less than two hours. It is home to more than two thousand Tao people, who make their living by fishing and cultivating taro. Their houses are low and set deep into the hillside earth, making them warm in winter and cool in summer. Most striking of all are the Tao people’s hand-built wooden boats: both ends curve upward, and the hulls are carved with patterns and painted in red and white designs—exquisitely beautiful.

冉茂芹，《春雨迷濛長岡京》：日本．京都
2026-02-28 08:00 - 17:00
《春雨迷濛長岡京》：日本．京都
45.5×53 cm，2005年
長岡京在京都附近，每次從新大阪坐電車到京都，從窗邊能看到長岡京的景色：它有一灣水，有座小小山，山上有座小小廟。水邊蓋了一排古色的茶室。山上水邊處處可見各種櫻花玉立其中，尤其是湖邊兩排吉野櫻，伸出長枝、搭成棚式的花道，甚是壯觀。
正遊覽間，天忽小雨，只好躲進彎橋那頭的木亭，畫下這湖邊春影。

YIM Mau-Kun, Mist-Veiled Spring Rain in Nagaokakyō, Kyoto, Japan
45.5×53cm，2005

Nagaokakyō lies near Kyoto. Each time I take the train from Shin-Osaka to Kyoto, I can see the scenery of Nagaokakyō from the window: a curve of water, a small hill, and atop it, a small temple. Along the water’s edge stands a row of quaint, timeworn teahouses. On the hill and by the water, cherry trees of various kinds appear everywhere, standing gracefully among the landscape. Most striking of all are the two rows of Yoshino cherry trees by the lakeside, their long branches stretching outward to form a tunnel-like canopy of blossoms—truly a magnificent sight.
While strolling through the area, a light rain suddenly began to fall, so we took shelter in a wooden pavilion at the far end of the arched bridge, where I painted this spring scene by the lake.

冉茂芹，《北野天滿宮》：日本．京都
2026-02-28 08:00 - 17:00
冉茂芹《北野天滿宮》：日本．京都
45×53 cm，2005年
北野天滿宮很大，在主宮旁邊還有捐献者的小廟，造型、色彩多姿多彩，十分可愛。我用四個小時，畫下了這小小廟的可細讀的一景。

YIM Mau-Kun, Kitano Tenmangu Shrine, Kyoto
45×53 cm，2005

Kitano Tenmangū Shrine is expansive, and beside the main sanctuary there are small shrines donated by patrons. Rich in form and color, they are delightful in their variety. I spent four hours painting a carefully observed scene of one of these small shrines.

冉茂芹，《小樹林》：台灣．宜蘭
2026-02-28 08:00 - 17:00
冉茂芹，《小樹林》：台灣．宜蘭
53×45 cm，2007年
這是宜蘭、台北交界處的森林研究所。
在好朋友楊恩生教授大力推薦下，我背著油畫箱進到這幽靜的山林湖泊之中，眼前的小樹林彷彿是一群舞完的姑娘對著我說：「留下來！」，夕陽也灑進兩抹溫暖的陽光，還說什麼呢？我終於畫完這無聲的小樹林。
畫樹林很難，難在要有深度，有空間感，方如古人所說：「可居，可遊」，所謂有意境。

YIM Mau-Kun, Small Grove, Yilan, Taiwan
53×45 cm，2007年

This is the Forest Research Institute at the border between Yilan and Taipei.
At the strong recommendation of my good friend Professor Yang En-sheng, I carried my oil-painting kit into this tranquil mountain forest and lakeside setting. The small grove before me seemed like a group of dancers who had just finished their performance, turning to me as if to say, “Stay.” The setting sun cast two bands of warm light into the scene—what more needed to be said? In the end, I completed this silent little grove.
Painting a forest is difficult. The challenge lies in creating depth and a sense of space, so that it becomes, as the ancients described, “a place one could dwell in, a place one could wander through”—in other words, a scene imbued with poetic atmosphere.

冉茂芹，《田疇晚雲》：台灣．桃園．龍潭
2026-02-28 08:00 - 17:00
冉茂芹，《田疇晚雲》：台灣．桃園．龍潭
31×41 cm，2010年
清末民初大學者王國維說：「有造境，有寫境，此理想與寫實二派之所由分。然二者頗難分別，因大詩人所造之境必合乎自然，所寫之境必鄰於理想故也。」
畫家心中有詩，眼中有詩，下筆畫面必有詩意而少匠氣也。早些年赴美講學，見女婿Uffe(丹麥人，中國古文化教授)的書架上有這本《 人間詞語解讀》，翻閱後直索之，帶回台北。常翻閱，常有悟。

YIM Mau-Kun, Evening Clouds over the Fields, Taoyuan, Taiwan
Wang Guowei, a great scholar of the late Qing and early Republican period, once said:
“There is the creation of a realm, and there is the depiction of a realm. This is how the idealist and realist schools are distinguished. Yet the two are rather difficult to separate, for the realm created by a great poet must accord with nature, while the realm depicted must inevitably verge upon the ideal.”

When a painter carries poetry in the heart and poetry in the eye, the painted image will naturally be imbued with poetic resonance and free of mere craftsmanship. Years ago, while lecturing in the United States, I noticed a copy of Renjian Ciyu Jiedu on the bookshelf of my son-in-law Uffe (a Dane and a professor of classical Chinese culture). After browsing through it, I immediately asked for it and brought it back to Taipei. I return to it often, and each time I do, I gain new insights.
